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音乐
每样东西都有不同的优点。每一件事都令人陶醉。音乐，让我陶醉，问我为什么？正因为音乐有它独特的魅力，使我陶醉，使我坚强和勇敢，这使人做白日梦，就像美丽的月光，音乐使我。
当我和同学吵架，互相吵架的时候，我陶醉在那首美丽的歌谣“友谊地久天长”中。音乐有一种力量促使我与朋友相处融洽，这就是音乐的魅力。每当我想念它，担心它，“担心”这首歌也会在我的耳朵里响。我喝醉了，我的眼泪会掉下来。这首歌里的每一个字都让我感触很深。这就是音乐的力量。每当我委屈，难过。当我悲伤的时候，“夜晚当星星哭泣”这首歌不断地在我的耳朵里回响。我将仰望群星，告诉自己不要再哭泣，要向群星学习，努力闪耀，不要悲伤。每当我在学习中遇到困难时，我都会听到“放开自己”这首歌，我也会学会放开自己，努力冲刺，战胜困难，勇敢前行。
音乐
摘要：将流行音乐带进中学音乐课堂，是中学音乐教育的迫切需要，也是中学音乐教学的必然趋势。音乐教师要正确指导学生欣赏和学唱流行歌曲。要发掘流行音乐中的古典元素，丰富音乐课堂教学，不断增强学生学习音乐的兴趣；要有选择性地让学生欣赏并学唱流行歌曲，不断增加音乐教学的“流行元素”、“健康元素”；要注意把握流行音乐与传统经典音乐的比重，突出教学重点。
关键词：流行音乐音乐教学选择性健康元素。
流行音乐具有歌词通俗易懂、曲调朗朗上口等优势。20世纪90年代中期以来，流行音乐受众迅速低龄化。现在的中学生可以说没有不喜欢流行音乐的，有的甚至到了痴迷的程度。面对这样的状况，作为一名中学的音乐教师，笔者认为，合理地将流行音乐带进中学音乐课堂，是中学音乐教育的迫切需要，也是中学音乐教学的必然趋势。客观来讲，有些流行歌曲的内容、格调不太适合中学生，会对他们的人生观产生消极的影响。我们将流行音乐引入课堂，目的正是在于加强对流行音乐的正确引导，帮助学生们仔细分析流行歌曲，引导他们在音乐教师的正确指导下有选择地欣赏和学唱流行歌曲。具体而言笔者有以下几点粗浅的见解。
一、发掘流行音乐中的古典元素，丰富音乐课堂教学。
目前，中学音乐教育中普遍存在着这样一个现象：学生喜欢音乐，但是不喜欢音乐教材上面的音乐，而是特别钟爱那些耳熟能详的流行歌曲。其实现在很多的流行音乐都运用了古典音乐中的音乐主题，因此我们在给学生上课时，可以抓住这个特点，适当的引出与之相关的古典音乐供大家学习、鉴赏、提高。这样的教学形式应该比单纯的学习古典音乐效果要好。
例如：在一次音乐课中，笔者向学生教授“音乐作品的个人风格”，教材列出的内容是莫扎特和他的《第四十交响曲》。笔者刚介绍完作曲家，准备让同学们先完整试听音乐时，教室里面立刻传来一阵阵“唉···唉···”、“真没劲···”的声音。于是笔者灵机一动说：“同学们，今天我们学习的音乐里面的音乐主题是大家都很熟悉的。因为在大家都非常熟悉的流行音乐里面运用了这首作品的音乐主题。这首流行音乐到底是什么呢？为了让大家更清楚这首音乐的出处，请你们跟随老师的思路。首先听老师试唱音乐主题一。”当我还没有唱完音乐主题一时，底下已叽叽喳喳地讨论开来。学生们有说是she的《不想长大》的音乐，有说是韩剧《mygirl》的插曲，气氛十分热烈。我充分把握住学生们情绪热烈、精神兴奋的有利时机，趁势引入莫扎特的《第四十交响曲》，让学生们用对比的方法分析、比较了作品与流行音乐的异同。同学们积极思考、讨论热烈，得出“莫扎特的作品与那两首流行音乐虽然旋律相同，但在情绪上有很明显的差别”的结论并具体分析。一节课就这样在很愉悦很融洽的气氛中结束了，很好地达到了教学目的，更重要的是拉近了学生和音乐老师之间的距离，增强了学生们学习音乐的浓厚兴趣，进一步调动了学生们上音乐课的积极性。
二、有选择性地让学生欣赏并学唱流行歌曲。
当前，我们的音乐教科书特别是初中的教材里已经开始出现一些流行音乐。但教材里的音乐经过编写、定稿、出版再发到学生的手中需要一定的时间，而且教材不可能年年都在重新改编，因此教材里的流行音乐有些滞后甚至是落后，学生们普遍觉得书中的音乐不太符合现在的时代特点，于是便出现了学生喜欢唱歌而不喜欢音乐课中的歌曲的尴尬场面。但必须认清一点，流行的不一定都是好的。流行音乐的发展良莠不齐，并不是所有的流行音乐和歌曲都适合学生、适合音乐教学。笔者所在学校每年的文艺汇演、卡拉ok或生命教育展示周的节目筛选时，很多学生首选都是像《死了都要爱》、《爱情买卖》这样的情爱歌曲。可见，音乐教师在课堂上引入流行音乐的一个重要职责，就是要选择一些和时代相结合的音乐并配合音乐教材中的音乐供学生欣赏或学唱，如北京奥运会前群星演唱的《北京欢迎你》，5·12汶川大地震后成龙演唱的《生死不离》等等。还有一些有利于学生身心健康发展的歌曲，比如臧天朔的《朋友》，孙楠的《红旗飘飘》，陈红的《常回家看看》，欧阳菲菲的《感恩的心》等等，不断增加音乐教学的“流行元素”、“健康元素”。
总之，在音乐教学中积极引入流行音乐是适应教学相长的有效措施，同时要注意对流行音乐、歌曲的“健康选择”，避免让学生不辨善恶的听，要“取其精华，去其糟粕”，只要是健康的、积极向上的流行音乐和歌曲，就可以让学生接触、了解和学习。学生们在音乐教师的引导下有选择的去欣赏、去学唱流行音乐和流行歌曲，要比回避或强行制止的效果好的多。
三、注意把握流行音乐与传统经典音乐的比重。
将流行音乐引入音乐教学只是手段而不是目的。笔者从事音乐教学时，除了用流行音乐来带古典音乐和有选择性的加入流行音乐在课堂中进行欣赏和学唱外，每节音乐课还会留出一点时间让学生听听教师为他们选择、准备的流行音乐，极大的提高了学生学习音乐的兴趣，同时也有效地规范了音乐课堂的纪律。但是要注意的是，在留时间给学生欣赏流行音乐和歌曲时，一定要注意时间的把握。不要让学生听流行音乐的时间多过了我们上音乐课的时间，这样的教学就没有任何意义了。要清楚，我们将流行音乐带进音乐课堂是为了让学生更好、更多的学习和了解传统的、经典的音乐，而不是喧宾夺主，把整节课或者是大部分的时间都用于听流行音乐和歌曲。如果本末倒置，这样的音乐课随便叫什么人都能上下来，哪里还需要专业的音乐老师？学生们哪里还需要接受什么专业的审美教育？因此，一定要把握好播放流行音乐和歌曲的时间。笔者在音乐课堂上一般都只留几分钟的时间让学生听听适合他们听的流行音乐，效果很好。
综上所述，音乐教师应该发挥自身主观能动性，适当的、合理的将流行音乐有效地带进中学音乐课堂，为音乐课的普及、学生素质的全面提高起到积极的作用。音乐是美的艺术，音乐教师是美的传播者，让我们音乐教师用一切有效的手段带领学生走进音乐的殿堂，在轻松、活泼的音乐气氛中感受美吧！
音乐
摘要：在社会发展的阶段，对于幼师来说不仅仅需要学会如何教育幼儿，还需要提高自身的艺术素养，这样才能够更好的培养幼儿。其中音乐内容的学习就非常重要，所以幼师院校对于这一教学理论也需要进行良好的改革，只有在不断改革和创新的背景下，幼师院校所培养的人才才能够具有更高的素质，也能够把更多的艺术、知识、品德传授给幼儿，因此幼师院校音乐理论教学的改革不容忽视。
关键词：幼师院校；音乐理论；教学改革。
现阶段，对于幼师的教育还需要从多个方面开展，其中不仅仅是幼儿的培养方式以及德育教育，还包括艺术教育的内容，其中音乐教育就是非常重要的一项，因此音乐教育中的理论教学改革不容忽视。音乐理论教学主要包括三点内容，这三点内容的学习对于幼师音乐理论学习有着非常重要的促进作用，但是其中教学依然存在一定的问题，因此本文针对幼师院校中音乐理论教学的改革内容进行分析，以期能够更好的促进幼师的发展和进步。
一、音乐理论教学与实际紧密结合。
现阶段，师范院校中对于幼师教育额改革，不仅仅需要关系到教学手法，还需要对其中的内容进行分析和了解，针对幼师师范校园中的音乐理论课程主要包括三个部分：第一个部分就是音乐基础课的理论内容，有基本的阅历，还有视唱、练耳等；第二部分就是技术理论课程，和声、作曲等；第三个部分就是历史理论课，主要就是音乐的艺术概括，以及中外音乐历史等内容[1]。对于幼师的教育来说，音乐本身就是听觉上的一个艺术，所以什么音乐理论的学习都无法离开实际的音响。所以还需要在感受实际的音响过程中不断加深了对音乐中理论知识的认识和理解。现阶段师范院校对幼师的教育也已经深刻的认识到了这一点内容，所以在音乐理论的教学中也开始增加实际的教学内容，这样也知识枯燥的音乐理论知识变得更加有趣，也能够增加学生的学习兴趣。同时幼师为了把理论知识更好的使用，师范院校在教学改革的过程中，还需要注重学生日常技能的训练，以此加深学生对音乐感知的能力，这也能够更好的促进学生的进步和提高。
二、加强音乐理论教学的广度和深度。
在师范校园对于幼师的教育过程中，想要保证幼师能够接收到良好的音乐理论知识学习，还需要关注到学生对于知识理解的深度和广度，这样才能够有效改善幼师的学习情况，促进其音乐学习能力的发展和进步。现阶段，随着教育工作的开展方式逐渐受到人们的关注，其中所包括的有幼师的教育，同时也有幼师对幼儿的教育，但是单单在这样的关系下观察，就已经能够看出，只有保证幼师接受到良好的教育，才能够更好的向幼儿传递知识，幼儿的各方面素养也能够得到更好的提高[2]。在师范校园中，对于幼师的培养属于最为重要的内容，所以幼师还需要具有更加广博的音乐基础，主要就是只有保证幼师的扎实功底，才能够更好的促进其发展，也能够在后期被幼儿教育行业所需要。而在这样的情况下，师范院校教学改革还需要把音乐教学理论知识和相关的国外研究所结合，并且结合现实的知识内容，保证音乐理论课程在学习之后能够学以致用，并且具有更加良好的深度和广度，以此保证幼师对于幼儿的音乐教学能够具有科学性和规范性。
三、引进现代教育的理论。
现阶段学生是社会中各个信息加工的主要内容，同时也是社会主义的主动构建人员，因此在师范院校的教学过程中，使用现代的教育理论内容，能够在学生欣赏和演奏音乐的阶段更好的感受到音乐作品的情感。在这样的情况下，教师也需要在一定程度上对相关的知识内容进行分析，并且利用现代化的教学理论加以分析，这样才能够更好的得出最终结果，把教学理论内容进行同化和迁移[3]。随着现代教育理论内容的不断加入，老师在对于师范院校幼师的教育过程中，也不能够仅仅使用教材的内容，还需要把知识进行多范围的拓展，所以老师还需要使用教学媒体进行教学，老师也可以把音乐教学中的理论知识进行多媒体方式的教学，把教材的内容总结和归纳最终做成ppt，这样在教学中引进现代的理论内容，幼师也能够更好的掌握其中的知识内容，以此良好的促进幼师的发展和进步。
四、加强音乐理论和其他教学的联系。
随着社会的发展和进步，最新的教学方式逐渐被提出，同时人们在社会发展中也逐渐开始关注幼儿的教育，所以能够看出，这两点内容的结合，导致现阶段幼师师范院校的音乐课程教学出现众多的问题，因此还需要对其进行重点的改革，这样才能够合理的培养出与基本国情相符的幼师人才。同时针对音乐教学中理论课程的学习，老师还需要把需要学习的知识点和其他教学内容相联系和结合，这样能够保证学生接受多种教育，并且在不同的教学方式之下达到多学科内容共同进步的效果，所以音乐理论知识和其他教学的联系，对于师范院校的幼师，音乐理论课程培训也有着非常重要的促进作用。
五、结语。
根据以上内容探讨和分析能够得出以下结果，目前来看，很多幼师在学习的阶段觉得音乐理论课程并没有什么用处，甚至在未来的幼儿教学中也完全不会和幼儿讲解如此高深的内容，这也是很多师范院校放弃这一内容教学的主要原因。但是实际上能够看出，对幼师进行理论内容的教学，能够有效的促进其未来的发展，对于幼儿教育工作作出良好的贡献。
[参考文献]。
[2]刘杨.职业院校音乐教育专业教学改革探析[j].经营管理者,20xx,18:405.
