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国画作文
《清明上河图》这幅名画上的人物、街道、牲口都很逼真，而这幅名画就是以国画形式画成的。
我上幼儿园时就对国画感兴趣，于是报名参加了国画兴趣班，跟着吕老师学习国画。时光飞逝，转眼间我上了小学三年级，我惊喜地发现，国画原来是中国传统文化之一！我高兴极了，我为自己会一门中国传统文化而自豪！
我觉得学国画不仅是学了一门课程，而且还丰富了课余生活。
我真喜欢国画！你也一样吧？
国画的作文
我本人十分喜欢画画，什么素描、水彩、油画这些都喜欢，但我最爱的还是国画。
国画很有讲究，就是选纸、笔、颜料也要很重要，一幅好的国画要用很长时间来完成。还有一点就是要有耐心和要细心。记得我第一次接触国画的时候，别提有多糟了。我画的是一幅“荷塘夏景”起先要勾勒出荷花的边，我一开始勾得还不错，但5、6分钟我就不耐烦了，便乌七八糟地勾了一通，导致线条有粗有细。勾好线条就上色了，老师说：“先涂上原色在用水色把原色扩散开。”然后看了老师的示范我已经胸有成竹了，谁知，我总不能用水色把原色扩散开，哎呦！把我急得呀！接着，我实在是画不好，又心急，草草上好色，就了事了。好好的一副国画就被我给毁了，唉！后来，我又在次画国画了，我吸取了上次的.教训，好好的勾线，再怎么无奈也接着好好的勾，而且我每一个步骤都很认真，上色也不像上次那样毛毛草草细心的扩散了原色。结果我花了3个小时多的时间完成了一幅国画。
从那以后我爱上了国画，爱上国画的传统，爱上国画的色彩。
沙画的魅力
沙画是一个神奇而又神秘的精灵，它变化莫测，具有特殊的吸引力。在上午，我们观看了一部展示沙画独特魅力的作品《战争与和平》，这个观看过程并不是枯燥无味的，而是牵引着我们每个人的心，引人入胜。
刚开始，沙画师点亮一根蜡烛，表示表演开始。她只用一双手，就简单快速的勾勒出坐在长椅上的一对恋人，用手指尖轻点白板，画面上立即出现了满天的繁星。战争来了，画上出现了一位卷发女孩，路灯在沙画师的双手下变换成了一个摇篮，里面睡着一个战争中诞生的小孩。沙画师紧接着在白板上撒沙，原来的景象又被她的手变成了一张张无助的脸庞。毫无生命的沙子被这位艺术家玩“活”了！
这位伟大的沙画师又在白板上画出了波浪，用手指一抹、一撒、一点，便立即成了一位卷发妇女，沙画师又画出一封信，八只手指向上、向下一抹，抓着信封的双手就被淋漓尽致地展现了出来。
画画的魅力
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本科就读于中南大学环境设计专业，由于一向对画画有深切执念，尝试转了专业。幸运的是立刻就要研二啦。
我从去年夏天开始画怪物手册，那时我一个人在外面租房住着，一年多的时间我尽量坚持每一天画小怪兽。灵感来源于我每一天遇到的事情和看见的东西，到此刻已经画完了两本一共三百多个小怪兽。我最开始画的初衷只是想给自我留一个情感宣泄的空间，并且抽象的东西似乎更能表达我想表达的。慢慢的就发现这东西的趣味性，仿佛我成为了一个mama，每一天都在创造属于我的情感小怪兽。它们各种颜色状态形象，有时再深入的想一想它们或许也有自我要拥有的生活呢。它们在我那里也是真实存在的。很趣味的体验。
一个人住的这一年，时常会有关于自我的探索，了解到自我本身的局限和长处。慢慢的学会跟自我相处，还有关于生活的琐碎，操心穿衣吃饭。安排好每一天的生活作息，这些真是一个大课题。画画是一件很幸福的事情，力量也无穷大，比如现实中并不能存在的东西，只要依靠我们的想象和画笔就能体现出来，这大概就是。
没有灵感的时候会放松自我跟朋友出去玩一玩，看展览逛菜市场。菜市场真是一个神奇的地方，我推荐每个人都去逛逛。心境绝对满分。
目前坚持想做什么就去做什么绝对不能等，因为最适宜的永远是现在。
那里是我的部分一百个小怪兽，拉出来跟大家见个面（鞠躬）。
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国画的基本分类
国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。下面是小编分享的国画的基本分类，一起来看一下吧。
中国画中写意画是以水墨作长时期占据着画坛的统治地位，成为正统。画家对水墨的独特的感悟，来源于对水墨画的实践。中国人对于线条、水墨的特殊感情和心悟，是古老的传统艺术思维现象。儒道思想的启迪和制约，使得中国画家迷走于水墨天地数千年乐而忘返。水墨画以其独具的风采、恢宏博大的内涵、神秘莫测的无穷变化，尤其是它纯正的东方意味使之傲立于世界艺术之林。
水墨画的发展是以水墨技法的不断进步、完善而趋于成熟的。如董源的氤氲，郭熙的菌散，范宽的厚实，米友仁的充润，李唐的浓重，夏圭的淋漓-----从宋元以后的四家、董其昌、徐渭、四僧、四王、扬州八怪，直到吴昌硕、黄宾虹、石鲁、傅抱石、张大千、李可染、齐白石等，在水墨画的探索实践中也都各得珍奇，各具风采。传统水墨画讲究用笔用墨，推崇有笔有墨，追求笔意墨致，这就是说对笔和墨的要求是同等严格的。在实践操作中，往往是以笔带墨，故处处见笔。由于墨与水的交融，墨分出五色，有浓有淡，浓淡相渗，黑白相间，又要求笔中有墨。所谓有笔有墨、见笔见墨，便是水墨画艺术的表现力和价值所在。水墨画是联系传统和现代信息的桥梁，是连接传统和现代的纽带。它影响启迪了新一代画家，示以后来者传统规范，也启开了某些通向现代的通道，起了开拓性的作用。这是时代所使然。
花鸟与人们的生活关系密切，无处不见，无处不在，与人们朝夕相伴，因此，在远古时代，花鸟就时常作为艺术表现的对象。进入阶级社会之后，花鸟画当作工艺美术的一部分，常在各种屏风、器物或装饰品中出现。到了魏晋南北朝时期，花鸟画开始从工艺美术范围中独立出来，已出现了专门从事花鸟画创作的艺术家。据画史记载，梁元帝肖绎曾画有《蝉雀百团扇》，南宋一画家也画有《蝉雀图》。但是遗憾的是没有实物流传下来可作佐证。只是到了隋唐，特别是唐代，具有独立审美意义的花鸟画，才正式产生了。从此，花鸟画作为一种独立的画科登上了画坛。
