国画鉴赏论文（精选18篇）

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美术鉴赏论文

这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里，我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。

艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。

艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。

（一）艺术美的形象性。

艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。二）艺术美的直观性。所谓直观性，就是具体生动性和直接可感性，它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象，并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中，艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中，艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显，但是，它们也直接作用于我们的感觉器官，使我们经过联想或想象，在脑中产生出美的形象。

（三）艺术美的审美性。

艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。

（四）艺术美的主体性。

艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。

（五）艺术美的协调性。所谓协调性，最根本的是指内容和形式的统一，也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美，表现在形式同内容有机地联系一在起，并且由内容来决定，而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。

（六）艺术美的典型性。所谓典型性，就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面，并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”，就是指的这种典型性。毛泽东同志所说：“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高，更强烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征，同样是由艺术美的基本内容决定的，它是人对于美的理想的追求和体现。

（七）艺术美的民族性。所谓民族性，就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说，任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。

随着时间的推移，美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识，弥补了我在艺术知识上的不足，也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中，我能继续汲取艺术方面的知识，不断充实自己，丰富自己，提高自身的内涵。

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电影精彩画面重现：

十面埋伏电影讲述了唐朝官府捕快与江湖门派飞刀门之间一场惊险刺激、扑朔迷离的追捕与反追捕的故事。而最经典的莫过于竹林打斗这一场景了。“小妹”（章子怡饰）在一片竹海中遭到官府的追杀，在危机时刻，“金捕头”（金城武饰）出现了。在竹林逃命一幕中，小妹和金捕头在官府追兵的追杀下寸步难行，上有在树梢间穿梭的捕头，下有尖竹阵拦路，腹背受敌。在被锋利的竹筒架在中间后，眼前两人不能再活，必死无疑。千钧一发之际，终于！飞刀门的人出来了，居然是“阿母”（宋丹丹饰），于是两人获救。画面赏析：

2004年，在张艺谋的这部《十面埋伏》的电影中，布置了一场非常诗意唯美的竹林打斗场面，而这个打斗场面的发生地就在重庆永川茶山竹海。

http:///view/?fr=ala0_1）在《十面埋伏》的这场竹林一战中，可以说色彩非常明丽，气韵很独特，整个画面满满的全是一片翠绿，即使是画面的几个人物也是着深绿色服装，看起来给人的感觉就是很舒服很清新，独具有一种诗化的东方美，特别是通过电影手段的放大和强化，使这一场景给观众带来视觉上的美妙享受。或许观众在观看电影时，可能更多的是忽略电影的具体情节，而被唯美的画面所迷住，在看完之后，电影画面还深深地留在人的大脑中，许久以后还会历历在目，细细回味时感叹画面精致之余，更是产生了对茶山竹海的神往之情。作为一名普通的观众，对我来说，这部电影到底讲的是什么，现在我也记不清楚了，也并不重要了，但对于这个竹林打斗的场景却深深地印在我的大脑中，无论何时提到《十面埋伏》，我唯一想到的就是这个画面。同样的，对于国外西方观众来说，这部电影也同样最大程度上满足了他们对东方美景与古老文化的好奇和想象，使他们深深感受到中华文化的美。我自认为，这个电影片段充分体现了导演张艺谋的想象力、创造力和聪明才智，应该是张艺谋执导的电影中难得的精彩片段。古代著名诗人苏东坡曾说“宁可食无肉，不可居无竹”，竹子在中国文化中，素来有着极高的地位，它被赋予了刚正之节、虚心之德、柔韧之力和孝义之情等等美好的意义，似乎已经成为东方中国的代表词汇，具有一种神秘的图腾力量。而在电影《十面埋伏》对竹子的使用重点没有单单放在竹子本身的柔韧性，对竹本身的描写上面，而是在竹林间安排了几组人物错落的位置关系，并着力营造了这种微妙关系所带来的气氛和情调。也就是说，随着时间的推移，竹子已不再局限于个体的利用，它不再为打斗而打斗，而更有了在电影中的群像演出。通过精心、独到的场景设计，在这个场景中惟妙惟肖地表现出了风光旖旎的茶山竹海的神韵。

人们常说美的体现并不是单单通过几个“漂亮”、“绚丽”、“迷人”等形容词就能做到的。的确如此，真正的美不是源自外表，而更多的是要我们内心去细细品味、感受。《十面埋伏》中是这场竹林打斗画面美，然而其内在的那种神韵、气质却需要我们以细细去品味。或许我们就会被这秀美风景所深深牵引。

《十面埋伏》剧照。

导演：张艺谋。

主演：章子怡、刘德华、金城武。

美术鉴赏论文

姓名：学号：指导老师：

写作时间：2013年6月6。

日

摘要：中国画国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。

关键字：国画。

山水画。

一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。虽然不能说是精通，但是至少还是懂得了一些。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。这篇论文我就围绕“中国画”谈谈我的认识。

中国画是中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。在古代，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。

中国画历史悠久，两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。

以山水画为例，我们来了解下中国画的产生，发展及其内在精神。山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。

初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。

山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。

说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。

欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等。

其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。

佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。

儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。

作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。

接下来，再谈谈中国画的艺术特点吧。

一、形与象通，意与形合。形与象通，意与形合是中国画造型的基本要求。形，指外形、轮廓，是中国画传神达意的主要要素。象，指自然客观存在的万物形象或作画者在绘画作品中创造的艺术形象，即作画者追求神似而不追求形似，是概括化、艺术化的形。形、轮廓是中国画造型不可缺少的主要依据，师法自然中的形，经过作画者思想的提炼和加工，创造“似与不似”之艺术的“形象”，形与象；意，指绘画作品的思想内容、作画者的构思设想和创作意图。它具有三方面的意义：（1）、作画者主观的意，即绘画的立意（2）、画面形象所体现的意。（3）、绘画对象的意。作画者的立意是主观的，绘画对象的意是客观的，画面形象的意是作画者师法自然，熔铸丹青，抒写胸臆的艺术结晶，这种意是建立在形的基础之上的，遗物象而取意取神，但舍形不能求意。中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”，这“神”是一种意，即作画者对物象本质的认识、审美的感受。