音乐
[摘要]随着我国经济的发展，教育的大力改革，更加注重人们的思想情感，在音乐中需要把情感融入到旋律中，音乐论文的写作主要体现出了写作者对音乐的领悟和实践的一些相关内容进行系统化和书面化的一个过程，所以，音乐论文的写作要求有一定的严格性。论文内容质量的好坏直接反映出了写作者对音乐的认识能力、理解能力和分析能力等，同时也体现出了学术的规范性和素养问题。本文主要阐述了音乐在论文的写作特点，并且对存在的问题进行分析，总结出解决问题的办法。
随着我国国际地位的不断提高，音乐有了很大的发展，注重旋律的同时也比较注重情感的投入，很多研究者和兴趣爱好者通过音乐论文写作来发表白身的观点和见解。规范的音乐论文要求体例和格式的绝对正确，并且应提高音乐论文的写作质量，只有这样才能写出好的论文格式。我国很多音乐论文写作者在写作中还存在一定的问题，比如，选题角度和写作技巧等，使内容和格式出现了不同程度的不足，因此，在此基础上需要对种种问题进行分析并解决，进一步推动音乐学术论文的规范化。
（一）创见性。
创见性对于音乐论文写作具有关键性的作用，它是进行科学研究的核心。创见性有两层含义，一个指的是观点的新颖和新方法的提出，另一个是指根据新观点来打破旧观念，用新的认识和方法来替代旧的认识和方法，也可以表述为对前人事物认识的一个补充和综合。在音乐论文写作中可以看出，所有的论文中存在大量的抄袭和剽窃现象，对他人的音乐论文作品进行复制，粘贴，成为自己的作品，真正有学术价值的少之又少，真的做到理论和实践相互结合的微乎其微，在此种情况下就失去了论文的创见性。
（二）学理性。
人类的各种活动最主要的是靠理性认识，它是人类活动的高级阶段，是对一件事物本质的认识。人类对一件事情的理性认识最终的结果就是理论，这种理论必然有一定的事物高度和深度等特点，所以，学理性在很大程度上成为了音乐论文写作的诉求，这种诉求的表达就需要写作者尊重科学、论点正确、推理符合一定的逻辑和论证严密等，在此基础上还需要做到判断的正确性，对自身音乐的研究结果持肯定的态度，对他人的研究成果应实事求是，只有这样才能在论文中真正表达自己的诉求。
学理性有一定的成果和一定的理论高度，主要表现在两个方面：成果和理论高度。学理性特点要求写作者对自身提出的各种要求进行深入的分析和不断的探讨，敢于假设推理，得出具有科学价值的结论；另一方面，写作者还需要对自身提出的见解进行系统的论述，做到原理阐述、权威论断和前人的引用，提高文章的说服力，达到一定的论文水平。
（三）规范性。
音乐论文的规范性主要包括两个方面：音乐理念的规范阐述和论文格式的规范书写，在进行论文的写作时，由于论文的文体有所不同，使写作格式，规范性和体例等也有一定的分明，呈现出的论文在一定程度上也有很大差异。早在中国古代就有人把文章分为“四科八体”并且详细的介绍了其中各个不同的文体特征。
音乐论文的写作是论说文的一种形式，根据论文的结构来分析，很大程度上包含标题、署名、序言、本论和结论几个部分组成，这几个部分构成了音乐形式的论文，它和学术论文的格式有很大的区别，学术论文主要包含了摘要、关键词、注释、参考文献、作者简介等几个部分构成，不管是哪种论文都对语言的要求很高，一般情况下要求简练、通顺，层次分明，逻辑严密等，与此同时，使用的表格和图片要在最大程度上符合论文观点的要求。音乐学术论文在格式和规范方面问题比较突出，写作者在写作时，错误的地方比较普遍。
（一）选题问题。
音乐专业的学生每天接触最多的就是音乐方面的知识，很少涉及到文学，音乐论文很大程度上是学生第一次进行规范化，系统化的文学创作，所以很多学生根本不知道该怎么写，最让学生止步的是对论文的选题，没有一个明确的选题方向，使得论文无从下手。由于学生日常对文学知识积累不是很多，在选题中就出现了一些思想重复，内容空洞和宏观过度等情况的发生。通过对学生的音乐论文进行对比观察发现，大多学生喜欢以浅谈为中心进行论文的学做，比如，《浅谈音乐与文学》、《浅谈中国民间歌曲》等方面进行选题。这些题目的选择内容不但空乏，并且讨论的范围比较大，涉及到的学科比较多，很大程度上使学生由于没有更多其他学科知识而出现力不从心，到最后就出现了东拼西凑的情况。
（二）写作技巧问题。
音乐论文的写作除了格式正确之外更多的是写作水平的高低，写作水平的高低在很大程度上又体现在语言表达能力上，因此，音乐专业学生对文学专业知识的积累不够，平时又不太喜欢阅读和写作，长此下去使得学生语言表达能力逐渐下降，对一个问题不能够用简洁的语言对其进行描述，因此，学生应加强自身的语言表达能力。论述的描述在很大情况下只有感性的描述，理性的描述比较少，所以，很多时候会把论文写成总结或者报告。在对音乐论文写作过程中对资料的使用也存在很大的问题：1）学生对直接引用和间接引用两者混为一谈，不能够对其进行恰当的运用，就出现了对他人的研究成果抄袭的现象；2）在写作时，没有对参考资料进行必要的分析，采用了很多的引用和转述语句，导致整篇文章没有自己的独到见解和所要表达的意思。
（三）写作规范问题。
随着我国对学术历史的不断深入研究，学术水平有了很大的发展和提高，对学术的研究也有了很大的进步，于此同时，对论文内容各个部分的要求也越来越高，不但如此，学生所写的音乐论文也必须保证论文格式的规范。但是，很多学生在进行音乐论文写作时，对写作内容格式的规范性不清楚，对论文最基本的格式都不知道，写出的音乐论文格式都不具有规范性，对此种情况有人提出建议说，对于格式问题由打印部进行统一的处理，这种情况在一定程度上很难行得通。我国一位文学家曾经说过：“严格的形式规范是使学术健康发展的基本保证。”音乐论文在写作时如果能够对格式进行严格的规范，那么，音乐论文将能得到更好的进步。
（一）选题要注重与音乐基础课程的衔接。
学生在进行音乐课程时要培养其学术兴趣，这就需要学生在日常学生中有发现并解决问题的能力，只有这样才能够对学术研究产生一定的兴趣。
教师在论文写作教学中要有多种知识的运用。音乐专业和其他专业的联系程度有限，使得学生其他专业知识比较少，音乐论文的写作趋于综合，所以，教师在音乐课程讲授的同时，还应涉及到其他学科的知识，让学生音乐学习中了解论文内容并且进行系统的掌握，比如，在音乐专业的基础上，对文学和历史等专业知识进行必要的学习。
（二）多种渠道扩大学生知识面。
由于专业课程的讲授只关注一个方面的知识，对其他知识涉及到的比较少，音乐专业知识和其他专业相比有一定的单一性，使学生在论文的写作和选题上受到很大的限制，所以，在此基础上应采用多种方式来扩展知识面，对这种知识单一的现状进行必要的改善。
对音乐系中的选修课内容进行必要的丰富，教师鼓励学生根据自身的兴趣对课程进行选修，以此来扩展学生的知识面。通过这种选修课程来弥补文化知识。还可以通过组织一些文化活动来提高学生对文化知识学习的兴趣，能够大大增加学生的阅读量，并且养成阅读的习惯。
（三）实行论文辅导导师制。
随着我国在国际上的地位不断加固，对教育进行了全面的改革，很多高校建立了本科生导师制，使学生和导师进行直接的对话和沟通，导师对学生的思想和学习进行必要的分析和指导。这种指导对音乐专业的学生来说有很大的帮助，因为音乐专业教师讲究的是技巧性，不能够和学生之间建立起真正的沟通关系，所以，导师在其中的位置非常重要。导师对音乐专业学生比较重要，如果导师能够做到以下两点就能够使学生的音乐论文水平得到提高：1）给学生介绍音乐界学术情况，提高学生兴趣；2）提高学生发现问题的能力。
（四）提高学生对音乐论文写作重要性的认识。
音乐专业不管是从内容结构安排还是性质上来讲，和其他专业有很大的不同，学生接触到最多的是音乐的技巧，并且每天要进行大量的练习，在练习的过程中消耗了很多的时间，长此下去，使很多学生在很大程度上失去了对文学学习的兴趣，还有很多学生片面的认为，音乐专业的学习只要把握好音乐方面的知识就行了，所以，学生对音乐论文的写作没有引起足够的重视，在学习文学时只是草草应付，毕业论文质量的高低不影响音乐专业课，使很多学生出现抄袭行为，蒙混过关。
由上文可以看出，音乐学术论文的写作要求比较严格，不单单是格式的问题，还涉及到学术规范和研究等具体问题，通过对研究问题进行规范化使音乐论文得到更大的发展。实质上，音乐论文的写作能够在很大程度上锻炼学生对音乐的理解，学生在其中不但能够学习到各种研究技巧和写作技巧，而且对所学知识也可以进行必要的巩固，使实践和理论相互融合，为以后的问题分析和解决打下良好的基础，这对音乐的长期发展有很大的积极作用。
音乐
摘要：音乐与绘画是两种不同的艺术门类，但两者存在着许多关联之处，涉及到艺术家身份的关联、观念上的继承、理念上的认同等等。既然它们同属于艺术就一定存在着共同之处。
音乐既是听觉艺术，又是时间艺术，还是动态艺术，它在一定的时间里，以乐音和噪音的持续运动来表现自己，它以音响在持续或间断的运动中体现着“以声表情”、“声情并茂”的艺术形象。音乐可以说是心灵的艺术，它通过音响来表达感情或形象，使欣赏者的心灵产生或震撼、或愉悦、或平静、或心潮澎湃等等各种各样的感受，并以引出欣赏者在情绪上的共鸣为己任。
绘画是视觉艺术、空间艺术，也是静态艺术。画家将线条、色调及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的图形，从视觉上给观赏者以强烈印象，并引起各种情绪的反映，产生审美刺激。
音乐与绘画各自通过不同的媒介物、用不同的艺术表现手段，向人们传达着作者所要表达的内容和情感。音乐与绘画是两种截然不同的艺术形式，如果论及它们之间的关联，不得不先论及艺术家身份的关联。
一、艺术家身份的关联。
许多艺术家本身既是音乐家又是画家，如康定斯基、勋伯格、达芬奇等等。
康定斯基（wassilykandinsky，1866—1944）是俄国表现主义绘画的代表人物之一，他同时又是一位精通音乐的人，他与表现主义音乐的代表作曲家勋伯格（a。schoenberg，1874—1951）交好，并特别喜爱听勋伯格的作品，在听其管弦乐时常会感到“眼前有如乱发一样的无数的线条在狂舞”。由于康定斯基本人也可说是音乐家，故而其绘画作品接近音乐的性格，他以暴风一样的激情的情感、火焰般的强烈色彩、表现内心的感动，并赋予色彩、画面以音乐性，如他的《浪漫的风景》，描绘了几匹从山坡奔驰而下的马，骑者被弹的很高，那激烈运动的色点、具有动感的大色块、以及横穿画面的斜线，如同被演奏着的一首奔放的交响曲；在其《连锁》中，二十多个相似而又独立的生命体，色彩鲜艳、整齐规律地排列在一齐，有如音乐作品的结构，其整个作品体现出被凝固着的又仿佛流淌着的动人旋律。
康定斯基的绘画接近音乐，用仿佛音乐般的线条与色块来表达自己的内心世界，他将绘画作品赋予了音乐性的效果。他把色彩作为钢琴键盘、将线条作为弦乐、各种不同的构图当作铜管，制造出了动人心魄的“交响曲”。他对音乐的热爱，通过他的绘画作品淋漓尽致地表达出来。
康定斯基的好友作曲家勋伯格同时也是一位画家，在勋伯格的音乐作品中，如弦乐五重奏《升华之夜》、独唱剧《期待》、配乐说唱《月迷彼埃罗》等等，都以各种音乐手段（如无调性的旋律、十二音的构造、音乐的织体等）体现着他对生活的感受和对社会的思考，同时，也呈现出强烈的画面感。他常常将自己对绘画的热爱（自然，他也有许多绘画作品），用强烈的刺激的音乐音响表达出来，有意尝试将表现主义者在绘画方面的心得，转介入音乐之中。
众所周知，达芬奇（（scuolaleonardodavinc，i1452—1519）也是位同时通晓绘画与音乐的艺术家，他认为音乐虽然是听觉艺术，但它与绘画有许多相通之处：
一、音乐与绘画都有节奏；
二、音乐与绘画同样有比例关系；
三、音乐与绘画的美感完全建立在各自部分之间的的相互渗透。他的见解得到众多艺术家的认同。
正由于如此，使音乐与绘画着两种不同的艺术在许多地方体现出意念或概念上的趋同。就以印象主义为例，也证明着印象主义音乐与绘画在观念上的继承。
二、印象主义音乐与绘画在观念上的继承。