唐代花鸟画，画种分工也日趋明显，出现了各种专长的画家。最负盛名的是薛稷和边鸾，薛稷是盛唐最受时人称颂的花鸟画家，尤擅画鹤，史称他在官署、寺庙和私邸中画了不少花鸟壁画，他画的鹤被称为一绝。杜甫就有称赞薛稷画鹤的诗句："薛公十一鹤，皆写青田真，画色久欲尽，苍然犹出尘。"道出了画家笔下鹤的高昂神韵。还有边鸾，他的花鸟画设色鲜明，浓艳如生，能"穷羽毛之变态，夺花卉之芳研"。他对唐未五代花鸟画的发展有很大的影响。
五代的花鸟画已经有了更多的实物可循。那时的花鸟画已经形成了两种风格、两大流派，一是以西蜀皇帝画院画家黄签为代表的"黄家富贵"体，二是以江南南唐处士徐熙为宗主的"徐熙野逸"体。黄筌是成都人，从17岁入皇家画院就一直没有离开过，是典型的御用画家。所画题村、手法都反映了宫廷贵族的要求。大多描写禁中所有珍禽瑞鸟、奇花怪石，用笔精细、不见墨痕，只以轻色染成，带有一种宫廷的官员气韵，故称之为"黄家富贵"。面南唐的徐熙，出身于江南名族，但他本人却是一个不愿做官的"处士"，史书说他是"志节高迈，放达不羁"。由于他置身于宫廷画院之外，因而摆脱了院派作风的约束，追求以质朴手法表现大自然中的山花野竹、水鸟塘鱼等通俗题材的灵趣，刨"野逸"风格，被称之为"徐熙野逸"。
北宋统一，黄筌进入北宋画院，"黄家富贵"开始在北宋繁衍，侃独霸画院画坛。北宋中期，出现了一个同为四川人的赵昌，开始变化"黄家官贵"的风格，他的"没骨"花鸟，色墨融台，开始有了突破，稍后起者，有长沙人易元吉，安徽人崔白异军突起，融"黄家宫贵"与"徐熙野逸"两家之长，结合多种技法，先画出描绘对象的骨骼、体积，再罩以淡色。画面的形象多强调其动感，或见鸳鸳迎风逆水而上，或见野鸭在芦苇荡中因意外惊忧而狂飞。
在北未末期，还出现了一个有名的皇帝画家，宋徽宗赵佶。赵佶创办的学院不但培养了大批美术专业人才，繁荣了创作，而赵信本人也是一个诗书画全能的人。他的花鸟画，有不少作品流传，且风格多样，不乏杰作。他的《芙蓉锦鸡图》、《祥龙石图》、《瑞鹤图》等，都可以称得上花鸟画的精品。
北宋灭亡，南宋偏安江南，其绘画传统多沿袭北宋，没有什么突破性的进展。南宋中期以来，画家马远将山水、花鸟与人物结合在一起，使花鸟画在寓意上更加明确，找到了最佳的"以物寓意"的途径。马远的一幅代表作品是《梅石溪鸟图》，表现了溪谷的幽静，梅花的芬芳和群鸟的活跃生命，是山水画与花鸟画的完美结合。再稍后，有擅长于人物画的梁楷、牧溪，借鉴减笔水墨人物画技法，开创了减笔写意花鸟画，又为花鸟画开辟了一条新路子。减笔写意花鸟画笔墨极简，意境却根深远，大有以一当十之妙。如今藏北京故宫博物院的梁楷创作的《秋柳双鸭图》，就是一幅难得的艺术珍品。
元代的'花鸟画与宋代相比，就像人物画一样也有所没落。在花鸟画方面大至可分为两部分，一部分沿袭宋画院的传统，工致艳丽;另一部分则继承了宋代文人画的发展道路，作水墨写意枯木竹石，追求书法趣味。使号称"四君子"的梅、兰、竹、菊为题材的作品空前兴盛。借物寓意，人各一态，风格多样，拓宽了花鸟画的审美领域。最著名的画家则首推杭州人王渊，他的水墨花鸟画被时人称为"当代绝艺"。传世作品有《竹鸡图》，用水墨画成，既有工笔花鸟的精致，又有水墨写意的意韵，干湿浓淡相宜，不施丹粉而五彩缤纷。
比起人物画和山水画来说，花鸟画真是一个晚熟的生命，尽管她最初的出现比人物画和山水画都要早得多，但至唐代，她才以一个完整的生命体诞生于画坛。丽在表现形式和技法上的每一点突破却又都是以山水画为先，花鸟画只紧紧跟随其后。但机遇终于来临至明代，随着沈周、文征明、唐寅、仇英这号称"吴门四家"在江南的崛起，水墨写意花鸟之风便大兴。吴门四家在艺术上是画坛上难得的多面手，诗书画全能，山水、人物、花鸟皆精，虽然人们常把他们的成就归结到山水画系列，但花鸟画中，他们也作出了杰出的贡献。他们在前人的基础上进一步追求笔情墨意，井强调对象神态与画家情趣的统一。此后，在明代另两位花鸟画大师陈淳和徐谓用心血、情感、笔墨的溶铸之下，花鸟画最终走向了成熟和完善。
清代在山水画中派系众多，各有所长，而在花鸟画中，则只可数得上扬州画派。
扬州画派的成员有郑板桥、汪士慎、金农、黄慎、李凶、罗骋、李方膺、高翔等8人，因为他们都活动在扬州地区，而且他们还敢于突破清初六大家崇尚摹古、追求笔墨形式的"正统派"画风，主张在继承传统的基础上敢于创新，主张师造化，注重创作，他们在生活上也安于清贫，不迫名逐利，常用书画来发泄对社会的不满。因此人们又称他们为"扬州八怪"。扬州画派最终以一种清新的生气勃勃的姿态振奋了中国画坛，在中国画史上有极重要的地位，对后世影响很大。
1840年=战争之后，中国逐渐沦为半殖民地半封建社会，社会的动荡也带来了艺术的变化，中国画也开始了改变，吸收了西洋画的色彩明快，形象真实生动等特点，一些赴日、赴欧的留学画家开始了中西艺术结合的尝试。活跃在上海的海派画家和活跃在广东的岭南画家也在这方面有突出的贡献，留下了不少新颖的作品。中国画走过了漫长的道路，既显示着成熟，也面临着新生。
(1)山水画的介绍
中国画传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水;纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水;水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水;以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水;几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。
(2)山水画的历史