二、境与性会，因心造境。意境是中国传统美学的范畴，是自我与自然自然的高度融合。境，是画面中有情趣的自然景象。性，是作画者的性情、兴趣喜好、习性。境与性会是指画境要与作画者的性情合一，达到情境交融的地步，意即客观的自然景物与作画者的性情有机地结合起来，有如水乳交融，浑然一体，兴会神交；因心造境是作画者按自己的理想所描绘出的生活图景，这个图景是现实生活中所没有、或少有的，是作画者虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界，是作画者“心造”之境。

三、心师造化。心师造化是中国画创作的生活源泉，指作画者用心灵去师法和感悟客观事物的内在精神风采，获得艺术素材，并依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造。心师造化是以自然为师，通过“目识心记”或是写生自然物象，概括提炼物象的基本特征，按一定的构图规律重新组合物象，创造一种有意味的意境。心师造化的艺术特点是中国画创作必须要遵循的准则。

四、以诗入画。以诗入画是中国画意境的追求，自唐代王维在画中把这两方面有机地结合起来以后，北宋的苏轼极力的推崇王维“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”认为王维创造了一种他人所不能及的意境。同时提出“诗画本一律，天工与清新（北宋·苏轼）”的艺术观点。宋代画院还以诗意画作为招画院画师的考题，形成了以诗入画的风气。后世的画家，特别是山水、花鸟画家都自觉地把诗意融入画中。“诗中有画，画中有诗”成为品评中国画的一个重要的标准，还以画中是否具有富于诗意的意境，作为评价中国画雅与俗、优与劣的文野之分。画中诗意的创造，含蓄而耐人寻味，其独特韵味是中国画所独有的。

五、中国画的艺术表现语言是点、线、面的组合。点、线、面是中国画最基本的表现语言，以线为主，点、面为辅，以线造型，以线传情。线作为中国画表现的载体，其特定的表现手段在原始的崖画中就已经有了。它除了作为造型手段之外，它还带有人的主观感情因素，性格化的线条中包含着作画者们的审美情感、学识修养以及对世态的观点和看法。自然之中，没有纯粹的点、线、面，是作画者们经过主观的抽取、概括后融入情思而来的，点、线、面是抽象化的外在表现形式，通过三者的有机组合创造一种和谐、舒适、美好的画面意境。

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也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。

外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德。莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓——起重机、吐着烟的烟囱、建筑——透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而已，与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。几年后艺术评论来了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。

为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。

莫奈背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法，而更趋向于表现真实的自我感受，传达出自己对日出的鲜活印象，将常识之类搁置一边，竭力捕捉最初朦胧印象，并将其凝固在画布上。他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切，而不是我们料想我们会看到的东西。因此开始的时候人们自然会抗拒，勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢？可是随着时间的推移，经过观察，人们发现，当船衬着城市的背景出现时，在特定的光线下从特定的角度看去，船似乎真的是在城里行驶，有时海天会浑然一色，我们实难分辨何为大海，何为天空。

而就我个人而言，独爱徐老的作品，徐老一生以画马闻名世人，在他个人的艺术成就中，也以画马的成就最为卓著。他一生致力于国画的改革，而体现他国画改革最高成就的就是他的国画奔马。他非常注重写生，关于马的写生画稿不下千幅，学过马的解剖。对马的骨骼、肌肉、组织了如指掌，同时，他还熟悉马的性格脾气。在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现出马的形体，又不影响墨色的韵味。徐悲鸿的马是中西融合的产物，这种融合是极为成功的。其中不得不提曾经轰动一时的《八骏图》。其中主角——八匹骏马，一个叫绝地，足不践土，脚不落地，可以腾空而飞；一个叫翻羽，可以跑得比飞鸟还快；一个叫奔菁，夜行万里；一个叫超光，可以追着太阳飞奔；一个叫逾辉，马毛的色彩灿烂无比，光芒四射；一个叫超影，一个马身十个影子；一个叫腾雾，驾着云雾而飞奔；一个叫挟翼，身上长有翅膀，像大鹏一样展翅翱翔九万里。

外国的名画家还有米开朗琪罗，达芬奇，其中达芬奇的《岩间圣母》引人入胜，它所体现出来的是作者极具表现力的写实功底，达芬奇的《蒙娜丽莎》为外方世人所称赞不已，当镜子被放置在蒙娜丽莎的右手和右肩膀一侧，就会看到“戴着头盔的耶和华”。此外，他们还在这位艺术大师的另一名作《最后的晚餐》中耶稣前方的桌子上发现一个倒置的圣杯。有报道指出，西方某艺术调查组织的这一“镜子理论”也许解释了为什么达·芬奇许多作品中的人物似乎都有所指向性或凝视着远方，就好像在寻找神圣的东西。据记载，达·芬奇经常以镜像书写（注：他喜欢从右至左写字），一方面是防止“对手”剽窃他的创意，另一方面是想隐藏他的一些科学理论。

综观中外美术芊芊作品，各具特色。相比而言，中方更重视作品的意境，而西方作品则以体现事物的多种内涵和更注重色彩的运用为特色。

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引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(2)。