印象主义音乐是19世纪末法国作曲家德彪西（achille—claudedebussy，1862—1918）首创的一种音乐风格，然而音乐上的印象主义却是直接来自于绘画上的印象主义。19世纪末的画家马奈（edouardmanet，1832—1883）、莫奈（claudemo—ne，t1840—1926）、修拉（georgesseurat，1859—1891）等人的作品打破了古典的作画风格，避开了写实的画风，而创作出对一瞬间的光色、气氛的感觉与印象、以鲜明跳跃的色彩替代几百年以来深沉、灰暗的酱色调的画风。印象主义绘画直接触动以往既定的审美模式，而开启20世纪现代美术的先河。作为对一切新鲜事物一场感兴趣并热爱绘画艺术的德彪西，为这种新颖的画风所影响，以管弦乐序曲《牧神午后》，创立了印象主义音乐的音乐流派。
印象主义音乐继承了追求感官印象描绘的特征，用音乐来表现作曲家通过听觉、视觉、幻觉甚至是嗅觉所捕捉到的对自然现象、景物、人物等的感觉和印象，如同印象主义绘画那般，放弃传统音乐中那严密的组织和理性、逻辑性的结构形式，其音乐被作曲家以自由抒发的灵感式的倾诉变成了模糊、隐绰、松散的轮廓，音乐语言发展成虚无飘渺的意境。德彪西是位具有反叛精神的作曲家，他不固守传统，同印象派画家和象征派诗人交往甚密，并继承了他们的思想观念。德彪西的音乐不以旋律为生命，而以片断、零碎的形态，偏离大小调的音乐体系，削弱和声的功能性而增加其色彩性的音乐特征，使印象主义音乐呈现出新颖、雅致、清新、灵巧、缺乏音乐发展所固有的内在动力的品质。他以这种音乐风格体现着印象主义绘画风格的观念：在从透明而重感官的结构里激发起理想中的境界，自然景物或人不再是表现的重心，而强调光与色的效果；不着重表现具象与事物的本质，而注意自然界光色变化和瞬间运动感，体现着朦朦胧胧梦一般的印象。如同印象主义绘画一样，印象主义音乐常常在作品内容的选择上脱离现实世界的题材，专注于光影的游戏和愉悦的性格和能给人感官享受的事物，它把以音乐的丰富色彩呈献给大家，发展了音乐诗意的感情与气氛，并常常醉心于个人的艺术天地，甚至有点孤芳自赏的意味。
印象主义音乐是在观念上对印象主义绘画的继承，它打破了以往传统的作曲方式，成为了20世纪现代音乐的桥梁。印象主义音乐于绘画的关联，直接或间接地影响到表现主义音乐与绘画在理念上的认同。
三、表现主义音乐与绘画在理念上的认同。
“表现主义”（expressionism）一词首先出现在19德国的《狂飚》杂志中，它是在第一次世界大战前出现在德国的一种艺术流派，表现主义针对印象主义对自然和现实的模仿与再现，主张艺术要直接表现思想的本质、内在的灵魂，强调艺术的表现力和形式的重要性，反对机械地模仿客观现实，作品中体现出机械文明压制人性的强烈不满。表现主义艺术流派首先出现在美术领域，再而影响到音乐。
表现主义绘画的代表人物之一便是康定斯基。以康定斯基为代表的表现主义画家反对学院派自然主义的古典风范，主张不应机械地模仿客观现实，主张用以线条与色块体验人类思想的本质，并以个人对主观感情来取代视觉的感受。正是由于理念的趋同，使作曲家勋伯格深受表现主义绘画的影响，勋伯格与其两位弟子贝尔格、威伯恩创立了音乐上的表现主义。表现主义的作曲家们用自己的心灵感受到德奥现实生活充满着丑恶和痛苦时，他们的音乐便以抽象、夸张、扭曲、怪诞的笔法对现实进行变形的描绘，用梦魇、幻觉来影射客观世界，用刺激、不协和的音响来揭示心灵的孤寂、恐惧、绝望乃至疯狂。
无论是表现主义的音乐或是绘画，其创作风格与技法，都突破了传统，并引起艺术界的强烈震荡。勋伯格在进行表现主义音乐实验的初期，一直处于高度的紧张气氛之中，其作品受到如同表现主义绘画一样的待遇：让人一时不能理解，也无法接受。其作品的每次上演，都会引起听众的一片谴责，即使是晚期作品，也不是那种让听众为之愉悦，为之共鸣的音乐，因为，表现主义音乐突出的特点是无调性（atonality），其使用的作曲手法是前无古人的“十二音体系（twelve—notesystem）”，这种作曲体系掀起了“不协和音的解放运动”，使欧美音乐界（尤其使作曲界）受到了前所未有的冲击，并引起震荡。在他死后，其音乐也存在着争议的评价。
表现主义绘画在表现主义音乐之先面世，自然，同样是愤怒的反应，而后是漠然，直至得到宽容。康定斯基以一种病态的画面，发泄着对资本主义罪恶的憎恨和因社会危机而引发的在情绪上的恐怖和苦闷。他对色彩“内在音响”的体验，以及色彩和音乐律动同一性的理解与高度敏感，使表现主义绘画具有一种音乐性般的艺术效果。
表现主义音乐与绘画的同一性在美学思想上达到了高度的统一：共同体验着社会的动荡、不安，表现着对现实的不满、恐惧，表达出对印象主义音乐或绘画那追求光、色一瞬间的印象，及模模糊糊地反映被描绘的事物所散发的气氛，以及充斥在音乐与画面间的那迷离、朦胧、神秘意味，主张与传统彻底决裂，以几乎变态的理性来反映客观现实带给人们的强烈压抑的精神、思想、信念的本质。
表现主义音乐对表现主义理念的认同，在某种意义上是印象主义音乐对印象主义绘画观念上的延续。因为，音乐与绘画的密切关联，在历史的不同时期都有着或多或少的显现。音乐与绘画的关联不仅表现在同一类型的流派之中，甚至表现在不同艺术流派之间，某种流派的作曲家也会受另一种绘画风格的影响，诸如威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。
四、威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。
威伯恩（a。werbern，1883—1945）是勋伯格的学生，是表现主义音乐的代表人物之一，他追随勋伯格步入十二音技法领域，并发展了勋伯格的音乐风格，将勋伯格创立的十二音体系推向序列音乐，他提供了一种“方法”，加强对音高组织的控制，还对音色、时值等要素作出相应安排。他全部的31首音乐作品具有高度集中、浓缩、简练、主观、抽象、简洁的风格，将“纯音乐”推向颠峰。在他后期作品中，缺少传统音乐所特有的线条感，而以单音或是多音，以不同的色彩乍似毫无关系地连缀在一起，造成漫无章法、毫无表情的音响感，然而，他由十二音推向序列音乐的音乐作品，有极强的内部组织的严格次序，呈现出高度理智而客观的风格。这种音乐多以点对点、块对块音响连接的风格，与印象主义后期的“点彩派”绘画存在有许多相似的理念。
“点彩派”的代表画家是法国的修拉（georgesseurat，1859—1891），他的代表作油画《大碗岛上一个星期的下午》由无数个红、黄、蓝、白单色的小点构成，产生画面朦胧、迷离的意境。点彩派画风以法国化学家舍夫略里关于色彩协调理论《色彩对比论》为理论基础，用红、黄、蓝、白四种原色作不同组合，让观众眼睛自行调动而看感到流光异彩的画面。点彩派用这种所谓科学的、严格的色彩和笔触，代替以往印象派画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触，比马奈、莫奈的画作更忽略作品的内容而单纯追求所谓科学的色彩与形式化。修拉的画风被称为“点彩法”，而威伯恩那缺乏旋律线条的作曲方法则被人称为“点描法”，它与“点彩派”绘画有类似的理念。音乐上的“点抽法”突出的特征是将完整的旋律纵向分配到多个乐器或乐器组来演奏，而以短小时值的音符相连接，形成浓缩的曲调线条，其跳动大的音程，表示旋律线的突凸，反之则柔和，以这种短小时值的点构成的组合，构成威伯恩音乐的主题，并由点对点的短音符在不同乐器或单一乐器不同音区的呈现，构成整部音乐。
“点描法”的音乐与“点彩”派的绘画在以点组成艺术的理念上，达到心有灵犀的艺术关联。威伯恩的“点描音乐”以各种不同音色，不同位置的音响的“点”的时疏时密的跳动来构成其旋律，它拒绝传统音乐那悠长的旋律线条，“点彩绘画”由一点一点纯色的“点”，构成复杂的画面；“点描音乐”拒绝传统音乐简单地抒发作曲家个人的主观情感，而以严格的序列控制作为新的作曲手段，“点彩绘画”同样追求色彩理论的原理，将理性的色彩组合看得高于一切。他们共同的理想都是要创作出不同于以往形式的艺术作品，在创新意识上使两者都走在同一个更为注重形式感的艺术创造的道路上。威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画不属于同一名称的艺术流派，前者属“表现主义”的范畴，后者是印象主义的延续，然而，分析两种风格的两种艺术在理念及手法上的关联，使人产生了极大雷同的印象，拟或可说有“同工异曲”之妙的艺术效果。于是，我们说音乐同绘画存在有必然的关联。
五、音乐同绘画存在的必然的关联。
音乐与绘画不属于同一种艺术形式，它们有各自不同的特征与表现手段。然而，它们又同属于“艺术”这一范畴。既然同是艺术，那便会产生千丝万缕的联系。
康定斯基早在19就指出两者之间的联系：黄色具有不断向上的“超越”，从而达到使眼睛和神经均无法承受的的功能，而当一只小号所发出的声音，变得越高越尖锐时，以至于刺痛耳朵和神经；而蓝色，则具有“超越”相反的力量，它把眼睛引向无限的深度，因而，发出类似长笛般的声音（当深蓝色时）、或低音提琴的声音（当深蓝色时）；在弹奏管风琴低音键盘时，你能“看见”深深的蓝色；绿色非常接近大提琴纤弱的中音区的音色；而红色在使用得当时，它给人以强有力的击鼓的印象。
于是，我们可以这样认为：大气和光的振动相成了声音和色彩之间的物理相似形，便造成我们所感觉截然不同的“音乐”与“绘画”之间的关联。作曲家和画家都能运用不同的“音调”或“色调”，创造出同一种或温暖或凄凉或热情或呆滞的共同感受。
音乐与绘画的关联，具有审美功能，引发欣赏者的喜爱，并引起人们在情感或情绪上的共鸣、得到人们的赏识，是音乐与绘画的共同目的。音乐与绘画有各自己的表现手段与媒介，但两者都不同程度上浸透了认识因素与教育因素，它们以各自不同的艺术表白方式，给予欣赏者在心理上、感知上获得效果各异的认识作用与教育作用，只不过这些作用反映在不同的艺术领域和不同的形式之中罢了。所以，各门艺术存在着相互浸透、相互关联的现象，音乐与绘画也是如此。艺术就是这么神奇。各门艺术实际上存在有或多或少的必然联系，因为它们同属于“艺术”的范畴。音乐与绘画有各自鲜明的个性，然而，它们又存在着那么多的必然的关联。
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我是个热爱音乐的人，喜欢音符索绕身边的美妙感觉。我会为了一首想听却总是听不到的歌而怅然若失，会为了一张cd上的一首曲子跑遍城市所有的cd店，会为了自己喜欢的歌手的声音而激动得忘乎所以……音乐的魅力是无法估量的，不费吹灰之力就几乎让全世界成为它的俘虏，成为它永远忠实的fans。不同时代的音乐都有属于自己独特的风格和历史，也是时代特征的体现。上个时代的校园民谣是当时音乐的`主宰，叫得最响亮的名字莫过于高晓松。高晓松的歌词是一条青春的河，轻而易举地将人浸润。老狼《同桌的你》听上去很是舒服，也很惬意，不知寄托了多少人青春时代的甜蜜梦想。
以前，音乐人在众人眼中必须是全能的，会作词、作曲和演唱。现在的音乐将过去颠覆，开创了我们特有的音乐新时代。我想首席代表必是jay——周杰伦，昨日双截棍舞得很漂亮的无名小卒，今日声名鹊起的实力歌手，明日万众瞩目的天皇巨星。他的迅速走红并未带来太多惊叹的目光，似乎在意料之中，他的专辑销量一直居高不下。有人批评说他咬字不清，我认为这也正是他的独特出众之处。他的大多数歌都是自己作曲的，一种modern的曲风，糅合了一种蒙眬感，让意韵与心境得以含蓄却又淋漓尽致的呈现，让曲韵的表现力和张力及其鉴赏性得到极致发挥。或是躁动不羁，或是温婉缠绵，百变风格让人欲罢不能。这就是我们这个时代音乐的突出特点——张扬个性。周杰伦应该算是当今流行歌手中很成功的一位了。我做了一项民意调查，调查显示：大部分人以为jay的作曲及演唱方法是非常成功的，极少数持否定意见的人也只是不喜欢他曲子的风格和类型而已，可见周杰伦的音乐才能是毋庸置疑的。唯一遗憾的事是jay不会作词，不过会不会作词在当前似乎关系不大，很多歌手是连曲也不会作的，这也就是为什么我们现在严格地将音乐人和歌手区别开来的原因。jay的歌被广为传唱理所应当，但我建议大家不要一味地模仿。jay对于他的字音清晰问题可以处理得很好，如果大家盲目模仿，一旦丧失了原来良好的发音能力，可就要抱憾终身了!