中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅;张及中晚唐画家创水墨山水;敦煌壁画中出现没骨山水;五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨;另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。
(3)山水画的特点
中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不但表现丰富多彩的自然景物，且往往由有限的取景来表现对整个宇宙自然的由表及里的认识，或于山水之中寄托对于国土家园的感情，因而集中体现了中国人的自然观和社会审美意识，也可以说从侧面间接地反映了社会生活。在形象描绘上，山水画的特点为重宏观、重整体的把握，而非拘泥于细枝末节。对于物象的组织构造，则创造了独特的程式化表现方法，但并非机械照搬，而是灵活地用高度提炼的结构程式来表现物象。在空间的处理方法上，提出高远、平远、深远、阔远等概念，并巧妙加以融合运用。构图上，则较人物画、花鸟画更重"势"与"开合起伏"的表达。"势"为具体形象间的联系，而"开合起伏"为这种联系中的节奏变化。这表现了山水画中在静态的画面和形象组合中对于大自然的内在联系的一种运动的、全面的观察与表现观念。山水画的笔墨技法，较人物、花鸟画丰富多变，各种皴法和点苔法为笔法之要素;而墨法则有"染"、"擦"、"破墨"、"积墨"等种种手段，笔墨交融，有力地影响了其表达感情、状物写意的功能。
1、从创作题材上分：国画主要分为人物、花鸟、山水这三种。
人物画所表现的是人类社会，人与人的关系；山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体；花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。
2、从技法上可分：工笔、写意、写实三种。
写意：是中国画中属于放纵一类的画法。要求通过简练的笔墨，写出物象的形神，来表达作者的意境。写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。后世泛指笔势豪放、墨如泼出的画法为“泼墨”。写意画分小写意和大写意画。
工笔是中国画中属于工整细致一类的画法，用细致的笔法制作，着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色。代表有：五代画家黄荃、如宋代的院体画，明代仇英的人物画，清代恽寿平、沈铨的花鸟画等。
写实：如实地描绘事物，写实注重客观对象的空间关系及物象本身的形体、色彩的再现。代表作有五代顾闳中《韩熙载夜宴图》、宋张择端的《清明上河图》等。
3、按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描、没骨等。
水墨画：水墨画是中国绘画的代表，水墨画是由水和墨调配成不同深浅的墨色所画出的画。水墨画被视为中国传统绘画，也称国画。水墨画指中国画中纯用水墨的画体。
重彩：重彩在中国绘画的早期阶段占有重要位置。“丹青”是古人对绘画的代称，"丹"即朱砂，"青"即石青、石绿，两者均是重彩的常用颜料。
浅绛：中国山水画中的一种设色技巧。即凡以淡红青色彩渲染为主山水画，统称浅绛山水。其方法是先用浓淡，干湿变化之墨线勾勒轮廓结构变化之后，再施以淡的赭石，染山石，树木结构处。最后用淡花青类色渲染即成。
白描：是国画技法名，以淡墨勾勒轮廓或人物，而不设色、渲染烘托的一种画法。突出线条之力与美，有单勾和双勾，多见于人物画和花鸟画。
国画的作文
中国，是一个历史文化极其悠久的国家，唐诗、宋词历来被人传诵、《长恨歌》、《离骚》等古代著名诗篇也世世代代让人铭记，而国画则具有中国艺术的独特魅力。国画在中海内外都享有盛誉，一幅栩栩如生的《清明上河图》更是中华民族的骄傲。如今，国画的内容丰富、形式多样，他们将中华民族的独特情感融入了国画里，使原本就呼之欲出的画显得更加惟妙惟肖。国画就像一本无字天书，让你怎么读也读不透，但只要你用心去感受，就会发现其中的无限奥秘。
我便是如此，刚开始学画画时，我觉得并不难，正好碰上了画画比赛，我便自告奋勇地画了一幅图交上去。可是等了好几天也没有音讯，这令我十分沮丧。但我知道，人并不能一步登天。古代著名画家齐白石也是经过刻苦训练、细心观察生活，才得到了今天这么辉煌的成就的。于是，我振作了精神，又重新踏上了画画之旅。我爱国画，并不只是因为被它那栩栩如生的`画面所震憾了，而是因为国画向我们展现出的，是最真实的一面，具有中国独特的艺术魅力。
国画的作文
我从三年级开始爱上了国画，经为这段时间的国画学习，我的知道丰富了不少呢。国画又称中国画，历史十分悠久。远在2000多年前的战国时期就出南了在丝织品上的`绘画——帛画，在这之前又有原始岩和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。
我以前学学国画时我也爱国画，只是没有找到合适的老师来教我画国画。一天，我发现同班同学在学国画，于是我就去他那儿寻问了在哪学在跟哪个老师学国画，问到后就央求妈妈帮我报名，然后就去青少年活动中心跟着赵老师学国画。
老师先教我画菊花，一开始我怎么画也画不到自己满意，经常想放弃，但最后我都坚持了下来，一直到现在。现在我什么都会画了，自我感觉良好。老师常说，自然的景物不一定要和老师画得一样，如果一模一样的画，那就白叫自然景物了。我以前一直有明白老师说的是什么意思，只想着一定要画得和老师一样老。现在我终于明白老师的意思了，世界万物都有千姿万态，即便是同一些东西也不一定一模一样，自从明白这个道理后我的画画水平也提高了不少。
我爱老师，更爱国画。我与国画的感情已经十分深厚，画国画能让我修身养性，能让我安静下来，在画画中体会祖国大好河山的壮丽。
国画作文
