优秀作文的评价标准包括内容丰富性、观点独特性、逻辑严谨性、语言表达能力和文采性等多个方面。以下是一些历年来被认为是优秀作文的范文，希望可以给大家提供一些写作的参考。
国画的作文
我们院里有一位老人，画的国画特别漂亮，她告诉我，她十几岁就开始学国画了下面我来介绍一下她画的画吧。
我在观看她的画时，宛如身临其境：那层层叠叠的高山、郁郁葱葱的森林，隐隐约约地倒影在湖水里，我正看的入神，突然，两只美丽的'喜鹊轻点湖面，荡起一圈圈涟漪，又展展翅膀走走了。远处，一叶小舟向我飘来，一阵微风吹过，从天空飘下来一片片红色花瓣……此情此景，让我想起了李白的一首诗：天门中断楚江开，碧水东流至此回。两岸青山相对出，孤帆一片日边来。
国画是国粹、也是国家的骄傲，我爱国画，更爱老人那独特的魅力给人的感觉!
国画作文
《清明上河图》这幅名画上的人物、街道、牲口都很逼真，而这幅名画就是以国画形式画成的。
我上幼儿园时就对国画感兴趣，于是报名参加了国画兴趣班，跟着吕老师学习国画。时光飞逝，转眼间我上了小学三年级，我惊喜地发现，国画原来是中国传统文化之一！我高兴极了，我为自己会一门中国传统文化而自豪！
我觉得学国画不仅是学了一门课程，而且还丰富了课余生活。
我真喜欢国画！你也一样吧？
国画的作文
我本人十分喜欢画画，什么素描、水彩、油画这些都喜欢，但我最爱的还是国画。
国画很有讲究，就是选纸、笔、颜料也要很重要，一幅好的国画要用很长时间来完成。还有一点就是要有耐心和要细心。记得我第一次接触国画的时候，别提有多糟了。我画的是一幅“荷塘夏景”起先要勾勒出荷花的边，我一开始勾得还不错，但5、6分钟我就不耐烦了，便乌七八糟地勾了一通，导致线条有粗有细。勾好线条就上色了，老师说：“先涂上原色在用水色把原色扩散开。”然后看了老师的示范我已经胸有成竹了，谁知，我总不能用水色把原色扩散开，哎呦！把我急得呀！接着，我实在是画不好，又心急，草草上好色，就了事了。好好的一副国画就被我给毁了，唉！后来，我又在次画国画了，我吸取了上次的.教训，好好的勾线，再怎么无奈也接着好好的勾，而且我每一个步骤都很认真，上色也不像上次那样毛毛草草细心的扩散了原色。结果我花了3个小时多的时间完成了一幅国画。
从那以后我爱上了国画，爱上国画的传统，爱上国画的色彩。
画画的魅力
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本科就读于中南大学环境设计专业，由于一向对画画有深切执念，尝试转了专业。幸运的是立刻就要研二啦。
我从去年夏天开始画怪物手册，那时我一个人在外面租房住着，一年多的时间我尽量坚持每一天画小怪兽。灵感来源于我每一天遇到的事情和看见的东西，到此刻已经画完了两本一共三百多个小怪兽。我最开始画的初衷只是想给自我留一个情感宣泄的空间，并且抽象的东西似乎更能表达我想表达的。慢慢的就发现这东西的趣味性，仿佛我成为了一个mama，每一天都在创造属于我的情感小怪兽。它们各种颜色状态形象，有时再深入的想一想它们或许也有自我要拥有的生活呢。它们在我那里也是真实存在的。很趣味的体验。
一个人住的这一年，时常会有关于自我的探索，了解到自我本身的局限和长处。慢慢的学会跟自我相处，还有关于生活的琐碎，操心穿衣吃饭。安排好每一天的生活作息，这些真是一个大课题。画画是一件很幸福的事情，力量也无穷大，比如现实中并不能存在的东西，只要依靠我们的想象和画笔就能体现出来，这大概就是。
没有灵感的时候会放松自我跟朋友出去玩一玩，看展览逛菜市场。菜市场真是一个神奇的地方，我推荐每个人都去逛逛。心境绝对满分。
目前坚持想做什么就去做什么绝对不能等，因为最适宜的永远是现在。
那里是我的部分一百个小怪兽，拉出来跟大家见个面（鞠躬）。
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画画教案模板。
最有魅力辞职报告。
魅力冬天作文。
语言魅力演讲稿。
沙画的魅力
沙画是一个神奇而又神秘的精灵，它变化莫测，具有特殊的吸引力。在上午，我们观看了一部展示沙画独特魅力的作品《战争与和平》，这个观看过程并不是枯燥无味的，而是牵引着我们每个人的心，引人入胜。
刚开始，沙画师点亮一根蜡烛，表示表演开始。她只用一双手，就简单快速的勾勒出坐在长椅上的一对恋人，用手指尖轻点白板，画面上立即出现了满天的繁星。战争来了，画上出现了一位卷发女孩，路灯在沙画师的双手下变换成了一个摇篮，里面睡着一个战争中诞生的小孩。沙画师紧接着在白板上撒沙，原来的景象又被她的手变成了一张张无助的脸庞。毫无生命的沙子被这位艺术家玩“活”了！
这位伟大的沙画师又在白板上画出了波浪，用手指一抹、一撒、一点，便立即成了一位卷发妇女，沙画师又画出一封信，八只手指向上、向下一抹，抓着信封的双手就被淋漓尽致地展现了出来。
国画的作文
我从三年级开始爱上了国画，经为这段时间的国画学习，我的知道丰富了不少呢。国画又称中国画，历史十分悠久。远在2000多年前的战国时期就出南了在丝织品上的`绘画——帛画，在这之前又有原始岩和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。
我以前学学国画时我也爱国画，只是没有找到合适的老师来教我画国画。一天，我发现同班同学在学国画，于是我就去他那儿寻问了在哪学在跟哪个老师学国画，问到后就央求妈妈帮我报名，然后就去青少年活动中心跟着赵老师学国画。
老师先教我画菊花，一开始我怎么画也画不到自己满意，经常想放弃，但最后我都坚持了下来，一直到现在。现在我什么都会画了，自我感觉良好。老师常说，自然的景物不一定要和老师画得一样，如果一模一样的画，那就白叫自然景物了。我以前一直有明白老师说的是什么意思，只想着一定要画得和老师一样老。现在我终于明白老师的意思了，世界万物都有千姿万态，即便是同一些东西也不一定一模一样，自从明白这个道理后我的画画水平也提高了不少。
我爱老师，更爱国画。我与国画的感情已经十分深厚，画国画能让我修身养性，能让我安静下来，在画画中体会祖国大好河山的壮丽。
一幅油画的魅力
这幅画是我老婶家的沙发背景墙，有一次我无意中发现了这幅油画的魅力所在。看着看着，我便入迷了，谁知出现了幻觉般的意境。那是一个美丽的清晨。