说完了周杰伦，我不知道该谈谁了，在不断推陈出新的娱乐圈里，想找到一位时代的代言人，也着实不是易事。每个人心中皆有杆秤，每个人心中都会有自己对时代音乐的认识，所有的都要留给你们自己来细细品味。
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摘要：社会音乐教育是音乐教育事业的重要组成部分，也是我国素质教育发展的重要组成部分。人们对音乐的认知水平的提高，对其学习热情的不断高涨，已经引起社会各界的广泛认同且影响力越来越大。由于社会音乐教育的分散化、个性化等特点，缺乏系统性、规范性的管理和引导，社会音乐教育机构及其辅助系统的发展仍然存在着诸多问题亟待解决。根据河北省社会音乐教育的现状及特点，切实有效地发展社会音乐文化教育产业，对促进全民音乐教育的发展和音乐文化的进步具有不可替代的重要作用。
关键词：社会音乐教育；文化产业；音乐教育培训。
一、河北省社会音乐教育的发展现状。
随着我国经济的迅速腾飞，科学文化事业的蓬勃向上，全民素质水平的提高越来越得到重视，社会音乐教育在得到了社会各界认同的同时，其机构在普及音乐教育中发挥了积极的作用。进入本世纪以来，河北省提出了实现由文化资源大省向文化资源强省转型的要求。作为实现“终身教育”的重要途径之一，社会音乐教育也在不断地完善发展，促进提高全民素质水平。河北省社会音乐教育产业发展主要由政府机构和社会音乐培训机构两个层面构成，群众文化艺术馆、少年宫、妇女儿童和老年活动中心都是以政府职能部门进行的公益培训机构并负责组织开展群众性文化艺术活动；音乐教育培训机构作为朝阳行业近几年一直高速发展，尤其是琴行作为社会音乐教育资源的一种发展迅猛；在一定程度上起到了提高全民音乐素养的作用。据相关部门统计，仅河北省石家庄市市区由政府部门开展的有培训资质的音乐培训机构以及大大小小的社会培训机构就有几百家，加上石家庄周边县市能够达到一千多家，全省十一个地市的培训机构能达到上万家。而由于行业快速发展与相关法律法规不健全等矛盾，导致目前社会音乐教育产业的现状仍存在一定的问题亟待解决。
二、河北省社会音乐教育发展中存在的问题。
社会音乐教育发展追求功利性。与学校音乐教育相比，社会音乐教育存在着开放性、自发性、功利性等特点，总体上不存在具体的限制和约束，其发展主要随着社会的发展需求而改变，而接受教育的个体或群体也多以自发的方式参与其中，在实现了教育功能之外还会产生其他功利行为和结果。高考的指挥棒音乐仍在弱势地位，只是用于提高素质教育的一个重要手段，因此客观上造成了“音乐可有可无”的事实，少数音乐特长生也基本上抱着“加分”的功利思想学习音乐，难以起到音乐教育的真正作用。我国的社会音乐教育从根本上缺少教育理念的支持，所遵循的是社会市场运行规律，教育本身的质量、规律被市场的经济规律所取代，音乐考级现象便是如此。河北省音乐考级现象普遍，主办业余音乐考级的经济效益可观，多家单位机构争办，致使考级水平有所折扣。学生家长让孩子学习社会音乐教育的目的不纯，认为考级可以证明孩子的实力，成为炫耀的资本，从而失去了其本身学习的意义。
2.缺乏师资保障。社会音乐教育行业中缺乏本行业内的教师资格认证制度，导致社会音乐教师的素质无法得到保障，整个社会音乐教育行业没有统一的聘用标准，使音乐教师的选择和录用成为了社会音乐教育机构的个人行为，造成了社会音乐教育师资良莠不齐的局面。社会音乐教育的教师团队应该由专业音乐人才构成，据调查河北省社会音乐教育的师资大概由以下几个层次构成：高校从事音乐教育专业的教师，社会音乐团体的演员，音乐专业在校本科生（因授课能力要求各音乐教育机构多招收三年级以上学生）、研究生，学习音乐的爱好者等等，教师的教学能力、教学水平、教学经验良莠不齐。因此当出现教学问题的时候，学员对于部分教师的教学评价产生不满，甚至对音乐教育机构也产生质疑。
3.社会音乐教育的对象比例失衡。社会音乐教育面对全民、全年龄段的终身性教育，是基于学生兴趣或某种明确目的的自由选择的教育，也是形式具有较大灵活性、内容比较丰富多样化的教育，更注重实践过程，教学过程没有过多的强制性，具有短期、速成的特点。但由于市场化的催动，针对于学生的市场远远大于成人音乐教育，一些想要寻求专业音乐培训的成年人也因社会音乐教学机构课程设置年龄针对性较强而不得不放弃。据石家庄教育部门数据统计，河北省省会石家庄有社会大大小小培训机构603家，从事音乐培训的机构将近300多家，但是专门从事关于成人培训的微乎其微，从而导致市场中几乎是儿童、中小学生，要是培训也只是搭车培训，成年人在培训中所占比例数目最小。
4.市场秩序，经营方式存在问题。随着社会经济建设的迅猛发展，音乐文化生活的水平是随着人民物质生活的明显改善而不断的提高，现如今人们对高水平物质文化生活追求的同时，也越来越需要音乐伴随。人们的音乐文化生活已经不再满足于唱唱卡拉ok，而是有了更高的诉求。社会上各类“教唱歌”音乐培训机构的纷纷建立，中等收入阶层的不断扩大，高雅音乐消费群体随之增加的同时，音乐生活也出现了严重的泛娱乐化倾向。当然，造成“泛娱乐化”的原因是复杂多样的，但是，人们音乐审美趣味和鉴赏水平的低下不能不说是“泛娱乐化”能够大行其道的主要原因之一。就像音乐教育家柯达伊说的那样“低俗的艺术趣味是一种真正的精神疾病。它将人的心灵禁锢起来，使之无法接触经典作品及其赋予生命的‘营养’。没有了‘营养’，精神就会萎缩或者阻碍发育，整个性格就会打上怪异的烙印”。近几年有人抓住我省成人音乐教育稀缺的市场契机办起了针对成人的音乐培训机构，具有专业师资，且能力强，本来可以填补整个河北省社会音乐教育机构年龄断层的空白，但终因缺少规范的企业管理、政府引导和支持，致使企业经营不当而倒闭。
5.社会音乐教育评价体系不完整。目前以音乐考级为例，这项业余艺术教育评价体系吸引了上百万的儿童、家长、老师，但目的性各不相同，有的是尊重孩子的兴趣爱好，有的培养孩子的艺术修养，有的为了考学加分，有的是盲目跟从等等。功利性如社会升学或择校压力会导致社会音乐教育中考级现象的攀升；社会就业压力有可能会导致社会音乐教育严重失衡；再如媒体打造的高收入明星，可能会影响一部分人的成长理想和奋斗目标。这些说明社会音乐教育与整个社会动态的趋势和人们对社会音乐教育现象所持有的某种心理倾向性直接相关，与人们对教育发展的观念和基本事实的判断有关。因此社会群体对社会音乐评价体系的判断是缺乏理性认识的。
三、河北省社会音乐教育发展的对策与建议。
基于对河北省社会音乐教育发展现状的分析，为了更有效地发展社会音乐教育，规范社会音乐教育机构，拓宽社会音乐教育普及层面，笔者提出几点促进社会音乐教育发展的建议。
社会音乐教育的社区化发展。社区是社会音乐教育发展的主要阵地，社区音乐教育要实现健康有序、可持续的发展，必须走公益性与经营性相结合的发展道路。既要靠政府的支持也要靠社会力量积极筹办，无论从教育还是音乐活动都是提高和推动音乐教育的一个重要的载体，由于人群结构复杂，加之群众歌咏运动的传统性，大多形式都是以合唱歌咏活动为主，面对青少年儿童、中青年群体还需要进一步的开发和推进。一些现有的社区音乐教育可由社会音乐教育机构介入，提供专业的师资，并可增设器乐、舞蹈等技能培训课程，同时可进行音乐欣赏、基础乐理、视唱练耳等理论课程的教学。在普及音乐教育的同时，也会吸引有专业学习意向的学员到该机构进行系统学习和提高，既达到了普及的目的又能够对机构本身做宣传推广，达到吸引学员提高效益的目的。对于解决老龄社会问题、家长只陪孩子进行社会音乐教育培训的现象、残障人士以及边缘人群等弱势群体受教育平等的问题都具有一定现实意义。
2.加强高校与社会音乐教育的互动。我省社会音乐教育健康发展，需要有正确的音乐教育观念为指导，需要规范科学的组织管理为依托，而高校积极进行教学转型能够输送既有音乐专业技能又熟知市场管理与运作的专业音乐管理人才，因此加强高校与社会音乐教育的互动是今后促进社会音乐教育发展的重要途径之一。高校应结合当前国家就业趋势，本着以适应社会发展需求为目的的人才培养目标，以社会音乐教育这个朝阳产业为拓宽就业面的一个方向，对学校进行教学转型改革。社会音乐教育产业发展中需要符合社会音乐教育水平并以此为职业的专业人才，高校可针对该市场要求增设相关选修课程，并积极与社会音乐教育机构建立起实践实习基地，高校为社会音乐教育服务，社会音乐教育助推高校音乐教育发展，互利共赢。
3.规范社会音乐教育教学体系。社会音乐教育在教育场所、教材使用、师资配备等方面相对灵活。教育场所多样，教材大多使用考级要求教材，教师配备从名家大师、演职人员再到兼职教师、音乐系高等专业学生等等。以政府行政管理者、专业音乐教育者与社会音乐教育工作者为主体，根据国家提高全民素质的相关政策，遵循音乐教育规律，结合市场现状，共同研发针对社会音乐教育的系统性、规范性的教学体系。尽量挖掘其科学性、实用性和趣味性的内涵。社会音乐教育机构不具备对整体社会音乐教育从业教师统一培训的能力，因此需要政府相关部门制定有关政策，对社会音乐教育的从教资格认证有所规范。以教育厅为主办单位，某高校为承办单位，进行社会音乐教育教师资格培训，让大学成为社教的指导中心、交流中心、信息中心、培训中心和研究中心。
4.利用互联网打造行业知名品牌。信息时代利用互联网等现代信息教育技术来推动我省社会音乐教育发展，已成为一种必要的方式。中国社区音乐教育网站已建立开通，并推出一系列优秀栏目，为全国社区音乐教育构建了广阔的平台。针对我省的社会音乐教育现状，各社会音乐教育机构应整合资源，共同建立起一个针对社会音乐教育的网络平台，推出社会音乐展演展播活动，音乐普及网络课程，各大社会音乐赛事组织活动等等，大大活跃社会音乐教育氛围，对音乐普及能够起到积极的效果。
5.进一步加强政府的支持与投入力度。社会音乐教育要获得纵深发展，离不开政府的支持与投入。新时期加大政府支持及投入的力度，对于社会音乐教育产业的发展起着至关重要的作用。政府在政策制定、财政拨款、激励措施以及后续安置等方面应有明确导向。对以上几点建议中提到的部分，政府出台的相关政策导向可有所倾向，鼓励社会音乐教育社区化，在资金方面可适当给予补贴；教育部门可经过竞争选拔，选择出最有能力与社会音乐教育机构合作的高校，进行师资培训；政府主导，集合权威专业音乐教育者与业内人士，根据国内外社会音乐教育发展现状，结合我省实际情况，研究制定社会音乐教育产业发展的体系；整合资源，鼓励搭建社会音乐普及的网络平台。总之，以社会音乐文化教育产业的发展促进全民音乐教育的发展和音乐文化的进步，是本课题研究的最终目的，健全完善社会音乐教育的体系与机制，全面推进我省社会音乐教育产业的发展，不断深入终身教育的进程，提升我省综合实力，提高全民音乐素质和文化素质，提升社会的整体素质。
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音乐
美育是学校教育的重要组成部分。20xx年开始实施的《学校艺术教育规程》明确指出，普通高等学校应当开设艺术类必修课或者选修课。20xx年3月教育部印发《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》，把音乐鉴赏、舞蹈鉴赏等课程作为艺术限定性选修课，大学音乐鉴赏、舞蹈鉴赏由此上升到一定地位。在实际工作中，普通高校及高职院校普遍开设了音乐鉴赏等课程，掀起了普通高校艺术教育的热潮。然而在特殊教育高职院校，艺术教育仍处于起步阶段，对于艺术教育的重要性仍然认识不足。在课程设置上中小学阶段普遍设有律动、音乐等课程，到了高职阶段相关课程的开设几乎为零。
因此，要构建特殊教育职业院校残疾学生音乐舞蹈文化，首先需要职业院校对此有足够的重视，严格执行国家相关教育政策，将残疾学生音乐舞蹈教育纳入到课程建设中，才能让音乐舞蹈走进课堂，让残疾学生吸取其中的养分,提高残疾学生的审美能力。
(二）立足残疾学生类别、心理特点及所学专业，制定教学大纲，确定教学内容。
面向残疾学生的音乐舞蹈教育，应该最大限度地满足特殊人群的教育需要，通过歌唱、欣赏、律动、舞蹈等教学活动，培养学生听觉、节奏感和音乐感受能力，提高音乐审美能力，培养学生对生活的乐观态度,促进学生身心和谐发展。
特殊教育职业院校应根据本校实际情况、学生的残疾类别与心理特点等确定教学内容。比如听障生在中小学阶段大多学习过律动课程内容，随着年龄的增长，他们会更偏向理论知识的学习’因此可以开设“舞蹈鉴赏”课;根据盲生所学专业（如康复治疗、推拿）的特点，可以开设“音乐欣赏”课,把中国古典音乐融人到中医推拿中，课堂上从学生熟悉的古典音乐作品导入，将音乐欣赏与专业实践相结合，培养其对古典文化及中医文化的认同感。
(三）提高音乐舞蹈类课程授课教师的业务能力。
课堂教学内容的选择是否合理，能否取得良好的效果、达到预期的目标,授课教师起着关键性作用。提高音乐舞蹈类课程授课教师的业务能力，是加强课程建设、完善课堂教学的重要条件。
音乐舞蹈类课程的教师应了解各类别残疾学生的心理特点、需求，选择合适的教学内容，采取特殊的教育教学手段，做到因材施教。如听觉缺陷导致听障生的动作不够灵敏、协调，缺乏节奏感，因此在听障生舞蹈训练中，除了节奏感训练，还应包括舞蹈姿态及情绪感觉的表达。教师应加大模仿训练、基本功练习以及舞蹈意识和气息的培养，帮助学生理解舞蹈的内在情感。而盲生往往内心敏感、脆弱，遇到阻力时缺乏克服困难、迎难而上的勇气，教师可在教学中选择一些积极向上的音乐作品，培养他们乐观、向上的精神。
校园文化是由学生和教师共同创造的。音乐在青年的道德观念和健全心理人格教育中有着非常重要的作用，特殊教育职业院校校园文化中的音乐舞蹈教育就是以自然的、艺术的美感把音乐舞蹈教育渗透到残疾学生生活中去，引导残疾学生了解美、懂得美、珍爱美、爱真美。
(一）营造良好的音乐舞蹈文化氛围，让残疾学生在潜移默化中接受教育。
1.利用校园广播向残疾学生传递音乐舞蹈文化知识，定期开设音乐欣赏等栏目，让残疾学生在茶余饭后听着广播学会欣赏美、发现美，通过音乐作品培养残疾学生积极向上、乐观开朗的精神风貌。同时为盲生和肢残学生开辟“我是歌手”栏目，让他们走进广播室，将美妙的歌声传遍整个校园，培养他们的自信心和实现自我价值的成就感，排解他们的一些不良情绪。
2.利用宣传橱窗开设音乐舞蹈专栏，普及相关的音乐舞蹈文化知识。在专栏的内容方面，可选择残疾学生感兴趣、有一定教育意义的内容，比如有关残疾人艺术的发展以及相关演出，身边参加中国残疾人艺术团、省残疾人艺术团的同学及其相关作品的介绍。这样，可以更好地培养残疾学生自立、自强的精神风貌。
3.利用校园走廊悬挂一些音乐舞蹈名家的图片，尤其是一些跟残疾学生有着同样经历与背景的残疾人名家，更能引起残疾学生的共鸣，比如贝多芬、阿炳、邰丽华等，让这些名人成为他们学习的榜样。
4.结合学生残疾类别的不同，定期邀请相关的专业教师开设不同的音乐舞蹈类讲座，比如对聋生开设以视觉效果为主的舞蹈作品欣赏等相关讲座，对盲生则开设以听觉效果为主的音乐欣赏等相关讲座。
5.利用高雅艺术进校园文化活动，选择适合残疾学生欣赏的音乐舞蹈类节目，让残疾学生感受音乐舞蹈的特殊魅力,让他们在欣赏过程中愉悦身心、开阔视野、增长知识。
(二）创设良好的音乐舞蹈实践平台，让残疾学生在载歌载舞中获得技能。
1.利用我国传统节日以及校园文化艺术节、文艺汇演等活动，让残疾学生有机会展示自己的音乐舞蹈才能。音乐是一种极具渗透性的力量，对残疾大学生人格的影响是渐进的、长远的。残疾学生在积极投入排演的过程中也得到了自我磨练与自我实现。
2.利用学校各类文艺社团，为残疾学生创设在课余与同龄人互动和交流的机会，比如定期的合唱社训练、舞蹈社排练，各类音乐、舞蹈沙龙等。在长期的熏陶中，音乐舞蹈教育自然而然地融人到特殊教育职业院校校园文化活动中，提升校园文化质量和格调的同时，也促进了残疾大学生与人沟通、交往能力的发展。
3.利用各类校外联谊的机会，让残疾学生走出校园，走进普通大学校园，融人社会，与健全学生交流与分享音乐舞蹈的魅力。在这个过程中，提升残疾学生的音乐舞蹈技能，同时也让健全人感受特殊的艺术，弘扬特殊教育职业院校多姿多彩的校园文化和残疾学生积极进取的精神。
4.成立残疾人艺术团，创建特殊教育职业院校音乐舞蹈文化品牌。特殊教育院校中有音乐舞蹈才能的残疾学生很多，如聋生的模仿能力强、舞蹈表现力强，盲生音乐感受力强、听觉灵敏。成立校残疾人艺术团，不仅为残疾大学生提供展现才艺的舞台，同时也丰富了学校文化。
(三）完善制度建设，实现第二课堂与第一课堂的有机结合。
领导重视、各部门配合、全校师生积极参与，才能让音乐舞蹈文化教育在校园文化建设中发挥重要作用。首先,要适时调整音乐舞蹈艺术教育实践的内容和形式，提升校园文化层次和方向。其次，完善各类制度，如《学生社团管理制度》《学生第二课堂管理办法》等，规范校园文化中音乐舞蹈文化教育的有序发展，使得校园文化既能深受广大师生的喜爱，同时也不失品位及艺术格调。第三，各部门通力合作，在校园文化的大背景下不断探索新的音乐舞蹈教育实践形式，创造音乐舞蹈教育实践机会。
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苗族是我国人口较多的少数民族之一.贵州省的苗族人口最多，有4299954人，占全国苗族人口将近一半（48.1%）.苗族的历史十分悠远，多数研究者认为，以蚩尤为首的“九黎”部落联盟是可考的苗族最早的文化源头，也有学者认为苗族族源只能上溯到三苗.