我爱中国，一个历史悠久的国家，我爱它的一切。中国的首都是古风北京，我爱北京。中国有美丽的京剧，我爱京剧。中国也有著名的书法，我也热爱书法。但我最喜欢的是历史悠久，色彩动人，笔墨有趣的国画。
我是一个热爱绘画的小女孩。我从小就喜欢画画。用笔开画，反正我是爱画画的！小画，画在报纸上，大画，门，墙，衣柜，都是我的“脚印”。
最后上了小学，我妈把我放在美术老师那，让我想干什么就干什么。只画了几天油画棒就对画画失去了兴趣，但是“它”的到来改变了我之前的看法。一个星期天，老师教我们画国画，我高兴地“八尺高”跳了下去。那时候我对中国画产生了兴趣！我很好奇，因为之前没见过。最后老师开始教我们：“我们每个人桌子上都有一张纸叫宣纸，专门画国画，今天我们在学国画！”！旁边有墨水和刷子。”老师缓缓说道。我急得像热锅上的蚂蚁。如果老师不开始教我画画，我会着急的！最后，老师拿起笔，蘸着墨水，画着，给我们讲解：“墨水有五种，焦的，浓的，淡的，清的。厚的要破，轻的要破。“我年轻的时候是怎么知道这些的，但是自从老师的指点，我对中国画有了深刻的理解：汉族的传统形式是用毛笔蘸水蘸墨，在丝绸或纸上画画，这叫我拿起笔开始画画。我先蘸了点墨水，一笔两划，最后第八笔加了金鱼尾巴！画一条金鱼用了八招！然后几条栩栩如生的金鱼就在我的“魔笔”下诞生了！一个小时后，我的杰作终于完成了！不仅有浓墨画的金鱼，还有淡墨画的池水和水生植物。太美了！配得上这位大师的画！我心里是沾沾自喜的！
那时候我对国画“超级感兴趣”，回家了。我妈最后同意帮我上网查国画相关资料。哇！互联网不愧是互联网。几秒钟后，许多作品出现了，包括山水画、人物画、花鸟画，其中一个爱上了我。我一看，是齐白石大师的。我很小就认识他，知道他是著名的国画大师。其实国内有很多这样的国画大师，比如徐悲鸿大师，张大千大师都是我崇拜的“偶像”。
我爱他们，因为他们让我“懂国画”；我爱我的老师和我的妈妈，因为他们让我“学会认识中国画”；我也热爱绘画，因为它“让我爱上了国画”！
我爱国画，更爱中国！
国画的作文
从三年级开始，我新报了一个兴趣班——画国画。
一开始我画画非常粗心，还经常把画搞得一团糟，不是水太多了，就是水放少了，总是掌握不好。有一次，我在画枇杷，总是把枇杷画得不是左边大了就是右边小了，还把它画得东倒西歪，枇杷的点对不上杆，那杆子不是太粗就是太细。这时老师对我说：“你只要把枇杷的主杆画粗，把生果实的杆画细点，还要把枇杷画密点，这样你的画会更好。”我听了老师的话，画了一张又一张，照着画册画，照着老师画，到现在慢慢地画得越来越好了。通过一个学期的'努力，现在我好像突然开了窍，画什么都得心应手起来。有一次我正在画“南瓜青瓜萝卜”时老师走过来看了看我的画，愣了愣，然后轻轻地拍了拍我的头说：“小子，画得还挺好的！”说着，就把这幅画挂了起来给大家看。接着我又画了一幅还是被挂起来了。在检查家庭作业的时候，老师又把我三张中的其中一张挂了起来。那天放学我非常高兴，不用说是因为我一天就挂了三张画，我的努力终于有小小的结果了，以后我对国画有了更大的兴趣，但还要坚持不懈继续努力。
国画的作文
童年是丰富多彩的，我有的爱好，最喜欢的国画，它是中华民族的传统文化。听说，我从两岁起就拿起笔信手涂鸦了，也许是正是内最原始的喜爱，叫我与国画结下不解之缘。
后来报名过国画班里学习，从基本的拿笔方法学起，我，国画的学问还真是多。国画在古代没有确定的名字，一般称为丹青，主要是指在纸上作画并加以装裱的卷轴画。近代，西洋画传入，又传统的画法没有固定的名字，才将它正式命名为画。我觉得把脑海中的风景通过画笔浮纸上是享受，我开始懂得了如何享受国画。
通过学习和练习，感觉到不像曾经想的.那样得心应手。自己的作品也总是不太尽如人意，我与国画结下的友谊却更深厚了。我用宣纸画的作品不仅仅是图画，更是心里希望寄托的描绘。也许我还太小，体会不到大画家的泼墨洒脱的情怀。老师教育过我，勤能补拙，喜欢国画，学习国画，更多学习平和安逸的心态。其实不仅是画画，做。的学习很紧张但我仍会在空闲的时候去小试身手，国画，它带给我欢乐也教会我知识。
国画的作文
我们院里有一位老人，画的国画特别漂亮，她告诉我，她十几岁就开始学国画了下面我来介绍一下她画的画吧。
我在观看她的画时，宛如身临其境：那层层叠叠的高山、郁郁葱葱的森林，隐隐约约地倒影在湖水里，我正看的入神，突然，两只美丽的'喜鹊轻点湖面，荡起一圈圈涟漪，又展展翅膀走走了。远处，一叶小舟向我飘来，一阵微风吹过，从天空飘下来一片片红色花瓣……此情此景，让我想起了李白的一首诗：天门中断楚江开，碧水东流至此回。两岸青山相对出，孤帆一片日边来。
国画是国粹、也是国家的骄傲，我爱国画，更爱老人那独特的魅力给人的感觉!
国画的心得体会
国画是中国传统文化的重要组成部分，有着千年的历史和文化积淀。在经历了数百年的发展和演变，中国画艺术逐渐形成了独具特色的风格，并深入人们的生活中。国画不仅是一种艺术表现形式，更是一种文化的传承和良好的审美体验。在这里，我将分享我的国画心得体会。
第一段：初识国画，观画启蒙。
我是从小学开始接触国画的，那时候老师就会布置一些传统的国画作品让我们欣赏，并让我们模仿一些简单的画法。刚开始，我对国画一无所知，只知道它是一种中国的艺术。后来我开始按照老师的要求学习，渐渐地懂得了一些国画的基本知识和画法。我发现，国画和西方画风格迥异，它更注重线条和色彩的自然流露，而不是表现形式。在观赏国画作品时，我会尝试体会画家的意境和表现手法，如《清明上河图》中繁忙而井然有序的场景，表现了当时的市井生活，而不只是刻画了单一的形象。通过观察和感受，我逐渐认识到国画的微妙之处。
第二段：初涉画室，习画之道。
在小学和初中的时候，我跟随老师学习基本的国画技法。从题材的选取到线条的处理，色彩的运用到作品的整体构思，都需要仔细学习和领悟。渐渐地，我发现国画的画法非常独特，它的笔力流畅、大气，有着别样的韵味。在这个过程中，我认识到学习国画是需要用心体会的，而且，必须靠练习来提高自己的水平，不能光靠一时的天赋。于是，我开始不断尝试着画一些不同的题材，锻炼自己的手笔和技巧，在练习中政渐渐提高了自己的水平。