湛的天空中洁白的云朵，看着真柔软，温和的阳光照耀着大地。突然，一阵风从遥远的地方吹过来。亮光似的花瓣飘到我的脸上，咦，是什么花的花瓣？如此的亮丽，我好奇地想着。忽然，一阵云雾匆匆忙忙的从我面前跑过去了，我的眼前是一片片向日葵地天地，远远地还有着五颜六色的草垛，在那一块空地前，有一间漂亮的房屋，里面住着的人是那些向日葵的主人吧！
那向日葵的心儿好像呈棕色，都是一个个小籽儿组成的一团棕。向日葵的花瓣是鲜亮的黄色，稍微有点儿橙色加红色，向黄昏的天边一样美丽动人。叶子更是漂亮了有的叶子的姿态真是婀娜多姿形态各异。
从近向远看，一片灿烂的黄色印在我的心中。小山坡上屹立着一棵棵小松树，还有那美丽巍峨的冰山……松树绿的像翠玉，那向日葵黄的似麦穗，冰山白的似雪花，五颜六色。
好似从山间飘来的雨露惊醒了我。哦！原来是一副带着无穷魅力的油画。啊！多美的意境呀！我是多么的恋恋不舍。
国画的基本分类
国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。下面是小编分享的国画的基本分类，一起来看一下吧。
中国画中写意画是以水墨作长时期占据着画坛的统治地位，成为正统。画家对水墨的独特的感悟，来源于对水墨画的实践。中国人对于线条、水墨的特殊感情和心悟，是古老的传统艺术思维现象。儒道思想的启迪和制约，使得中国画家迷走于水墨天地数千年乐而忘返。水墨画以其独具的风采、恢宏博大的内涵、神秘莫测的无穷变化，尤其是它纯正的东方意味使之傲立于世界艺术之林。
水墨画的发展是以水墨技法的不断进步、完善而趋于成熟的。如董源的氤氲，郭熙的菌散，范宽的厚实，米友仁的充润，李唐的浓重，夏圭的淋漓-----从宋元以后的四家、董其昌、徐渭、四僧、四王、扬州八怪，直到吴昌硕、黄宾虹、石鲁、傅抱石、张大千、李可染、齐白石等，在水墨画的探索实践中也都各得珍奇，各具风采。传统水墨画讲究用笔用墨，推崇有笔有墨，追求笔意墨致，这就是说对笔和墨的要求是同等严格的。在实践操作中，往往是以笔带墨，故处处见笔。由于墨与水的交融，墨分出五色，有浓有淡，浓淡相渗，黑白相间，又要求笔中有墨。所谓有笔有墨、见笔见墨，便是水墨画艺术的表现力和价值所在。水墨画是联系传统和现代信息的桥梁，是连接传统和现代的纽带。它影响启迪了新一代画家，示以后来者传统规范，也启开了某些通向现代的通道，起了开拓性的作用。这是时代所使然。
花鸟与人们的生活关系密切，无处不见，无处不在，与人们朝夕相伴，因此，在远古时代，花鸟就时常作为艺术表现的对象。进入阶级社会之后，花鸟画当作工艺美术的一部分，常在各种屏风、器物或装饰品中出现。到了魏晋南北朝时期，花鸟画开始从工艺美术范围中独立出来，已出现了专门从事花鸟画创作的艺术家。据画史记载，梁元帝肖绎曾画有《蝉雀百团扇》，南宋一画家也画有《蝉雀图》。但是遗憾的是没有实物流传下来可作佐证。只是到了隋唐，特别是唐代，具有独立审美意义的花鸟画，才正式产生了。从此，花鸟画作为一种独立的画科登上了画坛。
唐代花鸟画，画种分工也日趋明显，出现了各种专长的画家。最负盛名的是薛稷和边鸾，薛稷是盛唐最受时人称颂的花鸟画家，尤擅画鹤，史称他在官署、寺庙和私邸中画了不少花鸟壁画，他画的鹤被称为一绝。杜甫就有称赞薛稷画鹤的诗句："薛公十一鹤，皆写青田真，画色久欲尽，苍然犹出尘。"道出了画家笔下鹤的高昂神韵。还有边鸾，他的花鸟画设色鲜明，浓艳如生，能"穷羽毛之变态，夺花卉之芳研"。他对唐未五代花鸟画的发展有很大的影响。
五代的花鸟画已经有了更多的实物可循。那时的花鸟画已经形成了两种风格、两大流派，一是以西蜀皇帝画院画家黄签为代表的"黄家富贵"体，二是以江南南唐处士徐熙为宗主的"徐熙野逸"体。黄筌是成都人，从17岁入皇家画院就一直没有离开过，是典型的御用画家。所画题村、手法都反映了宫廷贵族的要求。大多描写禁中所有珍禽瑞鸟、奇花怪石，用笔精细、不见墨痕，只以轻色染成，带有一种宫廷的官员气韵，故称之为"黄家富贵"。面南唐的徐熙，出身于江南名族，但他本人却是一个不愿做官的"处士"，史书说他是"志节高迈，放达不羁"。由于他置身于宫廷画院之外，因而摆脱了院派作风的约束，追求以质朴手法表现大自然中的山花野竹、水鸟塘鱼等通俗题材的灵趣，刨"野逸"风格，被称之为"徐熙野逸"。
北宋统一，黄筌进入北宋画院，"黄家富贵"开始在北宋繁衍，侃独霸画院画坛。北宋中期，出现了一个同为四川人的赵昌，开始变化"黄家官贵"的风格，他的"没骨"花鸟，色墨融台，开始有了突破，稍后起者，有长沙人易元吉，安徽人崔白异军突起，融"黄家宫贵"与"徐熙野逸"两家之长，结合多种技法，先画出描绘对象的骨骼、体积，再罩以淡色。画面的形象多强调其动感，或见鸳鸳迎风逆水而上，或见野鸭在芦苇荡中因意外惊忧而狂飞。
在北未末期，还出现了一个有名的皇帝画家，宋徽宗赵佶。赵佶创办的学院不但培养了大批美术专业人才，繁荣了创作，而赵信本人也是一个诗书画全能的人。他的花鸟画，有不少作品流传，且风格多样，不乏杰作。他的《芙蓉锦鸡图》、《祥龙石图》、《瑞鹤图》等，都可以称得上花鸟画的精品。
北宋灭亡，南宋偏安江南，其绘画传统多沿袭北宋，没有什么突破性的进展。南宋中期以来，画家马远将山水、花鸟与人物结合在一起，使花鸟画在寓意上更加明确，找到了最佳的"以物寓意"的途径。马远的一幅代表作品是《梅石溪鸟图》，表现了溪谷的幽静，梅花的芬芳和群鸟的活跃生命，是山水画与花鸟画的完美结合。再稍后，有擅长于人物画的梁楷、牧溪，借鉴减笔水墨人物画技法，开创了减笔写意花鸟画，又为花鸟画开辟了一条新路子。减笔写意花鸟画笔墨极简，意境却根深远，大有以一当十之妙。如今藏北京故宫博物院的梁楷创作的《秋柳双鸭图》，就是一幅难得的艺术珍品。
元代的'花鸟画与宋代相比，就像人物画一样也有所没落。在花鸟画方面大至可分为两部分，一部分沿袭宋画院的传统，工致艳丽;另一部分则继承了宋代文人画的发展道路，作水墨写意枯木竹石，追求书法趣味。使号称"四君子"的梅、兰、竹、菊为题材的作品空前兴盛。借物寓意，人各一态，风格多样，拓宽了花鸟画的审美领域。最著名的画家则首推杭州人王渊，他的水墨花鸟画被时人称为"当代绝艺"。传世作品有《竹鸡图》，用水墨画成，既有工笔花鸟的精致，又有水墨写意的意韵，干湿浓淡相宜，不施丹粉而五彩缤纷。