苗族自古能歌善舞，苗乡素有“诗海歌洋”之称.这里有丰富多彩的民族节日和多姿多彩的民族风情，为苗族音乐提供了肥沃的土壤.苗族的隆重节日，有苗年、吃新节、芦笙节、姊妹节、四月八、六月六、牯脏节等等.任何节日苗族青年男女都积极参与，因为节日不仅仅是祭祀祖先、联系生产，这种节日聚会也为他们提供了对歌的好机会、大舞台.节日时，人们几乎都可看到苗族青年男女成双结队唱情歌、谈情说爱的情景.苗族自古就有“歌场定终身”的习俗，即青年男女以歌言情，以歌择偶.《夜郎史传》的《夜郎君法规》第九条规定：“四方的民众，所有的臣民，男女婚姻事，不准硬逼，男女相慕爱，歌唱定终身.”在苗族，许多村寨都辟有专供青年对唱情歌的场地，即游方场，游方歌是苗族情歌的专称.
二、游方。
由于贵州苗族多聚族而居，同寨同姓，苗族有同姓同宗不婚的习俗，严禁在寨内求偶.因此未婚男青年，唱着游方歌，到邻寨或更远的地方寻偶，也就是俗称的“游方”，苗语的游即串，方即通婚的寨子.游方活动多在节日或农闲时进行，地点多在专为青年男女交际而设的“游方坪”（位于寨子附近的空地，有的设在山坡，又叫“游方坡”）.由于各地文化习惯的差异，产生各种不同的称谓和方式，湘西和贵州松桃一带叫“野外情歌”，黔中南一带叫“坐花坡”，贵州榕江、从江和广西大苗山一带叫“坐姑娘”，贵州西北部地区叫“走月亮”，还有的地方叫“情歌”或“玩表”与“采花”.
历史上有关于苗族游方的记载，如《苗俗纪文》：“男子壮而无室者，”“悉登山四望，吹树叶作呦呦声，未字之女群从之.”《永绥厅志·苗恫篇》记载：苗族男女青年谈恋爱时，“男女邀约于野，以歌传意，父兄知而不禁”.《黄平州志》上曾有这样的记载：……吹笙间以山歌，木叶两相色引于深沟密菁，促膝私语，谓之“摇阿妹”，又谓“摇马郎”.“揺阿妹”、“揺马郎”即游方.
三、游方歌的内容。
游方以对歌贯穿始终，一对青年男女从认识到结合，一般要经过集体对唱和单独接触的两个阶段.从素不相识到相互熟悉，渐至情深，都是通过对歌形成的.这种歌的顺序一般为见面歌、青春歌、赞美歌、求爱歌、相爱歌、分别歌.后生们先唱《邀妹歌》；应邀前来的姑娘们则以询问后生的来意、住址、姓名起头，回唱《见面歌》；然后是男赞女谦的《赞美歌》；接下来双方便开始唱《初相会》、《热恋歌》等，进入实质性的情歌对唱.对歌经常是通宵达旦，直到“阵阵鸡叫催别离”才依依惜别.
1.初会歌：包括问答歌、见面歌、约会歌等.这是青年男女初次相会时所唱的歌.由于歌唱者双方都还陌生，歌词一般比较委婉，饶有风趣，显出了那种曲折、羞怯的思想感情.
2.赞美歌：是青年男女双方在品貌和性格方面产生好感而互相赞美的歌.如赞美对方长得美丽或英俊，唱歌唱得好，聪明灵巧等.如《你的歌声映进我心窝》、《你的衣服映在我眼里》.
3.求爱歌：男女双方在互相爱慕，心心相印，即将成对时唱的的歌.如《两人唱到月亮落》.
4.盟誓歌：到双方情谊更深的时候，一日不见，如隔三秋，心中深情，难以言表，于是就要唱盟誓歌，以表心迹.如《两心相结，万年不离》.
5.送别歌：送别歌是歌唱男女聚会又分离时依依不舍之情的歌.这类歌情深意切，柔肠百转，催人泪下.如《清清的河水流走了》、《你的情意留在我心里》.
四、游方歌的音乐特点。
1.曲式结构。
游方歌中，比较简单的是一段体曲式，即一句乐曲作无限反复，只在结束时才加上一至二小节用衬词唱的尾声收尾的曲式.如下例《晚上想的多》：
2.曲调特点。
游方歌的曲调低回婉转，深情动人，其音乐风格与本地区的飞歌有密切联系.尤其唱法上独具特点.在多数地区男女都用假声的细声唱法.演唱时音量由弱到强，歌词语调、声腔因以感情的需要会发生的一些变化，从而引起音律的浮动以及细微的装饰、连续的下滑音等等，形成了游方歌的特有的风格.
3.织体结构。
游方歌，大部分都是单声部的男女对唱形式，近年来在黔西北的纳雍、大方、黔西、织金，黔西南的普定和黔东南的台江都发现有多声重唱形式.这种多声形式一般有两部分：第一部分是由男声或女声演唱的单声部分，即引子；第二部分是男女重唱部分，一般是由男女声起声不同步、自由模仿或是节奏对比而形成的，它的特点是衬腔式的多声形态.如下例：
参考文献：
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[3]兰水.苗族“游方”歌选[j].贵阳：贵州人民出版社，1957.
音乐
在世界音乐的课堂上讲授地理、民俗等其他知识点时，总有学生怀着质疑的目光问“这是音乐课的内容吗？”好像脱离了音乐本体，脱离了和声曲式的音乐，那还是音乐吗？从世界音乐的许多教材和专著上都或多或少有关于自然环境、历史渊源的章节，然而对其与音乐的关系、渊源的讲解并不多见，其实每一个事物之间的关联都是一张网，互相制约与影响，在世界音乐的课堂上，我建议应加强对以下几个知识点的讲授：
一、加强对自然地理、生存环境的了解。
有关世界音乐的绝大多数专著、教材中，自然、地理知识总是没由来地独成一章，与后面的民族音乐的章节略显脱节。然而事实上，自然环境是人类赖以生存的客观基础，影响着人们的日常生活、娱乐审美等，甚至是绘画、音乐等。尤其是在各民族传统的乐器中，常常可以看到其材质、音响效果与当地风土人情、自然结构的密切关系。例如：在东南亚等气候湿润的适合竹子生长的环境中，当地人民往往就地取材，利用竹子制作出大量的生活用品，甚至是乐器，如流行于东南亚地区的一种摇奏和击奏乐器——安格隆。所以，在世界音乐的课堂上，除了对音乐本体的介绍之外，我们还应介绍当地自然环境对人们性格的塑造，对文化的形成，以及对音乐种类产生的影响，甚至是对音乐审美追求的影响。自然环境不能仅仅作为一个独立的章节，这样既脱离了世界音乐教学的主旨，学生也不容易在这个部分找到认同感，所以此章节其实是非常重要的一环，也是其他音乐学科所匮乏的一面，将整个文化连接起来，让学生对文化的整体把握，更有利于学生的世界音乐学习。
二、加强对建筑史、美术史的了解。
学习音乐专业的学生，应该认识到美术、建筑等艺术文化对音乐的影响。音乐的风格往往不是跳脱于当地的美术、建筑等艺术特征，而是相互影响，如我们所熟知的巴洛克音乐，“巴洛克”一词的原意是指形状不规则的珍珠，是指一种艺术形式，这种艺术风格盛行后，被人称之为巴洛克时期，而这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。“巴洛克”一词最早用于建筑艺术中，批评建筑师把更适用于金盒子和餐具等小物品的装饰用到大型的建筑装饰中。建筑风格特点是规模宏大，大量采用圆柱、圆顶和大量精细甚至奢侈的装饰。巴洛克风格不仅影响了美术而且还影响很多其他的艺术领域，音乐大致承袭了同时期其他的艺术风格，也富有华丽、装饰、壮观等倾向。是来自于建筑，建筑中的雕刻等绘画又常常有乐器的身影，在世界音乐的课堂上，老师应该作为一名引路人，带领学生去探索这条未知的且充满情趣的道路，而不是像导游一样，带着学生走马观花，掠光浮影。世界音乐与各类艺术的丰富内容，应该被进一步地探索发现。
三、加强对历史、战争的了解。
为什么对于学音乐的同学，历史、战争等相关知识也应该有所了解呢，我认为，只有对此民族的前世今生有所认知，你才会明白为什么他的音乐呈现如此的样子。比如北美音乐中的爵士、蓝调，拉丁美洲的雷鬼音乐等，随着流行音乐的大兴旗鼓而被全世界的年轻人推崇，事实上，这些音乐的来源都离不开被当做奴隶贩卖到美洲的非洲黑人，例如：蓝调（blues）就是由美国黑人创造逐渐发展起来的，众所周知，美国黑人的先人都是从非洲贩来的黑奴，从登上美洲大陆伊始，就一直用血和泪书写着黑人的苦难史，直到现在，黑人的饱受歧视、贫苦不堪的命运依然没有结束，一直以来，他们用歌声来倾诉心灵的创伤，听来非常忧愁哀怨，与英语中“blues”（蓝色）一词所带来的“忧郁”情感基调相符合。这样的历史是许多同学没有学习或了解到的内容，增加这个部分的了解后，才能使学生深刻地感受到音乐背后的意义，体会不同音乐所带来的情感体验。才能加深对各民族音乐文化的理解。
四、加强对礼仪、风俗的了解。
各国的不同礼仪风俗除了对人们日常生活产生影响，也影响了对音乐、乐器的产生和使用。一如在东南亚的代表性音乐形式“甘美兰”，单看乐器种类不算丰富，材质也大多是铜质、竹质的打击乐，但其在东南亚最初的使用场合多用于宗教仪式和各种庆典，如巴厘岛的甘美兰乐队常用来作为进场曲和散场曲使用，乐曲亦被视为神圣的，能够赶走邪灵，所以这些乐器被认为是有灵性的、有神明附着在此，人们不可跨越乐器，如果不尊重乐器，也就意味着对神灵的亵渎。所以在教学过程中，不可忽视的是对东南亚宗教信仰、民风民俗、礼仪规范的了解，理解音乐本体之外，也需要让学生明白这种音乐类型的文化背景。才能充分理解和尊重各民族、各国家的文化与音乐。
参考文献：
[1]王耀华,王洲编著.世界民族音乐[m].人民教育出版社,20xx.