第三段：参与比赛，锤炼自我。
大学后，我参加了一些国画比赛，挑战自己的同时，也要面对来自其他地域及国家的选手的竞争。比赛时，我发现自己面对的是一个更大的舞台，同时也是一个更高的标准。我逐渐学会认真思考和仔细策划，尽可能从魅力、与众不同的角度出发构思自己的作品，以期取得更好的成绩和更高的荣誉。在比赛中，我遇到过失败和挫折，但也取得了不少经验和收获，我从中学会了如何发挥自己的长处，并发现了不足之处，从而更好地提升自己的国画技巧和水平。
第四段：与传统文化的亲近，体现审美价值。
通过学习与练习，我接触了更广泛的中国画作品，体会到作品中所蕴涵的传统文化精髓，如《葵花宝典》中的侠义精神、《童话明信片》中的童真童趣。这些作品传达出了中国文化传统中的某种特质，为观众带来一种更全面的审美体验，激发了人们对传统文化的兴趣和关注。这也是我对国画的最大认识和收获，我们通过学习和欣赏国画，不仅能够受到审美的滋养，还能了解到传统文化，增强文化自信。
总的来说，国画是中华民族宝贵的文化遗产，是中华民族优秀传统文化的代表之一。它既传达出了我们民族的独特气息，同时也认识世界文化成果的同时属于世界文化的一部分。学习和欣赏国画，是一种修身养性、锤炼思维的良好习惯，不仅能够激发艺术创作的灵感，还能够提高人们的艺术鉴赏、审美水平，让人们更好地认识到文化的力量。在现代中国，我们需要继承与发扬传统文化，不断提高国画的技艺与艺术价值，让它更好地融入到现代社会中，传承和发扬中华民族的艺术血脉。
总结：
在这几年的学习与练习中，我不断感悟到国画的独特之处，通过探寻和发掘，我逐渐认识到国画的价值和意义。我相信，在未来的学习和工作中，我的国画心得体会将会成为我人生中美好的一部分，激励我在艺术和文化领域中再创佳绩。
中国画画评范文中国画的评论
听到李老师的公开课，对于只从书本上了解过教学过程而不曾真正走进课堂的我来说，一次现实课堂的体验着实受益匪浅。不仅切身体验了教学过程的魅力，学习了教学技巧，还顿悟了许多从阅读中所不能解决的实践性问题。在此将自己感触较深的听课心得进行分享：
一、组织课堂在实际教学中的重要性。
在自学教育学、教育心理学的过程中，课堂组织给我的印象无非就是上课前的“上课”、“同学们好”、“坐下”之类的惯性过程，点到即止、无足轻重。而走进李老师的课堂，我却惊讶的发现，组织课堂原来是如此重要的一环。
小学课堂比我想象中的更加活泼，一段时间不进行组织，孩子们的注意力便会很快转移至其他事物，课堂气氛会因此变得散漫。所以组织课堂在李老师40分钟的课程时间内贯穿始终，时刻提醒，并且采用了贴合少儿心理的方式如：口头表扬、分组加、减分、课堂口号、奖励小礼品等方式，每次都能高效地将同学们四散的注意力成功拉回课堂。
我想，在听过这学习过这次示范课程后，我也会在之后的学习、实践过程中，对自己的组织课堂这一环节更加注重。
二、丰富课堂语言在教学中的应用。
李老师的课堂语言轻重有度、用词富有童趣且情景感十足。轻重有度的语言更容易将学生的注意力集中到重点上来；将枯燥的专业名词替换成了形象的动词，例如将图形的组合关系比喻为“手拉手”、将添加形状与配色比喻为“绿色的伙伴是三角形，蓝色的伙伴在哪里？”等，这样的语言贴近孩子的思考模式，也就更易引发学习兴趣。
我想如此生动的语言应用水平并不是短时间内可以达到的，它必须建立在对学生的充分了解上，因此必须先清楚地知道学生们理解什么、不理解什么，然后针对学生感兴趣的范围选词，才能达到理想的效果。
三、在重点知识部分运用巧妙引导。
重点知识应该怎么才能得到有效的强调？这在我读书的时候一直是一个难题，也一直希望看到一次课堂上的实际演练，所以今天在李老师的课堂上也特别地留心了她关于重点、难点知识的展示。
首先，关于作画的特征上，李老师用了比较的方法——“像米罗一样画画”、“像设计师一样画画”，将学生以前学过米罗的随意性，与即将学习设计师的工整性相对比，一目了然，自然学生作画的重点就不会跑偏。
其次，李老师对于重点知识的讲解都不会僵硬地直接解释，而是会选择比较温婉的方法：首先将要表现重点的正反面材料提出来对比，引导学生发表自己的看法，以此引发了学生的自主思考，也增进了对学生的了解，最后从总结学生答案中提炼出重点加以强调，以此达到强调重点的目的。
课堂上学生对于重点知识的掌握，是体现课程价值十分重要的一环。李老师的方法对我启迪非常深刻，也解答了一直以来的`疑惑，之后也将继续思考并学习。
四、注重及时反馈，保证整体效果。
重点的学习很重要，学生学会了方法，但在实际操作中应该怎么应用，他们也各有各的想法，印象中的美术课堂很容易出现许多千篇一律的作品，引导激发学生在创作中的创新精神，就要靠在实践中的及时反馈。
在李老师的课堂上，她总是在同学们作画的时候四处查看，并对学生正在制作的作品进行及时鼓励、评价如“你的形非常成功”、“他摆的很整齐，不太活泼”、“你用了红绿蓝的配色”等等。遇到并不理想的作品也不会直接进行指责，而是会提出有代表性的作品到讲台上进行对比，让同学们通过对比自行理解。
我一直很担心将来如果要上课，有些同学不会按照我所要求的来怎么办？如果不能使用硬性要求限制学生的思维，那又该怎么样纠正他们的错误呢？通过这次的听课我懂了一个方法，就是灵活运用对比和鼓励，巧妙地让学生们能自觉地体会到正确创作方式带来的美。
李老师的此次公开课程还带给我了很多感触，如重视实践前的思考性、示范的重要、时刻鼓励良好习惯等等……之后的评课会议上听到老师们的评课我也收获了更多的方法与思考，相信有很多问题需要在真正走进课堂以后才会有更深的领会，我也期待着那一天。非常感谢李老师此次精心准备的课堂，带给我了许多的感悟，我也将带着这些收获和新的问题继续学习，不断成长。
国画的学习方法
目前，中国画艺术范畴百花齐放、百花怒放，各种艺术流派和艺术思潮奇光异彩。加之中国画喜好者和珍藏队伍的不时扩展，学习中国画的浪潮一浪高过一浪。
那么怎样学国画呢?