比起人物画和山水画来说，花鸟画真是一个晚熟的生命，尽管她最初的出现比人物画和山水画都要早得多，但至唐代，她才以一个完整的生命体诞生于画坛。丽在表现形式和技法上的每一点突破却又都是以山水画为先，花鸟画只紧紧跟随其后。但机遇终于来临至明代，随着沈周、文征明、唐寅、仇英这号称"吴门四家"在江南的崛起，水墨写意花鸟之风便大兴。吴门四家在艺术上是画坛上难得的多面手，诗书画全能，山水、人物、花鸟皆精，虽然人们常把他们的成就归结到山水画系列，但花鸟画中，他们也作出了杰出的贡献。他们在前人的基础上进一步追求笔情墨意，井强调对象神态与画家情趣的统一。此后，在明代另两位花鸟画大师陈淳和徐谓用心血、情感、笔墨的溶铸之下，花鸟画最终走向了成熟和完善。
清代在山水画中派系众多，各有所长，而在花鸟画中，则只可数得上扬州画派。
扬州画派的成员有郑板桥、汪士慎、金农、黄慎、李凶、罗骋、李方膺、高翔等8人，因为他们都活动在扬州地区，而且他们还敢于突破清初六大家崇尚摹古、追求笔墨形式的"正统派"画风，主张在继承传统的基础上敢于创新，主张师造化，注重创作，他们在生活上也安于清贫，不迫名逐利，常用书画来发泄对社会的不满。因此人们又称他们为"扬州八怪"。扬州画派最终以一种清新的生气勃勃的姿态振奋了中国画坛，在中国画史上有极重要的地位，对后世影响很大。
1840年=战争之后，中国逐渐沦为半殖民地半封建社会，社会的动荡也带来了艺术的变化，中国画也开始了改变，吸收了西洋画的色彩明快，形象真实生动等特点，一些赴日、赴欧的留学画家开始了中西艺术结合的尝试。活跃在上海的海派画家和活跃在广东的岭南画家也在这方面有突出的贡献，留下了不少新颖的作品。中国画走过了漫长的道路，既显示着成熟，也面临着新生。
(1)山水画的介绍
中国画传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水;纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水;水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水;以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水;几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。
(2)山水画的历史
中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅;张及中晚唐画家创水墨山水;敦煌壁画中出现没骨山水;五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨;另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。
(3)山水画的特点
中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不但表现丰富多彩的自然景物，且往往由有限的取景来表现对整个宇宙自然的由表及里的认识，或于山水之中寄托对于国土家园的感情，因而集中体现了中国人的自然观和社会审美意识，也可以说从侧面间接地反映了社会生活。在形象描绘上，山水画的特点为重宏观、重整体的把握，而非拘泥于细枝末节。对于物象的组织构造，则创造了独特的程式化表现方法，但并非机械照搬，而是灵活地用高度提炼的结构程式来表现物象。在空间的处理方法上，提出高远、平远、深远、阔远等概念，并巧妙加以融合运用。构图上，则较人物画、花鸟画更重"势"与"开合起伏"的表达。"势"为具体形象间的联系，而"开合起伏"为这种联系中的节奏变化。这表现了山水画中在静态的画面和形象组合中对于大自然的内在联系的一种运动的、全面的观察与表现观念。山水画的笔墨技法，较人物、花鸟画丰富多变，各种皴法和点苔法为笔法之要素;而墨法则有"染"、"擦"、"破墨"、"积墨"等种种手段，笔墨交融，有力地影响了其表达感情、状物写意的功能。
1、从创作题材上分：国画主要分为人物、花鸟、山水这三种。
人物画所表现的是人类社会，人与人的关系；山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体；花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。
2、从技法上可分：工笔、写意、写实三种。
写意：是中国画中属于放纵一类的画法。要求通过简练的笔墨，写出物象的形神，来表达作者的意境。写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。后世泛指笔势豪放、墨如泼出的画法为“泼墨”。写意画分小写意和大写意画。
工笔是中国画中属于工整细致一类的画法，用细致的笔法制作，着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色。代表有：五代画家黄荃、如宋代的院体画，明代仇英的人物画，清代恽寿平、沈铨的花鸟画等。
写实：如实地描绘事物，写实注重客观对象的空间关系及物象本身的形体、色彩的再现。代表作有五代顾闳中《韩熙载夜宴图》、宋张择端的《清明上河图》等。
3、按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描、没骨等。
水墨画：水墨画是中国绘画的代表，水墨画是由水和墨调配成不同深浅的墨色所画出的画。水墨画被视为中国传统绘画，也称国画。水墨画指中国画中纯用水墨的画体。
重彩：重彩在中国绘画的早期阶段占有重要位置。“丹青”是古人对绘画的代称，"丹"即朱砂，"青"即石青、石绿，两者均是重彩的常用颜料。
浅绛：中国山水画中的一种设色技巧。即凡以淡红青色彩渲染为主山水画，统称浅绛山水。其方法是先用浓淡，干湿变化之墨线勾勒轮廓结构变化之后，再施以淡的赭石，染山石，树木结构处。最后用淡花青类色渲染即成。
白描：是国画技法名，以淡墨勾勒轮廓或人物，而不设色、渲染烘托的一种画法。突出线条之力与美，有单勾和双勾，多见于人物画和花鸟画。
国画作文