音乐
音乐是一门以审美为核心的情感艺术，音乐教育实际上是为了使学生充分地体验蕴涵于音乐形式中的美和丰富的情感。通过近年来教学改革的初步试验，我以为在音乐课堂中推行探究学习能最为充分有效地激活学生的学习兴趣，引导学生进行“自主”学习。下面我想就“音乐课堂中的探究学习”谈谈自己的看法。
所谓探究学习即从学科领域或现实社会中选择和确定研究主题，在教学中，创设一种类似于学术研究的情境，通过学生实验、操作、调查搜集与处理信息表达与交流等探究活动自主、独立地发现问题，获得知识、技能、情感与态度的发展，特别是探索精神和创新能力与发展的学习方式和过程。[1]从这个定义我们可知，探究的主题既可以以学科领域的，也可以是社会生活中的，它最根本的特点是学生自主、独立地发现问题，其目标不仅仅是知识与技能、情感与态度的发展，更重要的是探索精神和创新能力的发展；探究既是一种学习方式，也是一个学习过程。问题性、实践性、参与性和开放性是探究学习的本质特征。经历探究过程，获得深层次的情感体验，建构知识，掌握解决问题的方法是探究性学习的三个目标。
在课堂教学中实施探究学习必须具备以下条件：
1要有探究的欲望。
探究就是探讨研究，探究是一种需要，探究欲实际上就是求知欲。探究是一种内在的东西，它解决的是“想不想”探究的问题。在课堂教学中，教师一个十分重要的任务就是培养和激发学生的探究欲望，使其经常处于一种探究的冲劲之中。
试验教材七年级上册第五单元《班级演唱组合》是一个演唱活动单元。在学唱歌曲、介绍“演唱组合”这一形式的特点之后，我要求学生以小组为单位选一首歌曲进行组合演唱的排练。这是一个表现空间很大的学习任务，表演形式多样性给学生提供了一个表现和创造的好机会。任务布置下去后，同学们的学习热情非常高涨，大家纷纷为自己的小组出谋划策。在这个过程中，从学生自己想办法到方案的讨论，意见的综合，再到方案的统一，直至最后共同完成表演，每一个学生都积极地承担并完成了这个共同学习任务中的个人责任，在这个过程中他们学会了与自己的组员沟通，建立起了组员之间的相互信任，有效地解决了小组内的冲突，为学生人格的自我完善提供了一个良好的实践过程。这样激发学生的探究欲望，于是就有了探究的过程，在过程中，培养了学生这种探索的情感。
2探究要有问题空间。
不是什么事情，什么问题都需要探究的。对于初中生来说唱支歌这是无需探究的。问题空间有多大，探究的空间就有多大。七年级上册第四单元《流动的音符》是一节以创作为主的综合课。意欲改变教师为中心的课堂教学模式，充分调动学生主动参与的积极性，引导学生去发现问题，探讨问题，从而培养他们解决问题的能力。我的新课教学是这样的，同学们平时唱过很多歌，也听过不少乐曲，音乐对我们来说并不陌生，也许是音乐世界的色彩斑斓，所以给人一种神秘的感觉，其实啊！在音乐的大家庭里，只有七个成员。它们分别叫什么呢？出示音符1234567，这七个成员就像童话中七个神秘的小矮人，七个小矮人生来就是我们的好朋友，每一个人都可以任意调遣它们。让我们一起来摆弄这些小矮人吧，将学生分成四大组，每一组发一张老师已写好四小节节奏的纸板和铅笔，让学生在下面写谱。并采用每组计分的形式提高学生积极参与的兴趣。2/4xx|xxx|xxx|x—||每组学生哼唱自己的曲谱，老师以鼓励为主肯定学生的创作，稍提些建议。非常不错，同学们很快就学会填写音符。但你们发现没有，有的小组旋律高低音符没有组合好，听起来并不好听。怎样组合音符音乐才能好听呢？这中间是不是有规律性呢？好，就让我们先来学唱几首劳动人民生活中产生的民歌吧！《信天游》、《小白菜》、《嘎达梅林》等。通过了解民歌，我们已经明白歌曲的创作是有一定规律的。让我们模仿民歌“同头换尾”的组合规则，进行创作吧。（准备4条不同的旋律，分别让学生在纸板上填写出四个小节音符，并唱出），学生学的特带劲。
前苏联教育家维果茨基在谈到教学和发展的关系时，提出了“最近发展区”的理论。他认为儿童有两种水平，一种是儿童现实所实际具有的水平，叫现实水平；一种是在教师引导下儿童所达到的水平，是潜在水平。在儿童的现实水平与潜在水平之间存在一定的空间，这个空间就是“最近发展区”。我们形象地把它称为是“跳一跳，摘桃子”。这个桃子不是伸手可得，需要跳起来才能摘到手，但又不是怎么跳也够不到。教师在设计问题时，一定要把问题落在学生的“最近发展区”，这样的问题是最具探究价值的。太难或太易都没有探究价值。我想七年级音乐第四单元《流动的音符》创作课就是学生的“最近发展区”吧！
3要有充分的自主学习的时间。
在课堂教学中，时间是最重要的学习资源。一个教师对时间如何分配，直接反映这个教师的教学观。探究的问题性、实践性、参与性和开放性决定了探究学习必须有充分的自主学习时间，否则就是一句空话。苏霍姆林斯基曾说过，自由支配时间是学生个性发展的必要条件，同样也是探究的必要条件。在旧的教学模式中，教师是课堂的主宰者，学生是被动的接受者，这种“以课堂为中心，以教师为中心”做法忽视了学生创新精神和实践能力的培养，于是教师常感叹学生呆，课难教，学生常抱怨负担重，没兴趣，难学。可见学习方式是影响学生学习效果的重要因素。学习应该是多样的、有趣的、富于探索性的。使学生由被动的接受者变成积极的探究者。
4要有多维互动的交流空间。
学生深层次的认知发展既需要独立思考，更需要合作交流。建构主义把协作交流作为学生的基本要求之一。因为，从理论上讲学生之间都存在着个体差异，这种差异就是一种宝贵的学习资源，学生的思维彼此之间就是最近发展区。如果我们的课堂一直是“一言堂”，“满堂灌”，还有什么探究可言。“探究学习”是通过学生自主、独立地发现问题，并进行一系列的实验、操作、资料搜集等探索活动，获得知识技能、情感有态度的发展，特别是探索精神和创新能力的发展的学习方式。人们常说：“兴趣是最好的老师”，音乐课堂中的合作学习能唤起学习音乐的热情，并树立起终身学习音乐的愿望，以此为前提对学生进行“自主”和“探究”学习的引导也就成了可能。
5反思探究的过程让学生体验到成功。
学生在探究的过程中，无论是成功还是失败，都会有自己的体验，这种体验是别人无法代替的，学生在体验中的感受，就会增强学生探究的兴趣，从而形成一种探究的思考方式，能有效的培养学生的创新精神和创新能力，让学生在探究中热爱音乐，学好音乐。在上《中国民歌》这一课，我们给学生讲到中国的民歌从内容上可分为劳动号子，山歌和小调，而山歌在不同的地方有不同的名称。然后我们把“了解中国山歌”作为一个学习任务布置给同学们，要求他们以小组为单位搜集有关山歌的各种资料，在下一课时进行展示。在资料搜集的过程中，同学们成为了学习的小主人，通过各种不同的途径积极地寻找问题的答案。他们不但能知道山歌在陕北叫“信天游”，在青海叫“花儿”，在内蒙古叫“爬山调”，还能了解有关山歌的一些有趣的知识，自己学唱其中的一些歌曲。这种学习方式无形中引导了学生进行“自主”和“探究”学习，而后将“自主”和“探究”的成果回归到“合作学习中”，又进一步培养了他们的竞争意识和集体荣誉感。如果这些内容由老师作为知识在课堂上来讲授，那么同学们将永远也无法从中体会那种自己寻找的问题答案的快乐感和成就感。学生的探究反思是把学生在探究中的体验上升到理性，让学生在探究中的体验变成学习的动力，成为一种思考习惯和生活方式。
综上，我们说的自主学习，合作学习与探究学习三种学习方式，其实，学习方式是一个组合概念。这三种学习方式之间既相互独立，又相互影响，在目前的课堂教学中真正自主的探究学习还是较少的，这需要一个过程。同时探究学习既可能是个体探究，也可能是合作探究。由此可见真正有效的学习方式应该是这三种学习方式的恰当组合，至于如何组合则要依据教学目标和学生实际。
参考文献。
[1]钟启泉，崔允漷，张华主编。《为了中华民族的复兴，为了每个学生的发展》。
音乐
听着曲子《星空的旋律》，竟情不自禁地打起节拍来，优美的旋律、缓慢的节拍，体现了一种宁静的气氛。沉迷于网络的我，不由自主的按下“文件”中的.“另存为”，急切地想把它下载到3、5软盘（a：）中。
这就是音乐的魅力吗？
小时候，听过不少世界名曲，年幼的我，竟也听得如痴如醉，慢慢地爱上了听名曲。
能够使我静下心来的，也只有音乐了……。
不久前，又听到了一首《美少女战士》插曲，喜上眉梢，忙提着录音机把它录了下来，结果曲子到是录下来了，录音机却因为我的错误操作“报废”了，弄得我被父母一顿臭骂。
“录音机事件”闹得满城风风雨雨，爸妈索性把我录下来的东西统统送人，气得我一连三天脸上都是阴天。
音乐采风课程心得体会
音乐采风课程是学校为了拓宽学生音乐视野，提高音乐素养所开设的一门课程。本人在参与音乐采风课程后深有感触，获益良多。在这门课程中，我不仅收获了丰富的音乐知识和技能，更重要的是培养了我对音乐的热爱和追寻音乐之美的品质。以下是我对这门课程的五段式心得体会。
首先，音乐采风课程为我带来了广阔的音乐视野。在这门课程中，我有幸能够聆听到来自不同地区、不同风格的音乐作品。我了解到不同地域的音乐具有独特的风格特点，比如西方的古典音乐以其深沉庄重而著名，而亚洲地区的音乐则以其细腻柔和而备受世界瞩目。通过参观音乐厅、音乐会和民族乐器展示等活动，我了解到音乐是一个世界性的语言，能够跨越国界和民族，传达人们的情感和思想。这些丰富多样的音乐作品给我打开了一扇通往音乐世界的大门。
其次，音乐采风课程提高了我的音乐素养。在这门课程中，我除了学习了一些基本的乐理知识外，更重要的是学会欣赏音乐。通过常去音乐厅举办的音乐会，我学会了鉴赏音乐，提高了我的感知能力。尤其是在一次观看交响乐团表演时，我被指挥家用手中的魔杖舞动，一时间我仿佛进入了音乐的海洋，感受到了音乐所带来的巨大能量。同时，我也加入了学校合唱团，通过合唱的训练，我的嗓音变得更加纯净，对音乐的理解也更加深入。这门课程培养了我对音乐的热爱，并提高了我的音乐水平。
再次,音乐采风课程激发了我对音乐创作的兴趣。在课程中，我们不仅能够欣赏到各种音乐作品，还有机会亲自动手创作。一次课程中，我们分组合作，共同创作了一首原创歌曲。在过程中，我们提出了各种音乐创作的想法，进行了多次试听和修改，最终完成了这首名为《音乐之梦》的歌曲。这是一次难忘的经历，让我深切感受到音乐创作的乐趣和挑战性。我发现音乐创作不仅需要灵感和创意，更需要耐心和团队合作。这次创作经历激发了我对音乐创作的兴趣，希望将来能够继续探索和尝试。
最后，音乐采风课程让我明白了音乐的美妙之处。音乐不仅仅是一种艺术形式，更是一种心灵的寄托。通过观看音乐会和参与演唱活动，我发现音乐能够给人带来心灵的安宁和慰藉。在繁忙的学习生活中，音乐成了我最好的伴侣。当我沉浸在音乐的海洋中，世界上的烦恼和压力似乎都变得微不足道。我能够感受到音乐所传达出的情感和情绪，这让我非常感动和开心。音乐是一个强大的力量，能够唤醒人们内心深处的情感和激情。
总之，音乐采风课程是我在学校生活中难忘的一部分。通过这门课程，我拓宽了音乐视野，提高了音乐素养，培养了音乐创作兴趣，更重要的是，我明白了音乐的美妙之处。这门课程不仅给了我丰富的知识和技能，更重要的是启发了我对音乐的热爱和追求音乐之美的品质。我相信在以后的学习和生活中，音乐将会一直陪伴着我，成为我人生中最美好的一部分。
广西音乐采风心得体会
作为一位音乐爱好者，我有幸参加了一次广西音乐采风活动。广西是我国的一个多民族地区，自然风光秀美，人民热情好客。而广西的音乐更是独具一格，融合了多种民族的音乐元素，充满不同寻常的魅力。在这次采风活动中，我领略了广西音乐的独特之处，并从中收获了许多心得体会。
第二段：多元文化的融合。
广西是中国的少数民族聚居区，有壮、瑶、苗、侗等多个少数民族。他们各自保留了独特的音乐传统，这些传统在广西这片土地上得以融合，形成了独具特色的广西音乐。在采风活动中，我们获得了一次难得的机会，亲自去走访了一些少数民族聚居的村落。在音乐家的带领下，我们聆听了壮族的大歌、苗族的芦笙、瑶族的锣鼓等。这些音乐充满了激情和民族韵味，让我深深感受到了广西音乐多元文化的融合带来的美妙。
第三段：自然环境的熏陶。