第一章两宋绘画的发展„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(2)。

第二章两宋绘画取得的成就„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(3)。

第三章两宋绘画对现代教育的影响„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(5)。

结语„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(5)。

参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(6)。

浅谈两宋绘画作品的现实意义。

引言。

随着读图时代的来临，越来越多人往往都会借助视频、动画、图形、图画等形象媒体来传文达意，激起观者想象和思想的情感涟漪。而绘画作为一种最为直接的表达方式，在我们的视觉文化教育中起着不可替代的作用。

宋代绘画是在中国文化艺术史上具有重要的地位和深远的影响，是一个继往开来，集中国古代绘画之大成的光辉时期。宋代绘画的发展，成就以及对现代教育的影响都是值得我们去深思熟虑的。

正文。

第一章两宋绘画的发展。

宋朝时，绘画艺术达到了全面发展，绘画作品更是极其丰富，绘画技法完善,画家风格更是面貌繁多。同时，随着绘画的发展，又有一些文人加入画家的行列，开创了中国绘画的文学化时期。两宋绘画作品中,成就最高是山水画,次之是花鸟画，后是人物画，特别是山水画创作可以说达到了绘画顶峰。

1.山水画。

北宋的山水画，作品以传统水墨为基础,多表现北方浑雄壮阔的自然山水，借山川表现内心世界，强调写意画法:“信笔为之,以烟云掩映,树木不取工细,意似便已。”【1】对山水画的创造,更在于对真山真水的深切感受。南宋的山水画，在格局上脱胎于青绿，而参用水墨，调和两派，笔法苍劲，水墨淋漓，具有独特的风格。

宋代山水画的人文精神，不仅表现在画面中蕴涵着气与质的美，还表现人与山水意理的渗透，山水需有生命，山水画中“天真、写真”等创作思想，都蕴涵着美的本质和艺术生命的内涵。在山水画中，就是要从自然的变化、社会的变化、万物之情中探寻新的艺术形式。发现日新之时势，在具体生命性中，发现道德之美和生命价值。

2.花鸟画。

宋代是中国花鸟画的成熟和鼎盛时期，在应物象形、意境营造、笔墨技巧等方面都臻于完美。北宋的花鸟画主要继承五代传统，画法多宗徐熙、黄筌二体，而黄体“钩勒填彩，旨趣浓艳”【3】的富贵风格更为世所尚。更是由于宋徽宗赵佶对绘画的特殊爱好，在其大力倡导下，花鸟画以院体为主流进一步向工笔写实发展，笔法工整细腻，使工笔花鸟画达到颠峰水平。并且此风绵延至南宋宫廷，花鸟画创作长盛不衰，并呈现多样化的局面。

宋徽宗《芙蓉锦鸡图轴》。

3.人物画。

在宋朝，人物画主要包括两部分，其一是人物故事画，这些画多是出于某种政治宣传的需要。其二，是风俗画，这是一种反映城乡生活和社会风俗的人物画，是随着宋代城市经济的发展和市民文艺创作的繁兴而兴起的，反映的社会面之广，人物阶层之丰富，都是前所未有的，其意义已经超出了美术的范围。

宋代人物画的特点是注重表现人物的现实性格和具体神态，或者说是形神兼备。人物画是以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科.宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰.宋代的人物画题材多样,如佛教画、肖像画、工笔重着色人物画、经史题材画、风俗画、减笔人物画等等.它所反映的现实生活内容之广泛,在古代绘画史上是极为突出的.它运用多彩优美的艺术形式,创造了很多的艺术表现手法.宋代人物画的成熟和完备,进一步说明了宋代绘画是中国古代绘画的鼎盛时期.1、在绘画技法上，有新的突破，出现了各种画风。

燕文贵的《七夕夜市图》。

第二章两宋绘画取得的成就。

北宋初期，人物画师法吴道子，花鸟画遵循黄筌体制，山水画主宗荆、关传统。北宋中期，画风呈现出较显著变化，人物画创“白描法”，大大丰富了线条的表现力，山水画更真实细腻地表现大自然的微妙变化，花鸟画发展了水墨法，文人画也在此时倡兴。北宋末至南宋初，人物画中的风俗3题材成就突出。南宋时期，山水画变革显著，“南宋四大家”创立了新的“院体”山水画风，花鸟画发展了水墨写意法，并形成了诸多文人水墨花卉画派，人物画中也出现了水墨写意的“减笔画”[2]。

山水画在北宋强调“师法造化”，注重图真和格法，描绘地域风貌、气候变化具体精微，同时也发扬“中得心源”的传统，对景造意，融入真切感情。南宋山水重视意境创造和感情抒写，画法简练、泼辣。花鸟画在北宋是以工整精细的画法为主，注重写生，状物真实。南宋兴起文人水墨花鸟画，强调传情达意，抒写主观情感，喜绘梅兰竹菊四君子题材，人物画北宋时盛行故事画和风俗画，画法继承了唐代传统，工整写实，又有一定新创。南宋人物画多取历史题材，借古喻今，在安排情节、突出主题、刻划内心等方面，更富意匠。

2、宋代的文学艺术开始强调主体和客体的相互融合。

3、人物风俗画直接反映宋代城乡生活和社会风俗。

人物画所反映的社会面之广，人物阶层之丰富，都是前所未有的，其价值意义不仅在艺术上的画法、创作技巧和表现手法的独创性，也是研究宋代文明和社会背景的重要依据。在人物风俗画里，最为杰出的是张择端的《清明上河图》。

其艺术成就主要体现出市俗画在画风态度上崇尚自然古朴，非常大众化，在艺术技巧的运用上，讲究尊重传统，不标新立异，只求真实的表现生活。当西方还沉浸在最黑暗的宗教愚昧的统治中时，宋代绘画已开始描写现实。在中国绘画史具有深远的意义。