我爱中国，一个历史悠久的国家，我爱它的一切。中国的首都是古风北京，我爱北京。中国有美丽的京剧，我爱京剧。中国也有著名的书法，我也热爱书法。但我最喜欢的是历史悠久，色彩动人，笔墨有趣的国画。
我是一个热爱绘画的小女孩。我从小就喜欢画画。用笔开画，反正我是爱画画的！小画，画在报纸上，大画，门，墙，衣柜，都是我的“脚印”。
最后上了小学，我妈把我放在美术老师那，让我想干什么就干什么。只画了几天油画棒就对画画失去了兴趣，但是“它”的到来改变了我之前的看法。一个星期天，老师教我们画国画，我高兴地“八尺高”跳了下去。那时候我对中国画产生了兴趣！我很好奇，因为之前没见过。最后老师开始教我们：“我们每个人桌子上都有一张纸叫宣纸，专门画国画，今天我们在学国画！”！旁边有墨水和刷子。”老师缓缓说道。我急得像热锅上的蚂蚁。如果老师不开始教我画画，我会着急的！最后，老师拿起笔，蘸着墨水，画着，给我们讲解：“墨水有五种，焦的，浓的，淡的，清的。厚的要破，轻的要破。“我年轻的时候是怎么知道这些的，但是自从老师的指点，我对中国画有了深刻的理解：汉族的传统形式是用毛笔蘸水蘸墨，在丝绸或纸上画画，这叫我拿起笔开始画画。我先蘸了点墨水，一笔两划，最后第八笔加了金鱼尾巴！画一条金鱼用了八招！然后几条栩栩如生的金鱼就在我的“魔笔”下诞生了！一个小时后，我的杰作终于完成了！不仅有浓墨画的金鱼，还有淡墨画的池水和水生植物。太美了！配得上这位大师的画！我心里是沾沾自喜的！
那时候我对国画“超级感兴趣”，回家了。我妈最后同意帮我上网查国画相关资料。哇！互联网不愧是互联网。几秒钟后，许多作品出现了，包括山水画、人物画、花鸟画，其中一个爱上了我。我一看，是齐白石大师的。我很小就认识他，知道他是著名的国画大师。其实国内有很多这样的国画大师，比如徐悲鸿大师，张大千大师都是我崇拜的“偶像”。
我爱他们，因为他们让我“懂国画”；我爱我的老师和我的妈妈，因为他们让我“学会认识中国画”；我也热爱绘画，因为它“让我爱上了国画”！
我爱国画，更爱中国！
中国画的色彩观
传统中国画色彩经历了漫长发展时期，在这一过程中色彩和水墨都一直是在这一过程中此消彼长。到了当前的发展过程中，文化价值观出现了多样化以及个性化的一面，传统中国画的色彩方面也有了新的重视，传统中国画色彩包含了丰富当代因子，在发展上又有了新的机遇。当代中国画的岩彩以及彩墨画等都已经呈现出了具有当代感的色彩面貌[1]。传统中国画色彩在当代的发展上是多元化的，其不只是涵盖着壁画对当代绘画的影响，其中还包含着远古的彩陶以及漆器等，当代中国画色彩发展演进当中色彩不再像传统中国画色彩那样受到某一思想的影响，并成为多元及开放和个性化的局面。
中国绘画在当前的时代发展过程中不断发展壮大，各绘画流派也在此相互的交替及变革，从而产生出了更多的装饰技法以及绘画技巧，作为传统的'中国画色彩也是如此。传统中国画色彩在这一发展过程中被素淡黑白文人画所占领，这并非是意味着其已经消亡，色彩还依然在水墨文人画大兴时刻发展着。传统的中国画色彩不管是透亮工笔还是厚重唐卡等都会为当代绘画带来一笔不朽财富，特别是壁画对我国的重彩画的影响最大。这一多空间以及多材料和多色彩的对比因素共同融合创造，色彩的造型综合性创造出了带有宗教精神的色彩场性[2]。传统中国画在色彩上对当代的中国画色彩的价值是巨大的，并需要不断的进行摸索将其整合创新应用。
2.传统中国画色彩对当代中国画色彩多样化审美影响。
当代的中国画画种当中对传统色彩因素的继承最大的就是重彩画，这一重彩画除其自身因素外还有特殊材质美，现今的文化背景下我国已经从传统绘画色彩模式进入到近现代，然后就是在当代也是受到传统中国画色彩观启发。我国处在变革及发展的重要阶段，多元社会结构及经济制度等是中国画多元化面貌的重要影响因素，从现今的中国绘画方面已到了全面发展的时代，我国的绘画艺术已经经历了几千年时间，并在创新突破呼声中向着交融汇合道路进行发展。
每一色彩机能正常的现代人都可能通过艺术创造来发现及发展自身积淀着人类发展至今的全部色彩本质。通过对画家胡明哲作品的举例来对中国画色彩演进以及多元化历程加以详细阐述，在其作品当中的《花季》是对颜色使用比较鲜明的一幅作品，画的是作画者友人的女儿成人节肖像，通过下图能够看出，作品中的颜色主要是浅蓝色背景，和樱花所构成的背景就使得在整体颜色上凸显出了清新脱俗，在画面中的女孩是身着日本的和服，并和画面中的樱花构成了一致赏樱花节日的氛围[3]。通过这一画面不仅是显示出了节日的氛围，同时也将女孩的花样年华有了呈现。
当代绘画作品在色彩上呈现的面貌是多样的，作画者对色彩的应用上有着很大的发展空间，因为每个画家对色彩的效果追求是不同的，其对传统色彩都从不同程度有着继承，并对当代的色彩风貌也都有着创新，从而在画风上有着独特性。传统的色彩对随类赋彩等有着讲究，我国传统绘画色彩并非是依靠着色彩，其在象征意味方面也有着深刻的体现，其中比较显著的就是五行色以及受到老庄玄禅的影响。文化的发展使得中国画色彩的中西结合成为了现实，并在色彩观方面也有了融合。西方涌入的光谱色画面科学色彩观对文人画在我国的画坛地位有了改变，使得中国画在画面的色彩层面较为活跃。
传统绘画的单一感觉在色彩表面以及感情色彩本质被现代画家解放后，色彩在当代的发展也成为了精神活动的多种呈现形式，在伟大色彩艺术家当中，两者通常都表现出相互加强趋势，色彩的敏感触动色彩感情，而色彩感情凝聚色彩感觉。为能够对每幅作品色彩的不同加以印证主要是根据其思想以及创作的意旨进行划分，由于作者自身对事物的感受不同，所以在个性化方面也就较为突出[4]。现今中国画色彩发展的道路愈来愈被拓宽，而每位画家都能够带来不同色彩绘画语言，在对传统继承中又有了新的创新。
3.结语。
总而言之，对传统中国画色彩和当代审美要求进行有机结合，不仅是对传统绘画色彩的继承，同时也是对当代审美的要求的充分展现。中国画色彩和西方的色彩观得到融合之后，对我国的传统绘画色彩的进一步创新发展又起到了重要促进，丰富了绘画的语言。由于本文篇幅限制不能进一步深化探究，希望此次理论研究能起到抛砖引玉作用以待后来者居上。
参考文献：
[1]孔晓峰.浅议中国画色彩在当今语境中的新境遇[j].美与时代（下半月），20xx，（11）.