怎样学国画首先要有一个良好的学习心态，学习目标不要一下子定得过高，学习国画是为了有所乐，这样精神上就没有负担，学习起来就比较轻松。
第二要多看多读，看别人作画、看展览、看教学录像带、看古今名人画作，学习创作方法;看花鸟虫鱼、看名山大川，收集素材、增长知识。还要多读古今文艺作品，加强文学修养，这是画外功夫，有助于提高自己绘画的品位。
第三绘画内容和形式的选择要有所侧重，花鸟、山水、人物不要全面开花，选一科重点学，人老了精力有限。老人学习工笔画法视力不行，学习大写意画法需要有很高的笔墨功夫和艺术修养，最好学习兼工带写的小写意画法。
第四要有适度的投资，除了购买必要的宣纸、毛笔、国画色、书画墨外，还要购买一些参考资料。
第五要循序渐进，特别是初学画的同学不能操之过急，可以先临摹一些自己喜欢的作品，以后结合写生搞些创作，按部就班地慢慢来，一步一步地画下去。
第六积极参与一些书画活动，地方上办书画展览，可将自己画得好的作品推荐给他们，也可以将自己的作品拍成照片向报刊投稿，如果感觉自己作品画得还可以，也可参与一些书画作品比赛。将自己的得意之作装裱起来，悬之于客厅或赠给亲朋好友，也是一种乐趣。
第七要有一个良好的学习环境，住房宽敞、经济条件许可可辟一个画室，但最起码要有一张可以作画的桌子，这样才可以坐下来画画。
第八要持之以恒，要经常保持浓厚的学习兴趣，每天坚持画几笔，不能三天打鱼两天晒网，这样坚持数年，必有好处。
绘画的魅力
从小，便羡慕那些仅用寥寥几笔就能画出栩栩如生的图像的人，便立志要当画家。如今，学业繁重，当初立下的一些远大志向也随着时间的消磨变得淡而又淡。但是对于绘画，我却从未想过要放弃，我已为它的魅力而深深着迷。
在快节奏的生活中，一切都显得喧嚣而嘈杂。脑海中每天都像是兵荒马乱的战争年代，一片混乱，心也都是惶恐的。然而对于绘画，它却像一片世外桃源般，安然隐立于思想的某个角落，一片宁静与祥和。绘画所需的首要，便是心静。
每个周天的上午，拿起画笔，我便沉浸在这片安静的领域。放下了所有的烦恼，安静地沉下心来，只想着去怎样打好一根线条，怎么去修整一个形体。世界最终只剩下了纸与笔摩擦所发出的声音。终于，看着笔下的画在一次又一次耐心的修改之下终于变得准确、圆润时，看着纸上的人物渐渐变得立体丰满时，内心的一切是那么单纯而又由衷的喜悦。
画画不是一蹴而就的。它需要积累，它的成长是“慢”的。长时间的耐心打磨才能最终画出满意的作品，一点一点地踏实学习才能提高技能。它同时是内心的映照心浮气躁时，绘画便会变得漏洞百出；当内心含有悲愤时，绘出的线条又会是十分僵硬。画画需要安静，它像一面镜子，时时刻刻告诉我：沉下心来才能成功。
在安静之中，专注于绘画，从这中我体验到了专注与投入的乐趣。同时，绘画又像做人，聚少成多，需要勤奋与坚持。绘画中进退并存——它需要精密的线条来填充画面，也需要橡皮的修整来协调画面；需要精确的布局排放摆置，又需要留白的背景引发遐想。仔细地思考，才能发现线条的微妙。
这大概是吧，它教会了我安静，也教会了我人生。
曾经的我以为，绘画就像一杯香茶，香气扑鼻。现在我才明白，这杯香茶的味道微泛苦涩，那是岁月与风雨所沉淀的一份沉静，是蕴含在香甜气息中的一份内涵。只有当你真心身入其中时，才能体会的到，并会为之着迷。
一纸一笔，绘出潜在的内涵。
绘画这深刻而安静的魅力，吸引着我。我在绘画中学习着……。
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中国画画评范文中国画的评论
今天听了陈老师的《中国石拱桥》，感受颇深。说明文是学生不太熟悉的一种新文体，内容一般又比较枯燥无味。不像记叙文，有生动的`情节、感人的故事、鲜明的人物形象，能深深地吸引学生。为了让学生能喜欢阅读说明文，陈亮老师在本节课的教学设计上费了一番心思。让学生枯燥在的说明文中学习了：
一、说明文的顺序：时间顺序、空间顺序、逻辑顺序。说明文的说明方法。学生理解掌握很好。
二、让学生了解中国石拱桥的特征，让学生学会提炼概括说明对象的特征。
这节课，陈亮老师给学生绝对的主导权，课堂井然有序。知识掌握牢固。如果导入再凝练点，对作者茅以升加深点印象，对学生作文素材也是个积累。只是个建议，不足之处请批评指正。
中国画的色彩观
传统中国画色彩经历了漫长发展时期，在这一过程中色彩和水墨都一直是在这一过程中此消彼长。到了当前的发展过程中，文化价值观出现了多样化以及个性化的一面，传统中国画的色彩方面也有了新的重视，传统中国画色彩包含了丰富当代因子，在发展上又有了新的机遇。当代中国画的岩彩以及彩墨画等都已经呈现出了具有当代感的色彩面貌[1]。传统中国画色彩在当代的发展上是多元化的，其不只是涵盖着壁画对当代绘画的影响，其中还包含着远古的彩陶以及漆器等，当代中国画色彩发展演进当中色彩不再像传统中国画色彩那样受到某一思想的影响，并成为多元及开放和个性化的局面。
中国绘画在当前的时代发展过程中不断发展壮大，各绘画流派也在此相互的交替及变革，从而产生出了更多的装饰技法以及绘画技巧，作为传统的'中国画色彩也是如此。传统中国画色彩在这一发展过程中被素淡黑白文人画所占领，这并非是意味着其已经消亡，色彩还依然在水墨文人画大兴时刻发展着。传统的中国画色彩不管是透亮工笔还是厚重唐卡等都会为当代绘画带来一笔不朽财富，特别是壁画对我国的重彩画的影响最大。这一多空间以及多材料和多色彩的对比因素共同融合创造，色彩的造型综合性创造出了带有宗教精神的色彩场性[2]。传统中国画在色彩上对当代的中国画色彩的价值是巨大的，并需要不断的进行摸索将其整合创新应用。
2.传统中国画色彩对当代中国画色彩多样化审美影响。