广西的自然环境极其优美，这也为广西音乐的创作提供了灵感。在采风过程中，我们游览了广西的一些著名景点，如桂林的漓江、阳朔的月亮山等。湛蓝的天空，壮丽的山水，仿佛大自然就是最完美的交响曲。在这些迷人的环境中，我们有机会与一些音乐家深入交流，了解他们是如何从自然环境中汲取灵感的。他们告诉我们，广西的山水、传说和风土人情都是他们音乐创作的源泉，这也是广西音乐与众不同之处。
第四段：文化传承和创新。
在广西音乐采风活动中，我们还参观了一些著名的音乐学院和艺术团体。这些机构致力于广西音乐的传承和创新。他们通过培养年轻音乐家，挖掘并改编民间音乐，将广西音乐推向国际舞台。在这些学院和团体的演出中，我们欣赏到了许多精彩的表演，无论是古典音乐还是流行音乐，都充满了广西音乐独有的魅力。这让我意识到，传承和创新是音乐发展的双轮驱动，只有保留传统的基础上进行创新，音乐才能不断进化。
第五段：人文情怀和音乐愿景。
通过这次广西音乐采风活动，我不仅感受到了广西音乐的独特之处，也看到了广西音乐人对于音乐的情怀和追求。他们希望能够通过音乐传递广西的文化和美好，让更多的人了解和喜爱广西音乐。同时，他们也希望与国际音乐界交流合作，将广西音乐推向国际舞台。作为一名音乐爱好者，我对他们的努力和音乐愿景深感钦佩，并希望能够为广西音乐的发展做出自己的贡献。
总结：
广西音乐采风活动是我人生中难忘的经历之一。在这次活动中，我领略到了广西音乐的多元文化融合、自然环境的熏陶、文化传承与创新的重要性，以及音乐人的人文情怀和音乐愿景。这次采风活动不仅拓宽了我的音乐视野，也让我对音乐创作有了更深刻的理解。我相信广西音乐将会在传承中发展，创新中绽放出更加耀眼的光芒。同时，我也希望将来还能有机会继续参与类似的采风活动，以进一步了解和推广中国各地的音乐文化。
音乐采风课程心得体会
作为一名学习音乐的学生，音乐采风课程对我来说是一次难得的学习机会。通过这门课程，我深入音乐的世界，领略到了不同地区、不同民族的音乐风貌，同时也收获了许多感悟和启发。在这篇文章中，我将与大家分享我在音乐采风课程中的所见所闻，并阐述对于音乐的理解与思考。
音乐采风课程是我们音乐专业的一门重要课程，通过实地考察和亲身体验，我们学生可以深入了解各地区的音乐文化，拓宽音乐视野。这门课程抵达的地点多种多样，包括民族村落、艺术殿堂、音乐会场馆等，每个地方都有独特的音乐风格和表达方式。在课程中，我们学生要进行音乐采访、音乐创作、音乐演出等活动，全面感知和体验音乐的内涵与外延。
音乐采风课程不仅丰富了我的音乐见解，还培养了我的音乐素养。通过与音乐活动的亲密接触，我深入了解了不同地区音乐的独特之处。在西南的藏区，我感受到了宏伟壮丽的藏族乐舞，仿佛能听到山清水秀的呼吸声；在东南的红色土地上，我感动于激昂奔放的闽南音乐，仿佛能看到红色革命的岁月；在北方的草原上，我陶醉于草原牧歌中的淳朴优美，仿佛能嗅到风吹草动的气息。这些珍贵的经历让我更加深刻地理解了音乐的包容和丰富性。
音乐采风课程不仅开阔了我的音乐视野，还启发了我的艺术创作。在各个地方的音乐采风中，我跟随着当地的音乐人，学习他们的音乐表达方式。在与他们的交流中，他们独特的艺术思考方式、创作灵感以及对于音乐的理解都给了我很大的启发。他们教会了我如何用音乐语言讲故事，如何通过音乐表达情感，如何借助音乐传递思想。这些经验和启发，对于我个人的创作和表演都产生了积极的影响。
通过音乐采风课程，我更加深刻地认识到音乐的多样性和包容性。世界上有众多的音乐形式和风格，每一种音乐都有其独特的背景和文化内涵。音乐作为人类情感、思想和文化的表达方式，能够跨越地域和民族的界限，让人们相互交流和理解。因此，我们作为音乐人，应该注重音乐的包容性和沟通性，让音乐成为一个传递和连接人们心灵的桥梁。
音乐采风课程给了我很多宝贵的经验和启发，我希望这些经历能进一步激发我对音乐的热爱和创造力。在未来的学习和实践中，我会更加努力地学习和钻研音乐，汲取更多的音乐元素和风格，丰富自己的音乐语言和艺术表达能力。我相信通过不断学习和实践，我可以成为一个更好的音乐人，用自己的音乐传递美好和温暖。
总结：音乐采风课程是一次难得的学习机会，通过课程的亲身体验，我深入了解了不同地区音乐的独特之处，得到了许多艺术创作和音乐理解的启发。这次音乐采风的经历让我更加坚信音乐的多样性和包容性，激发了我对音乐的热爱和创造力。我将继续努力学习和实践，成为一个优秀的音乐人，用音乐传递美好和温暖。
小学音乐论文小学音乐论文课题
[4]张云鹏.浅析乌海市小学音乐教育问题及改善措施[d].内蒙古师范大学2013。
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音乐采风心得体会
音乐是世界上最美妙的语言，不论你身在何处，只要闭上眼睛细心聆听，那些音符便能够将你传送到一个全新的世界。如今，随着交通的发达和信息的大爆炸，我们普遍能够观赏听一些外来的音乐文化，这种现象越来越普遍。更为人们所重视的是，这听觉艺术的旅程也为我们带来了一些其他方面的收获，本文将谈论音乐采风体验的一些感悟和体会。
音乐采风是指通过到其他国家旅游并记录当地的音乐，我们可以看到某些典型的民族特点和表现形式。旅途中，我们通常通过参加流行音乐音乐会，传统音乐表演、当地爵士乐节和全球化音乐节等，来获取尽可能多地掌握当地音乐文化的信息。在旅途中，我参加了一次由当地爵士音乐家所组成的乐团的演出，感受到了音乐激情的感染力，认识了许多对音乐狂热的人。
第三段：文化交流的收获。
通过音乐采风，我们接触到了其他国家的语言和文化，并将自身的音乐文化带到了外国人的生活中去。我曾经把自己编写的一首歌曲分享给当地歌迷，他们对它的热情回应让我惊喜不已。我还跟某些音乐家共同创作了一首歌曲，通过这种方式建立了一个音乐上的桥梁，促进了文化交流。我从中认识了很多有才华、有趣又充满好奇心的音乐爱好者。
第四段：个人成长。
对我而言，音乐采风不仅拓宽了我的音乐文化视野，也能够提高我的音乐表演水平。我曾经尝试演奏其他国家的音乐风格，例如瑞士阿尔卑斯山上的风笛音乐和美国传统音乐等，它们的音乐特点都很独特，使我不得不学习掌握新的技术。在采风中，我也经常尝试着听不同的音乐类型，向其他音乐家提问和交流心得，希望通过学习交流来改善自己的音乐表演技巧。
第五段：总结。
回忆起这些经历，我感到特别幸运和满足。音乐采风能够在观察文化的同时，也让我们加强了对这种语言的理解。在音乐上，它不仅仅是一段旅程，更是探索自己、收获回忆的无穷乐趣。这次经历激发了我对音乐和文化认识的热情，稍后我决定将从我采风所获得的这些文化历史传递给更多的观众，同时也继续在未来的音乐采风之旅中不断前行。
小学音乐论文小学音乐论文课题
摘要：音乐作为小学教育中的一门基础学科，作为提高学生性情、审美、道德的基础学科，有着其他课程替代不了的重要作用。，《全日制义务教育音乐课程标准》（实验稿）的颁布，在教育理念、教学方法、教学内容、目标等方面都给小学音乐教育进行一次理论改革。新课标的实施，不仅要求一线教师具备实施的理论根基，还要依据教学对象的不同，用新颖的、综合的教学方法在课堂细节中循序渐进、有目的地引导学生，达到以“学生为主”的教育理念，这是新时代背景下课标实施的重中之重。
在小学教学内容中，音乐是进行素质教育的一门基础学科，是一门听觉艺术，它借助听觉唤起学生内心思考和灵魂体验，通过很多教学手段，如，打击乐器、肢体律动、戏剧表演等外化为情感表达，以此促进学生有所感、有所现，使他们的身心得以平衡发展。
（一）音乐教学方法的概念内涵。
不同的老师对“音乐教学方法”有各自的理解和解释，但对教学方法的实施意义有着一致性：首先教学方法不能脱离学生，依据“从学生中来，到学生中去”的理念来设计教学；其次，教学方法的支撑和融会贯通的作用，它流动在音乐课程的各个环节，既能服务于教学目标，横向明确目标的方向，又能在纵向丰富教学知识内容。可以说，好的教学方法是课程设置成熟化、人性化、灵活化的关键所在。“在新课标中，小学生音乐的学习被分为两个阶段，一年级到二年级为低龄阶段，三年级到六年级为高龄阶段，他们在年龄上的差距导致了其在认知能力和表达能力上的不同，因此，结合不同阶段小学生在生理上的音乐反应能力和心理的接受程度，在教学活动的安排中应该具有一定的差异性。”并且，音乐的教学活动必须生动。音乐课不是一门以传授知识为主的课程，也不是借用音乐直接进行思想道德、纪律教育的严肃课程，而是依据音乐本质，建立一种活泼的、多元的、开放的、动态的音乐教学形式，来体现科学的音乐精神。所以，教学方法也要依据教学对象一般的生理心理变化、教学内容的不同而变化。音乐课上也应当鼓励学生主动地参与起来，尽情体现音乐的美、抒发自己的感受。
（二）音乐教学方法分类。
国内小学的音乐教学方法有很多种，主要为体验性音乐教学方法、实践性音乐教学方法、语言性音乐教学方法和探究性音乐教学方法四种。体验性包括“欣赏法“”演示法”等，实践性包括“练习法”“律动教学法”“创作教学法”和“游戏教学法”；语言性包括“讲授法“”讨论法”等；探究性主要是以探究、发现为主，创设情境激发学生的学习动机，让学生自觉地、主动地完成学习、获取经验的一种方法。小学音乐课要有效运用教学方法，抓住关键、把握规律、变“静”为“动”，要结合教师的个人特点灵活展开。
二、音乐教学方法的创新。
（一）影响音乐教学法的因素。
首先，课改是音乐教学法改变和发展的直接推动力。课改后，音乐课要求变学生为课堂主体，改变以往教师为主、灌输式的教学方式，要求音乐课程的设置有益于学生身心发展，体现素质教育要求。其次，国家公布的《中长期教育改革和发展规划纲要》中，对于教育的公平和质量提出重要指示。质量问题就是指小学课程能否有完好的质量，采用的教学方法是否有效。“音乐是实践的'、直接的学科，学生要从活动中获得审美体验，但是单纯地让学生听，让学生做，是无法让他们完全理解音乐美的，因此，音乐教学法的选择需要技巧，更有一定的难度。一种教学方法不能贯穿一堂课，更不能完成整个学科的教学内容，如何选择教学方法，在什么情况下选择哪种教学方法并没有一个万能法则，只有靠教师经验的积累来掌握。”教师是教法实施的关键因素。教师在课堂中要选择恰当有效的教学方法来面对全体学生，让学生在教师的引导下参与音乐，成为课堂的主体、学习的主人。
（二）音乐教学法的创新体现。
20世纪以来，各国的音乐教育都发生了巨大的变化，很多优秀的教育理念、教学方法引入中国，对各种优秀教学方法的借鉴极大地推动了我国的音乐教育，至今，还有深刻、广泛的影响。
1.对奥尔夫“原本性音乐教育”的借鉴。
奥尔夫教学法是由德国著名作曲家、音乐教育家奥尔夫本人创立的教育体系，本质是“原本性音乐教育”。它是一种综合的音乐教育，将音乐、语言、动作和舞蹈结合在一起进行音乐教学，通过音乐培养一个感性理性平衡发展的人。就如奥尔夫本人所言，“音乐教育是人的教育，对于一切，我最终关注的不是音乐的，而是精神的探讨。”该教学法参与性强，要求学生在唱、奏、动的过程中感知音乐的乐句、结构、情绪、要素、风格等，学生在教师的引导下真正参与到音乐活动中，符合小学生爱动的生理特征和“做中学”的认知方式，让小学生能够以一种有效的、有趣的手段参与到音乐的感知、体验和表现中来，体现学生为主的教育理念，并让学生在即兴表演过程中激发创造力，从中体验音乐的乐趣。奥尔夫教学法是世界上最有影响力的教学法之一，目前，被我国小学音乐教师广泛借鉴。
2.对达尔克罗兹“体态律动”教学的借鉴。
至今仍被一线教师不断运用的瑞士达尔克罗兹体态律动教学法，是依据学生“爱动“”易动”的天性，让他们在本能的基础上进行的音乐教学。“体态律动”是通过学生的肢体动作进行的音乐教学，内容包括“节奏教学“”视唱练耳”和“即兴”。该教学法不仅丰富教师的课堂手段，重要的是将音乐与学生自身结合，让学生在教师有意义的引导下“体验音乐“”理解音乐”。学生的体态动作和音乐有着紧密关联，通过动作可感知音乐的乐句、节奏、结构、情绪、风格、要素等，这一切来源于人的本身。
参考文献：
［1］郁文武，谢家辛.音乐教育与教学法［m］.北京：高等教育出版社，1991.
［2］尹爱青.小学音乐新课程教学法［m］.长春：东北师范大学出版社，2006.
［3］王英奎主编.音乐新课程教学法（义务教育阶段）［m］.开明出版社，2003.