[2]张丽.浅析中国画色彩的发展与现状[j].美术大观，20xx，（09）.
[3]王金柱.中国画色彩弱化的原因与对策[j].甘肃高师学报，20xx，（01）.
[4]徐贤.再创中国画色彩的辉煌――中国画色彩拓展探微[j].美术大观，20xx，（08）.
中国画画评范文中国画的评论
本节课王老师从介绍彩陶的知识入手，一步一步引导学生学习彩陶的欣赏方法，最后以仿制彩陶作业结束。教学过程环环紧扣，教学目标明确，教学效果显著。
让我最欣赏的是王老师对鉴宝这一环节的'设置，三个步骤，逐步加深。第一个步骤，教师直接出示彩陶密码卡，引导学生观察欣赏船型彩陶，分别从名称、造型、纹样、釉彩加以介绍概括。第二个步骤，师生共同探讨研究旋涡纹尖底瓶，特别研究了尖底瓶取水示意图。第三个步骤，以小组为单位学生自己研究彩陶，然后评价研究成果。从学生的回答看，学生已经初步学会中国彩陶的欣赏方法，教学目标完成了。
最后5分钟的仿制彩陶作业，个人觉得有点画蛇添足。一则时间仓促，学生作业不能从容完成，二则美术作业用仿制的说法于情于理行不通，美术贵在创新。
中国画画评范文中国画的评论
听了李老师一堂地理课，教学主要内容是了解中国的气候复杂多样，听后感触颇多，受益匪浅，总结以来，主要亮点如下：
一、悬念导入，引人入胜。
二、结构设计，层次清晰，
在知识结构安排上李老师主要从气候的两个主要因素气温和降水入手，然后气温又分我国气温特点、温度带、各温度带的`主要农作物及作物熟制三个方面进行阐述和分析，影响冬季气温特点又从纬度因素、冬季风因素、地形因素三个方面引导学生分析，这样在知识结构的安排上层次清晰，一目了然，让学生看的明白，学的轻松。
三、图文并茂、讲解生动。
李老师在备课上花了很大的功夫，我数了一下，整节课共设计15张演示图片，设计了两张表格，两个综合连线题，结合他一贯从容不迫的教态、诙谐幽默而精辟的语言真是相得益彰，教学的难点，就这样云淡风轻又如菩提灌顶般的恍然大悟。
四、教材领悟，独辟蹊径。
在讲述为什么我国冬季南北气温相差很大的时候，李老师认为教材的讲解不利于学生更好的理解，没有按课本的内容，而是自行设计了相关教学内容，大大降低了教学难度，与教材“形散而神不散”，值得我们思考和学习。
五、学为主体、师为主导。
在整个学习中，老师始终把教学的重点放在学生思考方法的培养和如何对课本知识进行归纳和总结上。正如他本人说的一句话，有时知识本身并没多大的价值，更重要的乐趣是，我们在学习中获得的探究能力，这才是终身受益的。
国画的画法口诀
正在学习国画的`朋友们，本文特意为大家收集整理了国画的画法口诀，希望大家喜欢!
画前需定形, 先从树起跟!
勾出树枝干, 稍点树梢墨!
颜色要细调, 红绿要纯清!
染在树梢顶, 树头浓墨分!
松要摆大气, 枝干壮山魂!
近松叶要明, 远松稍点清!
叶用深绿染, 干要株黄清!
杂树枝要细, 点叶要分明!
不可太浓厚, 不要太稀匀!
山涧多树长, 层次要分明!
大小照远近, 浓淡要看形!
山石虽大气. 莫忘暗与明!
有光一方照, 此方须淡澄!
无光一方照, 明暗下笔沉!
画好一磅石, 远近多关心!
与树相连处, 层次要高明!
无光山顶树, 树下一片黑!
有光山顶树, 用色要沉稳!
落山脚处时, 染色几次分!
山脚可点树, 但要雾和云!
山脚不作树, 需要染纯清!
远山写云海墨色相染成!
近山有雾气, 只在山脚形!
高低多层次, 写云几次成!
浓墨下脚处, 浓淡要细明!
檫点明暗处, 用笔要细稳!
檫点一山成, 远近常关心!
山涧紧相连, 浓淡要辨清!
画半要细看, 似乎可以成!
若是不合意, 寻找顺势形!
该改则大胆, 不改须细心!
画前须静想, 画时耐心稳!
多在墙面画, 才好看得正!
画好需回味, 多看否改进!
细看多难处, 记得下次稳,
此为画中意, 意境难悟成!
悟到深思处, 好画自然成!