张择瑞【4】《清明上河图》。

第三章两宋绘画对现代教育的影响。

1、激发爱国主义情感。当欣赏宋代绘画时，我们都会为中国文化的博大精深感到自豪，宋朝大部分时间都处于动荡不安之中，一些文人借助绘画，通过对大好河山，一草一木的描绘中，抒发自己的爱国情感，表达自己的爱国之情，所以画面背后所深藏的爱国主义情感，能激起无数炎黄子孙的共鸣，是我们进行爱国教育的优秀题材。如范宽的《雪景寒林图》，所表现的是北方雪景山水，在这幅作品中,范宽创造了一个纯化境界，画中群峰积雪，千里冰封，近景枯木交错，寒水深湛，中景岸渚汀州。远景白雪茫茫，天深山亮，人们感受到一种慑人心魄的魅力。

范宽的《雪景寒林图》。

2、宋朝绘画的一些画风、布局，对我们进行网页制作、平面设计、影视动画制作等方面，具有一定的审美导向作用。同时，也是我们进行灵感思维训练的有力工具。灵感思维是视觉艺术思维中经常使用的一种思维形式。在创作活动，中，人们潜藏于心灵深处的想法经过反复思考而突然闪现出来，或因某种偶然因素激发突然有所领悟，达到认识上的飞跃，各种新概念、新形象、新思路、新发现突然而至，这就是灵感。但是灵感的出现是不是偶然性的。宋朝绘画，以其风格多样、作品众多，是进行灵感思维训练的有力工具。

结语。

宋朝绘画艺术达到了全面发展，绘画作品极其丰富，绘画技法完善,画家风格面貌繁多，不仅促进了中国绘画艺术的发展，具有很高的艺术价值，而且对现代教育也产生了深远的影响。

对两宋绘画的发展和所取得的成就的概述不仅仅只是如此，由于所持资料不充足，仅提供了以上所描述的内容，它还可以继续从历史背景以及人的思想方面进行深入探讨。

参考文献。

1.报刊。

【1】山东省职工教育办公室。

《现代企业教育》。

山东省济南市。

现代企业教育杂志编辑部。

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【3】。

http:///view/3.图书。

【4】吕晓。

《西北美术》---试论宋代风俗画(3)：陕西省西安市。

陕西人民美术出版社。

20026。

美术鉴赏论文

美术鉴赏课虽然结束了，但却让我受益匪浅，老师给我们看的纪录片让我了解了中国及世界其他国家的美术发展进程，让我感受到艺术给人带来的美感，也让我更善于发现生活中的美，审美观也有了很大的提高。在我们的课程中，我最感兴趣的是以莫奈为代表的印象画派，所以我的论文是以《日出印象》来看印象画派。

清晨的海港，海面上薄雾弥漫，一轮红日正从地平线冉冉升起，给清凉的雾气和粼粼的海面渲染了淡淡的红色。几艘小船正缓缓驶来，远处的货轮也开始工作了，整个海港在曙光中慢慢苏醒，阵阵暖意正随着那轮红日扑面而来，破晓前微凉的雾气也在渐渐散去。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现„„这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。

在十九世纪的法国，当一些前卫的艺术家已经厌倦了新古典主义的条条框框，陈旧的题材，宏大的场面，理性的构图，完美的人体，这一切新古典主义的核心传统都已经成为束缚，这些艺术家渴望冲破羁绊，尽情地抒写眼前的世界，抒发内心的向往。于是，一些新的绘画流派相继产生，其中对后世有着巨大影响的就是印象派，他的领袖就是法国人莫奈，而这幅《日出印象》也是最具代表性的一幅，同时更重要的是“印象派”这个名字便从这幅画得来。

但是印象派的出现并不是空穴来风，它的出现有其复杂的渊源。可以追溯到文艺复兴，人们的自我意识开始慢慢增强，画家也开始越来越尊重自己的主观感受，希望表现自己眼前真真切切的世界和内心真实的感情。而且这也是科学技术的发展，吸收了自然科学对色彩的研究，人们渐渐发现，物体的色彩并不是一成不变的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝阳的照射下就变成了金色，当夜幕降临它又变成了黑色。所以环境和光的变化，物体的颜色是随之发生变化的。印象派画家就是抓住这瞬息万变，转瞬即逝的光与色的印象，然后用自己的笔记录下眼前的景色和自己内心的感受。

莫奈觉得没有什么比这更重要，只有这样才是真正的价值和美好所在。他专注于每一个细微的光彩的变化，它的画面以一种超乎想象的灵动性散发着色彩的生命力。在他的画中，那些色块似乎在人们的眼前不停的跳跃，融合，使观众不知不觉中被带动被感染。《日出印象》便给人这种感觉，我们似乎站在海港不远处一个公寓的窗边，眼前旭日正在冉冉上升，驱走清凉的雾气，带给我们新的一天。

红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。

不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。

莫奈选择他观察日出的地点，不是一望无际的原野，不是山峦起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色，他脊恋这里的水上生活，他甚至敏感这里的气候变化，所以这幅风景画充满了生活气息，人文的踪影。水光相应，烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛，给画带来了生气，船上的人若隐若现，给画赋予了灵魂。

绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现。这就是我们常说的，不求形似，而求神似。

我们常常喜欢传统的经典的绘画，喜欢那匀和的色彩细腻的笔法，喜欢那维妙维肖，细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派，是对传统手法的反叛，小笔触，色彩分割的画法，近乱而远和，近粗而远匀，这开创了现代艺术的先河。此后，后印象主义，表现主义，立体主义，超现实主义，抽象主义，风起云涌，争奇斗艳，画家越来越注重于绘画的形式，而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派，绘画成了纯粹的色彩组合，而其内容已经无从可知了。