当代的中国画画种当中对传统色彩因素的继承最大的就是重彩画，这一重彩画除其自身因素外还有特殊材质美，现今的文化背景下我国已经从传统绘画色彩模式进入到近现代，然后就是在当代也是受到传统中国画色彩观启发。我国处在变革及发展的重要阶段，多元社会结构及经济制度等是中国画多元化面貌的重要影响因素，从现今的中国绘画方面已到了全面发展的时代，我国的绘画艺术已经经历了几千年时间，并在创新突破呼声中向着交融汇合道路进行发展。
每一色彩机能正常的现代人都可能通过艺术创造来发现及发展自身积淀着人类发展至今的全部色彩本质。通过对画家胡明哲作品的举例来对中国画色彩演进以及多元化历程加以详细阐述，在其作品当中的《花季》是对颜色使用比较鲜明的一幅作品，画的是作画者友人的女儿成人节肖像，通过下图能够看出，作品中的颜色主要是浅蓝色背景，和樱花所构成的背景就使得在整体颜色上凸显出了清新脱俗，在画面中的女孩是身着日本的和服，并和画面中的樱花构成了一致赏樱花节日的氛围[3]。通过这一画面不仅是显示出了节日的氛围，同时也将女孩的花样年华有了呈现。
当代绘画作品在色彩上呈现的面貌是多样的，作画者对色彩的应用上有着很大的发展空间，因为每个画家对色彩的效果追求是不同的，其对传统色彩都从不同程度有着继承，并对当代的色彩风貌也都有着创新，从而在画风上有着独特性。传统的色彩对随类赋彩等有着讲究，我国传统绘画色彩并非是依靠着色彩，其在象征意味方面也有着深刻的体现，其中比较显著的就是五行色以及受到老庄玄禅的影响。文化的发展使得中国画色彩的中西结合成为了现实，并在色彩观方面也有了融合。西方涌入的光谱色画面科学色彩观对文人画在我国的画坛地位有了改变，使得中国画在画面的色彩层面较为活跃。
传统绘画的单一感觉在色彩表面以及感情色彩本质被现代画家解放后，色彩在当代的发展也成为了精神活动的多种呈现形式，在伟大色彩艺术家当中，两者通常都表现出相互加强趋势，色彩的敏感触动色彩感情，而色彩感情凝聚色彩感觉。为能够对每幅作品色彩的不同加以印证主要是根据其思想以及创作的意旨进行划分，由于作者自身对事物的感受不同，所以在个性化方面也就较为突出[4]。现今中国画色彩发展的道路愈来愈被拓宽，而每位画家都能够带来不同色彩绘画语言，在对传统继承中又有了新的创新。
3.结语。
总而言之，对传统中国画色彩和当代审美要求进行有机结合，不仅是对传统绘画色彩的继承，同时也是对当代审美的要求的充分展现。中国画色彩和西方的色彩观得到融合之后，对我国的传统绘画色彩的进一步创新发展又起到了重要促进，丰富了绘画的语言。由于本文篇幅限制不能进一步深化探究，希望此次理论研究能起到抛砖引玉作用以待后来者居上。
参考文献：
[1]孔晓峰.浅议中国画色彩在当今语境中的新境遇[j].美与时代（下半月），20xx，（11）.
[2]张丽.浅析中国画色彩的发展与现状[j].美术大观，20xx，（09）.
[3]王金柱.中国画色彩弱化的原因与对策[j].甘肃高师学报，20xx，（01）.
[4]徐贤.再创中国画色彩的辉煌――中国画色彩拓展探微[j].美术大观，20xx，（08）.
中国画画评范文中国画的评论
我认真学习了朱老师讲的《中国的地形》示范课，使我受益非浅,对我们的地理课教学有着非常重要的指导作用。我认为主要有以下几个优点值得学习：
1、教学思想朴实自然，不作秀、重视教材，整个过程都是在教学生怎样学，不是把结果直接传授给学生。
2、准备课程充分，主要学生是学生能在课外时间，自己动手,自制模型值得学习。《中国的地形》的这一节课是比较难讲的，学生不容易理解.而通过学生动手做模型亲身体验，又结合绘图、填图，使课堂充实紧凑，通过实例学习，就把许多问题一目了然了，所以要把朱老师的教法想方设法应用到我们的实际教学中去，做好自己的教学。
3、整个课堂以学生为主体,学生能够积极发表自己的见解，课堂气氛很活跃。在整堂课中，老师让学生变换多种方式，引导学生感悟中国的'大好河山，而学生能积极主动地去思考，完成这堂课的教学任务，真正体现了学生的主体地位。
4、利用多媒体，创设情景教学，积极的调动了学生的积极性。
总之，这是一堂示范课，为我们今后的教学起到了非常重要的指导作用。我们一定对照自己，查找不足，取长补短，积极改进教学观念和方法，改善课堂教学，使我们的课堂更完美，学生更喜欢。
国画的心得体会
国画是中国传统文化的重要组成部分，又称中国画，是中国民族的瑰宝之一。自古以来，国画便融入了中国文化的内核，成为了中国画坛上的瑰宝。国画古老的历史，丰富的内涵，精湛的技艺，使其成为独具特色的艺术之一，深受人们的喜爱。
第二段：国画的艺术特点。
国画和其他绘画艺术不同之处在于，它强调的是意境的表现和生命力的呈现。作为一种表现形式，它不仅是一种绘画艺术，更是一种传播中国文化的方式。国画最大的特点就是自由，而象征性是国画的核心要素，它是在中国传统文化和哲学思想的基础上，通过画面表现出来的形态。
第三段：自己对国画的感受。
作为一名学生，我也热爱国画，喜欢看国画那独特的姿态和美丽的色彩。我常常会从国画中感受到那份沉静，那份回归本初和那份世外桃源中的自由与恬静。我喜欢研究国画的构图、画面和线条，去探索其中的奥妙，从其中获取灵感，应用到自己的绘画中。
第四段：学习国画的收获。
学习国画，对我的人生和心理，产生了很大的影响。它让我在不断的探索中，不仅提高了观察力和想象力，更重要的是让我在不断的学习中，清晰了人生的方向，让我重新认识到自己对于生命的态度，从而去思考自己的人生价值。国画是一种可以击打倦怠，餐饮心灵，心情舒畅的一种文艺形式。
第五段：结论。
国画既是一种文化，也是一种艺术。国画中所描绘的不仅是自然和人文景观，更是中国文化和哲学思想的折射体现。它不仅仅是一种绘画艺术，更是人们探索生命、表达情感的形式。学习国画不仅仅是学习绘画技巧，更是学习一种哲学思想和生活态度。学好国画艺术，让我们在自己的人生旅途中，收获更多的智慧和真谛，让自己的生命更加丰富。
国画的起源介绍