国画的心得体会
国画是中国传统文化的重要组成部分，又称中国画，是中国民族的瑰宝之一。自古以来，国画便融入了中国文化的内核，成为了中国画坛上的瑰宝。国画古老的历史，丰富的内涵，精湛的技艺，使其成为独具特色的艺术之一，深受人们的喜爱。
第二段：国画的艺术特点。
国画和其他绘画艺术不同之处在于，它强调的是意境的表现和生命力的呈现。作为一种表现形式，它不仅是一种绘画艺术，更是一种传播中国文化的方式。国画最大的特点就是自由，而象征性是国画的核心要素，它是在中国传统文化和哲学思想的基础上，通过画面表现出来的形态。
第三段：自己对国画的感受。
作为一名学生，我也热爱国画，喜欢看国画那独特的姿态和美丽的色彩。我常常会从国画中感受到那份沉静，那份回归本初和那份世外桃源中的自由与恬静。我喜欢研究国画的构图、画面和线条，去探索其中的奥妙，从其中获取灵感，应用到自己的绘画中。
第四段：学习国画的收获。
学习国画，对我的人生和心理，产生了很大的影响。它让我在不断的探索中，不仅提高了观察力和想象力，更重要的是让我在不断的学习中，清晰了人生的方向，让我重新认识到自己对于生命的态度，从而去思考自己的人生价值。国画是一种可以击打倦怠，餐饮心灵，心情舒畅的一种文艺形式。
第五段：结论。
国画既是一种文化，也是一种艺术。国画中所描绘的不仅是自然和人文景观，更是中国文化和哲学思想的折射体现。它不仅仅是一种绘画艺术，更是人们探索生命、表达情感的形式。学习国画不仅仅是学习绘画技巧，更是学习一种哲学思想和生活态度。学好国画艺术，让我们在自己的人生旅途中，收获更多的智慧和真谛，让自己的生命更加丰富。
中国画画评范文中国画的评论
听到李老师的公开课，对于只从书本上了解过教学过程而不曾真正走进课堂的我来说，一次现实课堂的体验着实受益匪浅。不仅切身体验了教学过程的魅力，学习了教学技巧，还顿悟了许多从阅读中所不能解决的实践性问题。在此将自己感触较深的听课心得进行分享：
一、组织课堂在实际教学中的重要性。
在自学教育学、教育心理学的过程中，课堂组织给我的印象无非就是上课前的“上课”、“同学们好”、“坐下”之类的惯性过程，点到即止、无足轻重。而走进李老师的课堂，我却惊讶的发现，组织课堂原来是如此重要的一环。
小学课堂比我想象中的更加活泼，一段时间不进行组织，孩子们的注意力便会很快转移至其他事物，课堂气氛会因此变得散漫。所以组织课堂在李老师40分钟的课程时间内贯穿始终，时刻提醒，并且采用了贴合少儿心理的方式如：口头表扬、分组加、减分、课堂口号、奖励小礼品等方式，每次都能高效地将同学们四散的注意力成功拉回课堂。
我想，在听过这学习过这次示范课程后，我也会在之后的学习、实践过程中，对自己的组织课堂这一环节更加注重。
二、丰富课堂语言在教学中的应用。
李老师的课堂语言轻重有度、用词富有童趣且情景感十足。轻重有度的语言更容易将学生的注意力集中到重点上来；将枯燥的专业名词替换成了形象的动词，例如将图形的组合关系比喻为“手拉手”、将添加形状与配色比喻为“绿色的伙伴是三角形，蓝色的伙伴在哪里？”等，这样的语言贴近孩子的思考模式，也就更易引发学习兴趣。
我想如此生动的语言应用水平并不是短时间内可以达到的，它必须建立在对学生的充分了解上，因此必须先清楚地知道学生们理解什么、不理解什么，然后针对学生感兴趣的范围选词，才能达到理想的效果。
三、在重点知识部分运用巧妙引导。
重点知识应该怎么才能得到有效的强调？这在我读书的时候一直是一个难题，也一直希望看到一次课堂上的实际演练，所以今天在李老师的课堂上也特别地留心了她关于重点、难点知识的展示。
首先，关于作画的特征上，李老师用了比较的方法——“像米罗一样画画”、“像设计师一样画画”，将学生以前学过米罗的随意性，与即将学习设计师的工整性相对比，一目了然，自然学生作画的重点就不会跑偏。
其次，李老师对于重点知识的讲解都不会僵硬地直接解释，而是会选择比较温婉的方法：首先将要表现重点的正反面材料提出来对比，引导学生发表自己的看法，以此引发了学生的自主思考，也增进了对学生的了解，最后从总结学生答案中提炼出重点加以强调，以此达到强调重点的目的。
课堂上学生对于重点知识的掌握，是体现课程价值十分重要的一环。李老师的方法对我启迪非常深刻，也解答了一直以来的`疑惑，之后也将继续思考并学习。
四、注重及时反馈，保证整体效果。
重点的学习很重要，学生学会了方法，但在实际操作中应该怎么应用，他们也各有各的想法，印象中的美术课堂很容易出现许多千篇一律的作品，引导激发学生在创作中的创新精神，就要靠在实践中的及时反馈。
在李老师的课堂上，她总是在同学们作画的时候四处查看，并对学生正在制作的作品进行及时鼓励、评价如“你的形非常成功”、“他摆的很整齐，不太活泼”、“你用了红绿蓝的配色”等等。遇到并不理想的作品也不会直接进行指责，而是会提出有代表性的作品到讲台上进行对比，让同学们通过对比自行理解。
我一直很担心将来如果要上课，有些同学不会按照我所要求的来怎么办？如果不能使用硬性要求限制学生的思维，那又该怎么样纠正他们的错误呢？通过这次的听课我懂了一个方法，就是灵活运用对比和鼓励，巧妙地让学生们能自觉地体会到正确创作方式带来的美。
李老师的此次公开课程还带给我了很多感触，如重视实践前的思考性、示范的重要、时刻鼓励良好习惯等等……之后的评课会议上听到老师们的评课我也收获了更多的方法与思考，相信有很多问题需要在真正走进课堂以后才会有更深的领会，我也期待着那一天。非常感谢李老师此次精心准备的课堂，带给我了许多的感悟，我也将带着这些收获和新的问题继续学习，不断成长。
国画的心得体会
国画是中国传统文化的重要组成部分，有着千年的历史和文化积淀。在经历了数百年的发展和演变，中国画艺术逐渐形成了独具特色的风格，并深入人们的生活中。国画不仅是一种艺术表现形式，更是一种文化的传承和良好的审美体验。在这里，我将分享我的国画心得体会。
第一段：初识国画，观画启蒙。