这一切都起源于莫奈，他不愧为印象派之父，首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。

历史上没有一个画家，象莫奈那样自觉地运用这样的原理，针对同一主题，专门描绘不同季节，不同光线和不同天气状态下的色彩变化，这类作品被称之“连作”。他会在同一地点支上几幅画架，每天在依次特定的时间在特定的画架上作画，周而复始，来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。

由此我们来看19世纪的的法国，在“浪漫”以前，其实有很长一段时期的固板和黑暗。那时，法国画坛由官方学院派主宰，画等级森严。年轻人想走艺术之路，路漫漫、荆棘重重：首先要进美术学院听课，画《圣经》故事或以希腊罗马历史题材的学院画参加比赛，获奖者到意大利进修，然后作品在沙龙展出，被美术学院聘用，最后进法兰西美术学院，才得以修成正果。

于是就有一部分青年画家反对官方学院派的墨守成规和独断专行，要求艺术上的革新和创作上的自由。他们经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆，交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。

当时随着科学的发展，光学和色彩学的很多研究成果问世。追求创新的画家们深受这些成果的影响和启发，把它们直接运用到艺术法则上，如：他们认为自然界的一切物体的色彩都是七种原色组合而成的太阳光的照射的结果。在不同的时间、环境、气候等客观条件下，物象受不同的光的支配而产生不同的色彩，如果离开了光和色彩便没有世界。

因此,印象派和古典写实派的首要区别就在于,它把表现“光”和“色彩”的综合效果成为画家绘画的首要任务，而具体的物象只是传达光和色彩的媒介，其本身的意义成為次要。所以我们在印象派的画中看到的是充满阳光和空气感的色块组合，大笔大笔的色块组成画面，展示色彩斑斓的与过去完全不同的视觉效果。其次，由于阳光、空气等环境是瞬息万变的，捕捉“光”和“色彩”带来的瞬间“印象”，便成了画家的另一任务。于是他们把画架搬到室外，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的“印象”。印象派画家们把户外写生发展到最高度，展示出大自然不寻常的丰富灿烂的景象。再者,在构图上，印象派发展也可以说是夸大了古典主义的绘画的透视原则。対透视造成的物体大小形变加以强调,造成一种别致的“第一印象”的效果。另外,在造型上，印象派舍弃物体的边缘轮廓线，代之以较为含蓄的色彩过渡或强烈的色彩变换。也就是说是翻转了造型和色彩的关系，让造型服从于色彩,产生一种光影的朦胧。

所以说印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印象派的代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，这就是大名鼎鼎的“后印象主义”三剑客。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始了。

音乐鉴赏论文

在高中音乐教学活动中，音乐鉴赏的教学占有很大的份量，音乐鉴赏教学不但能够潜移默化的影响学生的人格，还能感染学生的内心。然而目前很多高中的音乐鉴赏教学现状却不容乐观，不但教学设施陈旧，教师的教学方法还比较单一，严重的影响着学生鉴赏音乐的能力。因此本文就对高中音乐鉴赏的现状进行了分析，并根据分析现状中得出的问题，提出解决对策，为高中的音乐鉴赏教学提供参考。

音乐鉴赏；高中音乐教学；存在问题和解决对策。

众所周知，音乐能够陶冶人的情操、体现人们的审美情绪、表达人们的思想情感。而高中作为学生生涯中一个非常重要的阶段，其音乐教学的主要任务就是提高高中生的音乐鉴赏能力，让学生通过教师的教学掌握正确的鉴赏音乐的方法，提高学生的审美水平。

目前很多高中音乐鉴赏存在的主要问题就是，如音乐教学设施陈旧、对音乐教学的不重视以及单一的教学方式等，严重的影响着学生的音乐鉴赏能力。因此必须要对其进行完善和改正。

（一）音乐教学设施陈旧。

目前很多高中院校的音乐教学设备都比较陈旧，主要体现在教学设备和音乐教材陈旧方面。并且随着我国科技的发展，网络的普及，陈旧的教学设施很显然已经无法适应目前音乐教学的需要了，极大的限制了学生学习音乐的积极性和主动性。同时陈旧的音乐教材，即无法满足学生对音乐的追求，也无法提高学生的审美观念，让学生在音乐鉴赏中还会出现一些错误性的理解。而且很多教师习惯性的选择流行音乐作为音乐教材，让学生对音乐的兴趣只停留在流行音乐中，对于中西方比较经典的音乐作品却不感兴趣，极大的影响着音乐鉴赏的教学。

（二）对于音乐教学不够重视。

受应试教育的影响，我国很多高中院校的教师和管理人员都对音乐课程有着一定的偏见，主要原因就是音乐课程不是高考的考试范围，因此不被重视。并且很多学校和老师都对音乐教学一直抱有负面的态度，认为音乐课程会影响到学生的学习成绩，因此即使有音乐鉴赏教学，也会被语文、数学以及地理等科目的教学所取代，严重的制约着音乐教学的开展。

（三）教师教学方法比较单一。

目前很多高中的音乐老师在教授学生音乐鉴赏时，以理论式为主，缺乏跟学生的互动。并且加上学生的人数比较多，教师在教学过程中也无法做到因材施教，经常的将音乐鉴赏课当成是分析课，从而大大的降低了学生学习音乐的兴趣。同时高中很多音乐教师都是业余的，不但缺乏基本的音乐素质，教学水平还比较低，其教学的方式只是为了完成教学任务，从不去考虑如何教授好音乐课程，来陶冶学生的情操。而且还有很多音乐教师在备课过程中，只关注怎么样准备教材，却没有准备如何给学生留出音乐鉴赏的思考空间，激发学生的思维能力，培养学生的创造能力，从而无法真正的发挥音乐鉴赏教学的作用。