音乐教育论文中小学音乐教育论文
摘要：音乐课是一门培养学生审美情趣，帮助学生陶冶情操的课程，音乐课的教学在一定程度上能够有效缓解学生的学习压力，帮助学生丰富学习生活，让学生的审美情趣在音乐的陶冶中得以升华，学生与教师的互动是构成音乐课堂的重要因素。本文对初中音乐教学中学生互动意识的培养策略进行了探讨。
关键词：初中音乐教学;互动意识;培养;策略。
音乐教育是初中美育教育的重要途径，初中生处于青春期，渐渐开始产生自己的思想观念，有叛逆心理，音乐教学不仅可以让学生欣赏音乐，感受音乐的魅力，更可以在这一过程中帮助学生树立良好的价值观念，用音乐来引导学生更好的成长，所以音乐课堂的教学质量也是非常重要的，根据初中生的身心发展特点，培养学生的互动意识，可以充分提高音乐课堂教学的效率，在互动中提高学生的感知能力，让音乐课成为有趣的、受欢迎的课程。
1提高课堂趣味，创造互动前提。
受应试教育的影响，学生步入初中之后更是面临中考的压力，在学习上往往一股脑的把劲头都用在主科和自己较薄弱的学科上，而并不注重音乐课，课堂上往往身在曹营心在汉，做其他学科的习题已经是普遍现象，但是音乐课作为美育的重要途径，必须受到学生们的重视，而初中生处于青春期发育阶段，对很多事物是抱有质疑的态度，教师的许多千篇一律的互动并不能引起学生的兴趣，让学生从一开始就失去对于音乐课的兴趣，那么互动就显得更不可能，所以让课堂变得有趣，学生感兴趣了，这才是师生互动的前提。首先，从课堂导入开始就要精心设计，让导入变得生动有趣，比如播放一些当前学生们爱看的电视剧的主题曲，或者从一些有趣的音乐小视频开始，在课堂的一开始就抓住学生的目光，比如在学习有关于和声这一部分的知识时，如果简单的从和声的基础知识开始导入，不免让学生觉得索然无味，教师可以先准备好一首要学习的和声的音频或者视频，让学生先感受到和声的奇妙魅力，问学生觉得和声好不好听，在得到肯定回答之后，询问学生信不信经过这一堂课的学习，班上的同学也可以唱出这样的效果，学生的求知欲被激发，一定很想知道在学习之后大家能不能唱出那样的'效果，并且在接下来的学习中也就会更加投入，教师的互动也就变得轻松容易。在教学的过程中，教师也要注意增强教学趣味，增强老师与同学，同学与同学之间的交流互动，还以上文的和声教学为例，传统的教学就是把学生分为不同的组，一个组学习一个音，最后大家一起和声，这样的教学不免有些呆板，在互动时，学生被分为不同的组之后是会产生一种被需要的感觉，教师可以随机进行组配，比如在大家学习完自己的音之后，开始引导学生，可以第一组和第二组唱，第二组和第四组唱，第三组第四组在唱的时候要求第一组加进来，这样随机的进行演唱一方面增强学生内心的紧迫感，在课堂生集中精神不懈怠，同时完成教师的要求之后也会有成就感，在互动中，教师的加入也可以让互动变得更为有层次，比如，教师在每个小组里选出两个人，在每三个小组学生进行和声演唱的时候代替另外一个组的学生进行演唱，增强师生之间的互动，也让课堂变得更为生动，这样充满变化的教学让学生更为感兴趣，自然也更能够投入到课堂活动中。
2营造愉悦氛围，促进个性发展。
在教学课堂上，学生的互动意识与课堂的气氛有很大程度的联系，如果在一个沉闷、毫无生气的课堂中，学生连话都不愿意说，更不用说在课堂上进行互动了，所以营造一个愉悦宽松的课堂氛围也是十分重要的。音乐欣赏并没有特定的规律和答案，学生根据自己内心的感受去欣赏音乐才是最终的标准，在音乐课堂上，教师要允许学生说出自己对于音乐的感受，而不是一味的照搬课本，让学生有教科书式的感想，这样会束缚学生的感知能力，也让课堂变得局促狭小，并不能够容纳学生的感受，学生说着口不对心的感想，在课堂学习中也就更不会付出真正的思考，所以，要尊重学生的主观能动性，比如，在学生说出自己的感受时，询问学生为什么会有这些感受，是自己的生活经历还是联想到了自己看过的某一本书或者是某部电影，把音乐和学生的生活联系起来，组织学生自由讨论，发表意见，让课堂变得热烈，鼓励学生敢于说出自己的见解，也能够学会去接纳别人的意见，站在他人的角度看问题，要让学生们明确音乐是具有主观性的，不同的人听了同一首曲子可能会产生不同的感受，不过音乐也是有自身的特点的，比如，大家看奥运会颁奖仪式时，看到中国国旗升起，听到中国国歌时，大家心里都会产生自豪感，这是由于大家爱国的心都是一样的，立场相同，感受自然也就一样，让音乐课堂变成学生们展现自我的天地，让学生的个性不被束缚，在快乐中成长。
3进行充分备课，调动学生情绪。
许多音乐教师的备课不乏程式化、模式化，新课程标准中知识与技能、过程与方法、情感态度价值观这三方面的体现是很模糊的，甚至有的音乐教师的备课直接从教参上照搬，缺乏创造性。不同的学生群体之间是具有差异性的，教师要做到因材施教，了解自己所教的学生群体的特点，进行针对性的备课，在课堂教学中，注重自己情感的投入，才能够把音乐所传递的真实情感传递给学生，才有可能做到调动学生的情感，例如在教授《走进歌乐山》这一首曲子时，教师上课的情绪就不能是平平淡淡的，《走进歌乐山》的大背景是重庆歌乐山上为取得全中国胜利而牺牲的烈士们，此时教师的情绪应该充满着激情，斗志昂扬，只有教师本身的情绪融入歌曲中才能把学生带动起来。
4结语。
总而言之，在初中音乐教学中，注重学生互动意识的培养能够有效提高音乐课堂教学效率，让学生在音乐课堂中得到美的教育和情操的陶冶，推动学生个性的发展，帮助学生完善人格，引导学生树立正确的价值观念。
参考文献：
[1]李晶.初中音乐课堂教学师生互动问题的探讨[d].上海师范大学，2012.
[2]王莉萍.初中音乐教学中学生创新能力的培养[j].科技信息（科学教研），2014.
作者:刘璐单位:江苏省淮安工业园区实验学校。
音乐采风心得体会
在去年暑假的一个下午，我有幸加入了一个音乐采风队伍，探访并记录了许多来自不同地区的音乐元素和文化。此次音乐采风之旅让我深刻感受到了不同地域、不同文化、不同民族的音乐魅力与独特性，这里分享一下我的心得体会。
一、音乐传承——声音和文化的延续。
在整个采风过程中，我感受最深刻的就是不同地区、不同民族的音乐元素与文化习俗的独特性。有的习俗表演需要特殊的音乐伴奏才能压轴，有的节日庆祝需要较为传统的音乐演奏与和声，这一切都有力地证明了音乐在人们生活中的不可或缺性。音乐是人类社会最原始的文化符号之一，其凝练的艺术魅力、深奥的文化内涵恰恰是音乐跨越时代、传承品格的重要标志。
二、音乐习俗的多样性——听到不一样的音乐。
在我们的采风之旅中，不同地域不同民族的音乐习俗给我留下了深刻而难以忘怀的印象。比如，云南纳西族的“走乐”、四川的“阿诺木羌正月大豆腐音乐”、江苏的“天宇乐”等等。每个地方都有独具特色的音乐风格，站在传统民乐的角度，我们在这些地方能够听到未曾听过的音乐，也能从他们的音乐习俗中，了解区域文化的异同，感受到每篇音乐背后所蕴含的历史文化和习俗活动，还可以思考民族文化如何在现代音乐中得以继承。
三、传统与现代的共生——重回音乐的源头。
在现如今这个万物互联的时代，一方面，传统音乐面临的挑战越来越大，传承者和创造者愈加面临着急促的文化变迁和审美习惯的变化。
另一方面，现代音乐的种类不断丰富，无论是最古老的古典音乐，还是现代流行音乐，都总是穿透时代的风格感染着今天的人们。而采风过程恰恰是一个促进传统音乐与现代音乐共生的地方，也有助于该文化在当下的新生，这种交融现象使传统音乐的传承得到了更好的继承，同时也能让社区的年轻人们更加接近和感受到传统文化。
音乐采风不仅是一次收集民间音乐的活动，而且也是文化交流的一种形式。采风让我们有机会与不同环境、不同地域的人们接触，听到他们所收藏的原创音乐。同时，我们也有机会通过音乐去了解其所在文化的来由、发展和文化底蕴，这是让我们认识不同文化的一个非常好的途径。
五、个人心得——音乐可以传递多种情感。
当我完成这次音乐采风之旅后，我深深感到音乐的力量，强烈的音乐节奏可以充满活力、使人振奋。柔和的音乐可以唤起温馨、感人肺腑。忧郁的音乐可以唤起沉静、想象和情感。它可以让人们产生千姿百态的情绪，也能够为人们带来山清水秀的幸福感。在喜怒哀乐之中，人们借助音乐调节情感，享受悠扬美妙的旋律，也感受音乐所带来的人文情怀。
综上所述，音乐采风让我更加深刻体会到了音乐对人们生活及文化传承的巨大意义，同时开启了我对不同民族、地域音乐的认知，这让我更加注重传承和学习音乐价值观，也更加注重文化的保护和传承。音乐采风这种全新的令人难以释怀的文化体验，让我们在观赏音乐的同时，也学习到周围的文化。我们应该更加珍惜和保护民族音乐发展所涉及的人文价值传承，并更好地将音乐文化融入到我们自己的生活中，这个音乐世界永远是我们的音乐艺术以及我们的生命中最重要的和最美好的一部分。
音乐
当我开心或不开心、成功或失败的时候，当我感到孤单、想家的时候，音乐一直都在我的身边。
——题记。
音乐就像是魔术师手中的魔棒，不同的咒语就有不同的变化。音乐可以像潺潺的流水一样悠远清脆，可以像燃烧着的柴堆一样热情似火，可以像杜鹃的啼叫声充满哀伤，也可以像春天的到来，到处都是乐的踪迹。无论你心情怎样，无论你面对的事情有多复杂、多困难，音乐都可以让你的心平静下来，让你的头脑冷静下来。这就是音乐的魔力所在。
音乐就像一本编写着人生的书，每段音符都诠释了不同的人生经历。《我们的纪念册》纪念着朋友间的永恒友谊，《祝你一路顺风》挥洒着友人相别的眼泪，《父亲》倾诉着儿子对父亲的爱，《遇见》期待不期而遇的爱情。虽然不是同一首歌，但每段音符都是我们成长过程中所经历的，听着音乐，就像回味着、想象着我们的人生。
音乐就像一幅画，而音符是这幅画的线条和色彩。《天路》唱出了青藏高原的清新的空气与挺拔高山，《自由飞翔》绘画出西藏草原的辽阔、天空的万里无云，一幅“风吹草低见牛羊”图画映入眼帘。
《月光光》这首广府民谣，演绎着岭南文化，令人回忆起多少童年美好时光。巴西的音乐让我们看到那里热情奔放的人们在欢腾跳舞，西方的爵士乐则是一幅温柔而浪漫的舞蹈。其实不同地方的音乐，给人不仅是听觉上的享受，更是视觉上的盛宴。
我喜欢汪峰的音乐，苍凉而又直指人心，震撼人的灵魂。他的音乐传达着热情与力量，表达对社会的思考与愤怒。他的音乐能让人在这个物欲横流、浑浑噩噩的年代能够有勇气再次去追求怒放的生命。我喜欢周杰伦的音乐，中国风的曲调，浓郁的情绪，曲美的心碎。我喜欢五月天的音乐，虽然他的`音乐没有《高山流水》的悠扬和典雅，也比不上贝多芬激昂、雄伟的交响曲，但他的质朴浅白而又真实的音乐唱出了80、90的心声，唱出了坚持、信仰和理想，唱出了友情的可贵。
音乐的魔力真的是不可小视。音乐可以千变万化，可以绘画出不同的图景，可以忧伤我们的忧伤、快乐我们的快乐，可以给人以力量、助我们前进。音乐魔力，非凡魅力。
情之所至，歌以咏之。一段时光，化成一首音乐，一首音乐，陪你一段时光。
广西音乐采风心得体会
第一段：引言（100字）。
近期我有幸参加广西音乐采风活动，一次难得的音乐之旅。在这个旅程中，我亲身感受到了广西丰富多元的音乐文化，体验到了广西音乐的独特魅力。在浓厚的民族氛围中，我深切体会到了音乐对于文化传承和人心沟通的重要性，心灵也因此得到了滋养。
第二段：丰富多元的广西音乐文化（200字）。
广西是一个多民族聚居的地区，每个民族都有自己独特的音乐形式。在采风活动中，我亲身感受到了广西壮、瑶、苗等民族音乐的独特魅力。壮族的山歌婉转悠扬，瑶族的吊歌婉转动听，苗族的侗歌激昂奔放。每一种音乐都有自己独特的特点，通过它们，我更深入地了解了广西各民族的文化传统和生活习俗。
第三段：音乐对于文化传承的重要性（300字）。
广西音乐不仅仅是一种娱乐形式，更是一种文化的传承和延续。通过音乐的表达，人们记录和传承了各民族的历史、传统和价值观念。在采风活动中，我参观了一些民族音乐的传统场所，看到了一些在现代社会里逐渐被遗忘的乐器和演奏方式。我深深感受到，只有通过音乐的传承和发扬，才能让广西的文化更加丰富多彩，并且赋予它更深层次的内涵。
第四段：音乐的跨文化沟通作用（300字）。
在广西音乐采风的过程中，我还有幸与一些外国音乐家进行了交流合作。他们对广西音乐的独特魅力也深感兴趣，并且与广西音乐家合作创作了一些跨文化的作品。通过音乐的语言，我们跨越了语言和文化的障碍，共同传达出了我们对世界和平与和谐的共同愿望。这种跨文化的交流极大地丰富了广西音乐的内涵，也加深了各文化之间的了解和友谊。
第五段：个人收获和反思（300字）。
在广西音乐采风的旅程中，我深切感受到了音乐对于人们内心的震动和触动。在音乐的陪伴下，我感受到了自我与自然的融合，感受到了文化与人类情感的共鸣。我也反思到，作为一名音乐爱好者，我应该在日常生活中多关注广西音乐文化的传承和发展，为它的发展做出自己的贡献。同时，我也期待着更多的人能够体会到广西音乐的魅力，让它的声音传遍全球，让更多的人感受到音乐的力量。
总结（100字）。
广西音乐采风活动是我一次难忘的音乐之旅。通过这次体验，我更加深入地了解了广西音乐的丰富多元和文化传承的重要性。它不仅仅是一种艺术形式，更是一种情感的表达和文化的传递。我也深感音乐具有跨文化沟通的力量，通过它，不同国家和民族的人们得以相互交流和了解。回到日常生活中，我将更加关注广西音乐的发展，努力将其传播给更多的人。