我是从小学开始接触国画的，那时候老师就会布置一些传统的国画作品让我们欣赏，并让我们模仿一些简单的画法。刚开始，我对国画一无所知，只知道它是一种中国的艺术。后来我开始按照老师的要求学习，渐渐地懂得了一些国画的基本知识和画法。我发现，国画和西方画风格迥异，它更注重线条和色彩的自然流露，而不是表现形式。在观赏国画作品时，我会尝试体会画家的意境和表现手法，如《清明上河图》中繁忙而井然有序的场景，表现了当时的市井生活，而不只是刻画了单一的形象。通过观察和感受，我逐渐认识到国画的微妙之处。
第二段：初涉画室，习画之道。
在小学和初中的时候，我跟随老师学习基本的国画技法。从题材的选取到线条的处理，色彩的运用到作品的整体构思，都需要仔细学习和领悟。渐渐地，我发现国画的画法非常独特，它的笔力流畅、大气，有着别样的韵味。在这个过程中，我认识到学习国画是需要用心体会的，而且，必须靠练习来提高自己的水平，不能光靠一时的天赋。于是，我开始不断尝试着画一些不同的题材，锻炼自己的手笔和技巧，在练习中政渐渐提高了自己的水平。
第三段：参与比赛，锤炼自我。
大学后，我参加了一些国画比赛，挑战自己的同时，也要面对来自其他地域及国家的选手的竞争。比赛时，我发现自己面对的是一个更大的舞台，同时也是一个更高的标准。我逐渐学会认真思考和仔细策划，尽可能从魅力、与众不同的角度出发构思自己的作品，以期取得更好的成绩和更高的荣誉。在比赛中，我遇到过失败和挫折，但也取得了不少经验和收获，我从中学会了如何发挥自己的长处，并发现了不足之处，从而更好地提升自己的国画技巧和水平。
第四段：与传统文化的亲近，体现审美价值。
通过学习与练习，我接触了更广泛的中国画作品，体会到作品中所蕴涵的传统文化精髓，如《葵花宝典》中的侠义精神、《童话明信片》中的童真童趣。这些作品传达出了中国文化传统中的某种特质，为观众带来一种更全面的审美体验，激发了人们对传统文化的兴趣和关注。这也是我对国画的最大认识和收获，我们通过学习和欣赏国画，不仅能够受到审美的滋养，还能了解到传统文化，增强文化自信。
总的来说，国画是中华民族宝贵的文化遗产，是中华民族优秀传统文化的代表之一。它既传达出了我们民族的独特气息，同时也认识世界文化成果的同时属于世界文化的一部分。学习和欣赏国画，是一种修身养性、锤炼思维的良好习惯，不仅能够激发艺术创作的灵感，还能够提高人们的艺术鉴赏、审美水平，让人们更好地认识到文化的力量。在现代中国，我们需要继承与发扬传统文化，不断提高国画的技艺与艺术价值，让它更好地融入到现代社会中，传承和发扬中华民族的艺术血脉。
总结：
在这几年的学习与练习中，我不断感悟到国画的独特之处，通过探寻和发掘，我逐渐认识到国画的价值和意义。我相信，在未来的学习和工作中，我的国画心得体会将会成为我人生中美好的一部分，激励我在艺术和文化领域中再创佳绩。
国画的欣赏方法
一般人对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。
但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。
就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。
当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。
审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的'感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。青少年朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。
国画的心得体会
国画作为中国传统的艺术形式，有着深厚的历史积淀和独特的魅力，吸引着无数爱好者。本人也是其中之一，多年来一直从事国画创作和学习，对它有着深刻的心得体会。
第二段：笔墨独韵，意境生动。
国画的魅力在于它所特有的笔墨独韵和意境生动。国画由墨、笔、纸、砚四种器物组成，作为艺术家的工具，它们不仅有着表现力和造型能力，更重要的是通过笔墨上的多重运用，营造出生动的艺术形象和绚丽的意境，打破了传统艺术的局限。在这个过程中，艺术家潜藏个人情感和思想意识，把自己的生命体验和世界观注入到作品中，创造出无穷的内涵。
第三段：诗、书、画、印并用，融会贯通。
国画是文化艺术的瑰宝，在中国的文化传统中，画不仅是一种艺术形式，还是诗、书、印的重要补充。国画在与诗歌、书法、篆刻等艺术形式的结合中形成了独有的审美体系，共同传承了中华文明的智慧和文化底蕴，变得更加充实和自成体系。在创作国画的过程中，也需要与文化的其他方面联系起来，以融会贯通的思维方式来应对复杂的创作难题。
第四段：求新求变，注重技艺和表现。
国画在创作的过程中，不仅要保留传统的技法和手法，更要适应时代的变化和审美趋势。艺术家要注重表现艺术个性和创新思维，尝试各种不同的表现方式，包括水墨、线条、色彩等，使画面呈现更多元和丰富的感受。同时，艺术家还会注重学习和钻研，不断更新自己的技艺和表现手段，这是成为一个优秀的国画家必然的要求。
第五段：结尾。
总之，国画是一门富有文化底蕴的艺术形式，在创作和学习的过程中需要秉持着“笔墨生动”、“意境深远”、“融会贯通”、“求新求变”这些原则。在学习国画的道路上，我们不断探索国画的奥秘，感受着它的魅力和美妙之处。
绘画的魅力
从小，便羡慕那些仅用寥寥几笔就能画出栩栩如生的图像的人，便立志要当画家。如今，学业繁重，当初立下的一些远大志向也随着时间的消磨变得淡而又淡。但是对于绘画，我却从未想过要放弃，我已为它的魅力而深深着迷。
在快节奏的生活中，一切都显得喧嚣而嘈杂。脑海中每天都像是兵荒马乱的战争年代，一片混乱，心也都是惶恐的。然而对于绘画，它却像一片世外桃源般，安然隐立于思想的某个角落，一片宁静与祥和。绘画所需的首要，便是心静。
每个周天的上午，拿起画笔，我便沉浸在这片安静的领域。放下了所有的烦恼，安静地沉下心来，只想着去怎样打好一根线条，怎么去修整一个形体。世界最终只剩下了纸与笔摩擦所发出的声音。终于，看着笔下的画在一次又一次耐心的修改之下终于变得准确、圆润时，看着纸上的人物渐渐变得立体丰满时，内心的一切是那么单纯而又由衷的喜悦。