可以从激发学生对音乐鉴赏课的兴趣和加强师生间的交流互动的方式来提高音乐鉴赏教学的能力。

（一）更新音乐设施，做好基础性的保障。

上文中我们分析到目前很多高中学校的音乐设施比较简单，甚至有的还没有音乐设施，因此必须要更新音乐设施。首先学校和领导应该意识到音乐鉴赏教学的重要性，让其了解到音乐鉴赏教学不会影响到语文、数学以及英语等高考科目的成绩，反而会让学生能够在音乐鉴赏中，放松心情，以更好的状态去学习高考科目。其次更新音乐教学设备和教学设施，如钢琴、长笛、多媒体教室等，以此来为音乐鉴赏课程的教学提供基础性的保障。

（二）体会音乐时代背景和音乐风格，激发学生的兴趣。

在激发学生对音乐鉴赏课的兴趣时，首先要让学生体会音乐的时代背景和音乐家的音乐风格。高中生目前正处于人生中一个非常关键的阶段，不但学习压力大，情感还比较困惑，因此音乐鉴赏课的教学不但有利于帮助学生树立明确的学习目标和人生目标，还能有效的抚平学生浮躁的情绪。在音乐鉴赏课中通过分析音乐家所处的时代背景和音乐的内容，让学生了解的音乐家的音乐风格，以此来激发学生对音乐作品的兴趣。如通过聆听贝多芬的作品，不但可以了解英雄主义时代的特征，还能了解到贝多芬的音乐风格，从而拓宽了学生的视野，提高了学生的音乐鉴赏水平。同时还可以让学生聆听不同题材的音乐作品，让其能够从各个角度来体会音乐的魅力。如通过听莫扎特、德彪西的音乐作品，感受其音乐表达方式，了解其音乐风格，以此来提高自己的音乐鉴赏能力。

（三）加强师生之间的互动。

鉴于目前很多高中学校的音乐鉴赏教学采用了灌输式的教学方式，不但无法激发学生的兴趣，也没有拉近师生之间的关系，影响着学生音乐鉴赏的成绩。因此本文认为可以采用互动式教学方法，来有目的的开展师生之间的互动，让学生成为教学的主体，教师作为教学的引导者和交流者，为学生营造一个民主的课堂氛围，让学生在轻松愉悦的教学过程中感受到音乐的感悟。并且在对互动式的教学过程中，教师还需要善于聆听学生的意见，要以鼓励和表扬的方式，对学生进行指导，以此来保证音乐鉴赏的教学成绩。如在多彩的民族风的音乐鉴赏课中，教师应该根据教学要求，来组织学生对民族音乐的产生和发展进行讨论，鼓励学生勇敢的发表自己的音乐看法，让学生在互动的过程中，体会到各个民族音乐的特点。教师在讨论过程中，应该根据学生的看法和意见，及时的进行补充，不但加强了师生之间的互动，还能学生真正的掌握了音乐鉴赏的能力。同时在互动过程中，教师切莫急于求成，必须要循序渐进，以此来让学生充分的理解教学内容，增加学生的课堂和情感参与度，保证教学成绩和学生的音乐鉴赏能力。

三、结束语。

综上所述，高中音乐鉴赏在提高高中生的整体素质中发挥着非常重要的作用。高中音乐教师必须要优化自己的教学方法、提高自己的教学水平、提高对音乐鉴赏教育的重视，以此来促进音乐鉴赏教学的开展。

参考文献。

[1]任璐。高中音乐教学中存在问题的对策研究[j]。无线音乐教育前沿，20xx，（4）。

[2]靳月。浅谈高中音乐鉴赏教学存在的弊端及其对策[j]。音乐时空，20xx，（7）：119—119。

[3]高杰。高中音乐课堂教学存在的问题与对策[j]。成功：教育，20xx，（9）：171—171。

作者：刘光鹏单位：湖南隆回县万和实验学校。

艺术鉴赏论文

剪纸是民间艺术的一种。是以纸为加工对象，以剪刀(或刻刀)为工具进行创作的艺术。

每一种艺术都有自己独特的艺术风格，由于剪纸材料(纸)和所用的工具(剪刀和刻刀)决定了剪纸具有它自己的艺术风格。剪纸艺术是一门“易学”但却“难精”的民间技艺，作者大多出于乡村妇女和民间艺人之手，由于他(她)们以现实生活中的见闻事物作题材，对物象观察，全凭纯朴的感情与直觉的印象为基础，因此形成剪纸艺术浑厚、单纯、简洁，明快的特殊风格，反映了农民那种朴实无华的精神。归纳前人的经验大概有以下几个方面：

1.线线相连与线线相断。

纸剪纸作品由于是在纸上剪出或刻出的，因此必须采取镂空的办法，由于镂空，就形成了阳纹的剪纸必须线线相连，阴纹的剪纸必须线线相断，如果把一部分的线条剪断了，就会使整张剪纸支离破碎，形不成画面。由此就产生了千刻不落，万剪不断的结构。这是剪纸艺术的一个重要特点。剪纸很讲究线条，因为剪纸的画面就是由线条构成的。根据实践经验把剪纸的线条归纳为五个字：“圆、尖、方、缺、线”。要求达到：“圆如秋月、尖如麦芒、方如青砖、缺如锯齿、线如胡须。”可以说线条是剪纸造型的基础。

2.构图造型图案化。

在构图上，剪纸不同于其他绘画，”它较难表现三度空间、场景和形象的层层重叠，对于物象之间的比例和透视关系也往往有所突破。它主要依据形象在内容上的联系，较多使用组合的手法，由于在造型上的夸张变形，又可使用图案形式美的一些规律，作对称、均齐、平衡、组合、连续等处理。它可以把太阳、月亮、星星，飞鸟、云彩，同地面上的建筑物、人群，动物同时安排在一个画面上。常见的有“层层垒高”或并用“隔物换景”的形式。