中国画，起源古，象形字，奠基础；文与画，在当初，无歧异，本一途。中国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、苍颉造字，是为书画之先河。文字与画图初无歧异之分。
陶器是新石器时代的产物，陶器分黑陶、白陶和彩陶。在新石器时代重要遗址西安半坡村出土的彩陶上，画有互相追逐的鱼，跳跃的鹿。甘肃永靖出上的一件摹拟船形的陶壶，使我们如身处岸边，情景历历；还有青海大通上孙家寨发现的'舞蹈彩盆上，绘有三组五人携手踏歌图，表现出青春的活力。它是研究中国画史的根源。在新石器时代的晚期，辛店和龙山诸文化遗址中，发现了我国最早的青铜器，它是器物，又是工艺美术品。常见的青铜器饰纹，有晏吞纹、云雷纹、夔纹、龙纹、虎纹等，也有用人体作为装饰的花纹。双夔合成的容谷纹，尾部多上卷，极富美观。
青铜器物上的装饰画，主题约可分为两类，一是描写贵族生活中的礼仪活动，如宴乐、射札、表祭等：一是描写水陆攻战等。如赵固出土的《刻纹铜鉴》，集中表现了贵族生活的仪礼活动。另一类是描绘水陆攻战的图象，以山彪镇出上的《水陆攻战纹鉴》为代表。其他百花潭铜壶，故宫《宴乐铜壶》都有表现战争景象的图画。这些画幅中，有水陆交战、坚壁防守、云梯攻地等情节。还有描绘水战、陆战的阵势中，表现了冲锋击杀攻坚的细节。士兵有的执剑和戟，有的持戈和矛等，形象生动。这些艺术手法，给汉画石刻、砖刻以很大的启发和影响。
中国画的精神
中国的诗、书、画、戏剧等文学艺术均呈现出鲜明的“写意精神”，并带来象征的、变形的、抽象的、表现的等复杂多变的形式演进，中国画更是其突出的代表。中国画从原始岩画到当代中国画，“写意精神”贯穿始终，形成其艺术特质和独特的绘画体系。千百年来，不论中国画艺术如何呈现出变化无穷的瑰丽风姿，工笔画也好，写意画也好，但万变不离其宗，即植根于中国传统文化深层哲理内涵的儒、道、老庄哲学，其长期主导并影响中国社会的意识形态和社会生活。
所谓“写意精神”是指在创作中以主观情感为主导的创造性艺术冲动和表现形式，画家通过对现实生活和客观物象的深入观察、体会、分析和研究提炼并创造出具有典型象征意义的艺术形象，以主观情感的“写意精神”为先导，“意在笔先，象生其后”，强调主观情感对事物的能动作用。
中国画家在进行创作时，以“写意”为主导，以自己的主观情感去感受外在的物象，外在物象总是属于“意”的统辖之中，不是单纯地模仿自然，而是在对自然物象深刻理解的基础上进行主观创造，达到“感悟生命，抒情表意”的目的。一方面将“物”情感化，另一方面将“意”对象化，“眼中之竹”演绎为“胸中之竹”，带有画家强烈个人情感，经过经营构思提炼熔冶，“胸中勃勃，遂有画意”随机应变而迹化，由此而出现气韵生动、散点透视、随类赋彩等各种“传神”的创作形式和优秀作品。艺术创作不是以主观去追求客观，而是强调生命活力与作者心灵世界的融合，以达到物我交融，神形兼备的目的，由此其作品才能格高韵雅，生动传神。
在中国画领域，就字面意思理解，长期存在将“工笔画”与“写意画”对立的状态，殊不知“写意精神”是中国画之灵魂，同样贯穿于工笔画创作之始终，审美本质是殊途同归，同样要求境界高远，传神写意，气韵生动。大量画家、理论家纠缠于其中，其实使用任何工具、材料的不同画种均创作了优秀的艺术作品，工具、材料是为人服务的，画家的文化修养不同，作品才有高下之分。工笔画的“工、板、死”，在大量的`写意画中同样存在。境界高远，传神写意的工笔经典作品自古以来举不胜举，。明清以降，居廉、居巢的“撞水撞粉”没骨画法更是直接从视觉上打破了工笔画与写意画的界线，成为当代工笔画创作借鉴的经典。当代工笔画在水与色、水与墨之间“撞、泼、洒”等各种千变万化的技法应用，创造了当代工笔画新的辉煌。
艺术的根本在于创造，“笔墨当随时代”，不论是工笔画也好写意画也好，只要我们把握中国画的“写意精神”，吃透传统，吞吐古今，融会中西，加强文学艺术修养，从生活中汲取营养，敢于探索创新，内容形式上独树一帜，中国画艺术的长河，必将出现更多璀璨的艺术精英与精品。
（有删改）
1．下列关于原文内容的表述，不正确的一项是（3分）
a.不管是工笔画还是写意画，其内在精神都是长期主导并影响中国社会意识形态和社会生活的儒、道、老庄哲学。
b.“写意精神”是指在创作中以主观情感为主导的创造性艺术冲动和表现形式，强调主观情感对事物的能动作用。
c.世人将工笔画与写意画对立起来，其实写意精神是中国画之灵魂，工笔画也要境界高远，传神写意，气韵生动。
d.工具、材料是为人服务的，画家文化修养高，画工笔画就境界高远，文化修养不高，画写意画就“工、板、死”。
2．将下列对画作的分析填入文中横线处，不恰当的一项是（3分）
a.五代画家黄筌描绘宫廷苑囿中的珍禽奇花，画法精细，其《写生珍禽图》写花卉翎毛因工细逼真，而被苍鹰视为真物而袭之。
b.唐代张萱《虢国夫人游春图》游春却不画春景，通过人物神情动态、马匹轻快节奏表现出春意盎然的气氛，给人无限想象空间。
c.北宋崔白的《寒雀图》全幅一枝弯曲老树、枝头九只小鸟栖宿跃噪不一，生动的构图，传达给人清远凝练又极富生机的意境。
d.宋代李迪《枯荷鹊鹎图》中翻卷的叶面，满布虫蚀的痕迹，一只鹊鹎双爪紧握荷茎，扭颈俯视，为萧瑟的深秋平添了几许生气。
3．根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（3分）
a.中国画为了更好地表现出鲜明的“写意精神”，使用了象征的、变形的、抽象的、表现的等复杂多变的艺术形式。
b.中国画家进行创作，强调外物与作者心灵世界的融合，追求神形兼备的境界，又把写意作为物象的先导和主导。
c.随着写意精神在绘画领域的影响，当代工笔画充分借鉴了写意画的技法，工笔画与写意画之间界线越来越模糊。
d.艺术的根本在于创造，要创作更多璀璨的艺术精品，我们应着眼古今中外，从生活中广泛吸取营养，提高艺术修养。
答案：
1、（3分）d 2、（3分）a 3 、（3分）c