画画不是一蹴而就的。它需要积累，它的成长是“慢”的。长时间的耐心打磨才能最终画出满意的作品，一点一点地踏实学习才能提高技能。它同时是内心的映照心浮气躁时，绘画便会变得漏洞百出；当内心含有悲愤时，绘出的线条又会是十分僵硬。画画需要安静，它像一面镜子，时时刻刻告诉我：沉下心来才能成功。
在安静之中，专注于绘画，从这中我体验到了专注与投入的乐趣。同时，绘画又像做人，聚少成多，需要勤奋与坚持。绘画中进退并存——它需要精密的线条来填充画面，也需要橡皮的修整来协调画面；需要精确的布局排放摆置，又需要留白的背景引发遐想。仔细地思考，才能发现线条的微妙。
这大概是吧，它教会了我安静，也教会了我人生。
曾经的我以为，绘画就像一杯香茶，香气扑鼻。现在我才明白，这杯香茶的味道微泛苦涩，那是岁月与风雨所沉淀的一份沉静，是蕴含在香甜气息中的一份内涵。只有当你真心身入其中时，才能体会的到，并会为之着迷。
一纸一笔，绘出潜在的内涵。
绘画这深刻而安静的魅力，吸引着我。我在绘画中学习着……。
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中国画的色彩观
摘要：中国画的传统色彩观是中国几千年的历史与文化沉淀孕育出来的，具有鲜明的民族特征与特色。中国画的色彩观的变化，无论是向外学习还是向内深究，既要秉承具有中华民族特征的艺术精神，又要符合同时代人的审美需求，做到与时俱进。在此基础上进行一定的取舍。以顺应同时代社会存在与社会意识变化发展的趋势，这是我们努力的方向，也是历史的必然。
中国画的传统色彩观是“随类赋彩”与“墨分五色”。“随类赋彩”有两层含义：一层含义是赋色要以客观现实为依据，随物象类别的不同而赋彩。“类”是抽象概念，不是指某个具体物象，也不是指某种特殊环境下的物象，而是包括了相同或相近似的不同物象。如不同白色的各种花归为白花一类，然后依据所归属的这一类色彩而赋彩：“随类赋彩”的另一层含义是画家主观赋予的，它不是纯粹的自然色再现，它是画家意象思维的结果。如墨竹、墨荷、赭石梅花等，都不是物象本身的固有色，而是画家联想、虚构出来的。“墨分五色”中的五色是指墨色变化的焦、浓、重、淡、清。唐代的张彦远在《历代名画记》中说过“运墨而五色具”。历代的中国画家都讲究用墨，用墨是中国画的基本特色与技巧。中国画不是单纯的把墨当作黑色来用。而是主要运用墨色的变化，依靠笔中含水墨量的差异，在画纸上产生墨色的干、湿、浓、淡的变化，以墨代色。
商周到鸦片战争，中国画的传统色彩观一直影响着中国画。鸦片战争以后中国画的色彩观发生了变化一一中国画的色彩观增加了新的内容。半殖民地半封建社会的近代，为，寻求救亡图强的道路，仁人志士积极引进西学。因此，全国上下掀起了大规模的留学热潮，归国的留学生也致力于传播西学。学成归来的多数画家主张用西学改造传统的中国画。受其影响，近代中国画的色彩观也出现了相应的变化。新中国的成立，尤其是在改革开放之后，中国对外门户敞开，西方现代艺术思想像洪水一样涌进了中国。在中国改革开放与西方现代艺术的思潮影响下，中国画的色彩观也随之发生了变化。
画绩之事，杂五色：东方谓之青，南方谓之赤，西方谓之白，北方谓之黑，天谓之玄。地谓之黄。青与白相次也，赤与黑相次也，玄与黄相次也……”我国民族早已经把赤、黄、青、黑、白五色列为最纯的正色，又把色彩分为冷暖两种不同性质的颜色。随着中国画色彩观的发展，特别是到了魏晋南北朝时，著名的史论家谢赫提出绘画的“六法”中的“随类赋彩”的观点，对今后中国画的用色起着决定性作用，此后大多数画家都遵循着这一规则进行设色。
唐代是中国画色彩运用的鼎盛阶段，在之后的宋代与清朝也对中国画色彩的贡献。[唐]王维在《山水论》中论道：“有雨不分天地，不辨东西，……雨霁则云收天碧，薄雾菲微，山添翠润，日近斜晖。早景则千山欲睡，雾霭微微，朦胧残月，气色昏迷。晚景则山衔红日，帆卷江渚，……春景则雾锁烟笼，长烟引素，水如蓝染，山色渐青。夏景则古木蔽天，绿水无波。……秋景则天如水色，簇簇幽林，……冬景则借地为雪，樵者负薪，渔舟倚岸，水浅沙平。”说明这时我国山水画家对气候、朝夕、季节色彩的变化有了更细致深入的分析，并运用到绘画创作中去。[宋]郭熙在《林泉高致》中指出：“水色：春绿，夏碧，秋青：冬黑。天色：春晃，夏碧，秋净，冬黯。”郭熙是中国古代大画家，又是杰出的绘画理论家，他概括地总结了水色和天色的季节变化。
[清]唐岱在《绘事发微》中说道：“山有四时之色，风雨晦明，变更不一，非着色以像其貌。所谓春山艳冶而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如淡，冬山惨淡而如睡，此四时之气也。”[清]沈宗骞在《芥舟学画编》中也生动而具体地介绍四季风景的色彩画法：“春景欲其明媚，凡草坡树梢，须极鲜研，而他处尤黯淡欲以显之。故作春景，不可多施嫩绿之色。……・夏景欲其葱翠，山顶石颠，须绿面加青，青面加草绿…秋景欲其明净，疏林衰草，白雾苍葭……冬景欲其黯淡，一切景物，惟松柏竹及老树者，可用老绿，余惟淡赭和黑而已。”
中国经济的.高速发展对中国画的色彩观具有巨大的冲击。中国正致力于积极发展文化事业和文化产业，实施精品战略，推动文化创新，繁荣艺术创作，提高文化艺术作品的质量，加强文化自然遗产和民族民间文化保护。这给中国画的发展带来了新契机，同时推动了中国画的发展。随着电讯、交通、影视、建筑、空间技术以及工业，农业和第三产业的迅猛发展，现代人的生活方式和思维方式正经历着前所未有的改变，激发出人们新的艺术追求与感观追求。
我认为随着人们对物质生活的极大丰富及精神文化需求的不断提高，人们对中国画的关注也将不断提高。对于中国画历史的追溯与对当今科技发展给中国画的冲击作用必然会呼唤出新的艺术观与新的艺术表现形式，中国画的色彩观也会随之发展与创新。
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