3.形象夸张、简洁、优美，富有节奏感。

由于受到工具和材料局限，要求剪纸在处理形象时，既要抓住物象特征，又得做到线条连接自然。因此，就不能采取自然主义的写实手法。要求抓注形象的主要部分，大胆舍去次要部分，使主体一目了然。形体要突出，形成朴实、大方的优美感，物象姿态要夸张，动作要大，姿势要优美，就像舞台上的亮相动作一样，富有节奏感。

4.色彩单纯、明快。

剪纸的色彩要求在简中求繁，少作同类色、类似色、邻近色的配置。要求在对比色中求协调。同时还要注意用色的比例。如用一个为主的颜色形成主调时，其他颜色在对比度上可以程度不同地减弱。有时碰到各种颜色并置起来，稍有生硬的感觉时，则把它们分别套入黑色。金色剪成的主稿里，即可获得协调、明快的感觉。

5.刀法要”稳、准、巧”

民间剪纸的许多特点和风格都是是由于刀法上的一定技巧而产生的，如张永寿创作的“百菊图”，许多地方都是运用刀法的技巧。例如刻一种“罗汉须”的菊花，由于它初开时是直瓣，盛开时就卷曲，形成螺丝圈，剪这种菊花，要一瓣一瓣从里往外圈剪，剪成后花瓣卷曲自如，才能组成一朵形象殊异、风味别致的菊花。

如果刻一种叫“鹭鸶羽”的菊花，由于它开花时一瓣套着一瓣，一瓣勾着一瓣，剪这种菊，要运用“掏剪法”，剪起的地方要片片相连，瓣瓣相随，花瓣之间的粗细、大小才能参差有致，变化不同，剪成的花才能像鹭鸶的羽毛一样丰满而美丽。

当同时刻制数量比较多的剪纸时，在刀法的运用上，要切不要划，切出来的剪纸比划出来的剪纸要显得厚实。用刀时必须要像手拿钢锯一样，上、下来回切动，用力要刚劲、均匀，否则，刀在千里就会失去灵活性。注意不要左右来回摆动，握刀上下必须垂直，刻出的剪纸才会准确。在剪纸时，下刀和起刀必须做到准，特别是在刀与刀们连接的地方，说下就下，说起就起，否则，线条就容易被刀刻断或者刻不断而把剪纸撕坏。

这里的“巧”主要是指运用巧刀刻出的“锯齿”和”月牙儿”。这是剪纸刀法中很重要的两种刀法。这两种刀法运用得恰当，就能形成剪纸艺术独具的“刀味纸感”。

刀法的运用。

下面具体谈一下这两种刀法的运用。

剪纸成品“锯齿”是作者在制作过程中，由于纸和刀的切割移动而自然产生的，它利用锯齿的长短、疏密、曲直，刚柔，钝锐的变比，结合不同物象的'特征，表现它的质感、量感、结构等。

刻植物时，柔和的锯齿纹可以表现它的花果，坚硬的锯齿纹可以表现树的叶子和茎的针刺、毛绒。

刻动物时，细密的锯齿纹可以表现软软的绒毛，刚健的锯齿纹可以表现硬实的鬃毛，圆实半弧形的锯齿纹可以表现禽鸟、鱼虫的羽毛和鳞。

刻人物时，用跳动的锯齿纹可以表现活动的眉毛，胡子，头发，用修长丰润的锯齿纹可以表现小孩丰满的肌肤。

“月牙儿”也是剪刻时自然产生的各种弧形装饰，它以阴刻为主，主要表现人物的衣纹，或破坏大块黑的面积，根据个同物象的特征，形状，可长可短，可宽可窄，可曲可直，能变化出各种不同的类型。

“锯齿”和“月牙儿”这两种形式也往往不同一张剪纸画面中交错运用，使得层次更加分明和富有变化。

从南北朝时期的“对马团花”和“对猴团花“剪纸技法中的锯齿和月牙儿的萌芽出现，经过于百年的历史演变，一直延续，巳成为一种装饰图案的规律被人们所喜爱和运用。

民间剪纸的刀法形式除“锯齿”和“月牙儿”之外，还有诸如花朵、涡纹、云纹和水纹等。

剪纸艺术的种类：

由于各人的观点合乎依据不同，剪纸的分类也不同。例如有人认为用刀刻出来的不叫剪纸，而应该称为刻纸;但是有人却认为追本溯源，古代的剪纸也是剪镂刀刻的，何况剪也有“绞刀”之别称，为何刀刻就不能称为剪纸呢?事实上，剪镂刀刻的痕迹确有差异，其应用的技法也有难易之分，因此，世人认为刀剪并用的作品可统称为剪纸，而纯刀刻的作品仍可称为剪纸，于是剪纸分类上就有剪纸、刻纸之分了。

以纹样分类。

剪纸的纹样大致可以为：人物、鸟兽、文字、器用、鳞介、花木、果菜、昆虫、山水等，还有人提出加上世界珍奇、现代器物两类，共计11类。

又中国剪纸的特点，表现为题材的寓意，所以寓意可作为分来的依据，由此可分为：纳吉祝福、怯邪、除恶、劝勉、警戒、趣味等七类。

以用途分类。

有人认为剪纸的分类应以用途为据，由此可分为：

(1)装饰类：贴于它物之上以供欣赏或增加它物之美的剪纸，如窗花。

(2)俗信类：用于祭祀、祈福、怯灾、怯邪、驱毒的剪纸，如门神。

(3)稿模类：用于版模、印染的剪纸，如绣稿。

(4)设计类：能增加它物之美，或能宣扬它物的剪纸，如电影或电视的片头。

另外也有人认为剪纸应分为三类：

(1)凡是用单色纸剪做的窗花、彩稿(花样子)，称为剪纸。

(2)凡是用彩色纸剪做、经粘贴而成的作品，应称为剪贴。

(3)凡是剪后再填色的作品应称为剪画。此种说法未免含混笼统、似是而非，不仅类同窗花的繁多作品未列入，而且剪画一词释义尚多，不宜据于列类，何况剪而染色的作品将如何归类，实待商榷。

剪纸成品以用纸及制作分类。

还有以用纸及制作分类的，多用于教学之用。它将剪纸分为二类七种：

第一类：单色剪纸。就是用一种色纸来剪做的。又细分为：

(1)折剪类，即将纸折叠后剪，放开后可得一种图案或字型。

(2)迭剪类，即将数张纸重叠在一起，钉牢后再依稿剪之，一次可得数张作品。

第二类：复色剪纸，又称为彩色剪纸。是以数张彩纸分剪后剪拼贴成图;或以白纸依稿剪成，再染填上各种颜色;或先剪成主版，衬以白纸后再染填上各种颜色。细分可为：

(1)衬色类，先用单色剪纸的方法剪做成图，再以彩纸为衬。

(2)套色类，以单色剪纸的方法剪成主版和次版的形象，再另剪色纸贴裱在主版需要的部位上;或将画稿所需的各色色纸，重叠在一起钉牢，再沿稿线以次剪成，择取一张为主版，贴裱在衬底上，再将其余的部分添贴在主版之上。

(3)拼色类，即分别用色纸剪成各部分形象，再依图样贴裱在衬纸上;或见各色纸重叠在一起钉牢，再依稿剪成，吻拼于衬纸上。

(4)染色类，即用易于浸渍的白纸或浅色纸剪成各种形象，再逐次染成所需的颜色;或先将纸染色，再剪成形象。

(5)填色类，即先用黑色纸或深色纸剪出主版，裱贴在白纸上，再依稿填涂各种颜色;或用白纸剪成主题形象，裱贴后再填染所需颜色;也有先填色而后剪做的。

(6)磁性剪纸，磁性剪纸在工艺上有手工制作和机器制作之分，手工剪纸又有剪和刻之分。

至于兼用两类方法制作的剪纸，应择其主要的方法归其类别。

美术鉴赏论文

“一个人绝不可以让自己心灵里的火熄灭掉，而是要让它始终不断的燃烧······梵高说。他是荷兰的后印象派画家，他是世界著名的画家之一，他英年早逝，37岁就结束了自己的生命，但是他对二十世纪西方的艺术世界产生了深远影响，他已成为了一个象征。《向日葵》作为他的作品之一，是何等的让人惊叹。

梵高最有名的作品无疑是这幅《向日葵》。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”梵高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的精神情感。梵高作画时，怀着极狂热的冲动，追逐着猛烈的即兴而作，这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。

当你注视这些向日葵油画时，首先注意到它们的外表，它们似乎从一个流向另一个。色彩是那样的明快，强烈地表达了向日葵旺盛的生命力。用亮丽的黄色来表现盛开的向日葵，沉闷的褐色来呈显向日葵的萎蔫和死亡；整个发展过程通过两个极端的对立面被表现出来。也许这种特别的表现手法被采用在油画里；通过观查生命的各个层面，以深刻的理解来表达所有生命是如何联系在一起的。梵高在自己绘画的成熟期创作了《向日葵》这幅作品，画面上朵朵葵花夸张的形体和激情四射的色彩，使人头晕目眩。他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵。花蕊画得火红火红，就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般。画家用奔放不羁、大胆泼辣的笔触，仿佛使其中的每一朵向日葵都获得了强烈的生命力，在这里你用“栩栩如生”来描绘这些向日葵，已经显得软弱和浅薄，因为那火焰般的向日葵仿佛是一朵朵燃烧的生命，画家赋予它们一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。有人说这是“梵高的向日葵”，因为那是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，就如同没有曹雪芹就没有《红楼梦》一样，没有梵高就肯定没有梵高式的《向日葵》。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。梵高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样：“关于‘艺术’一词，我找不到比下述文字更好的阐释：艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。

作为一位用生命创作的画家，梵高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。天才的艺术家往往能在某个领域树立起划时代的艺术高峰，后人只能膜拜，绝不可以企及，梵高亦是如此。《向日葵》可以说是梵高的化身了。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如像向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。

《向日葵》是世界最名贵的二十幅画之一。梵高作画时，怀着极狂热的冲动，追逐着猛烈的精神保留至今。后来的法国的野兽主义、德国的表现主义，以及20世纪初出现的抽象派，都曾经从梵高的艺术中汲取了营养。他对西方20世纪的绘画艺术产生了深远而又广泛的影响。《向日葵》可以说是融入了梵高的生命。模糊的，隐约的，朦胧的，说不清道不明。梵高的生命力，也许一样充斥了这种忽隐忽现的，说不清道不明的感觉吧。强烈的思绪，也许自己都未曾发觉，并没有刻意去雕琢，而生命灿烂的气息就在不知不觉中弥漫画布，最后，会诧异自己笔下的那些舞蹈的色彩，舞蹈着的对生命渴望，舞蹈着的光芒。这其实就是《向日葵》。不管怎么说，梵高的向日葵油画已经改变了人类对生命和艺术的观念。这些油画只用了纯碎的美就深深地吸引了你的注视，并震撼了你的心灵。你可以注意到，流畅的萎蔫的情绪及可爱的黄色的张力，在这幅向日葵画里是那么的和谐，它们并没有破坏整幅画的平衡。梵高的向日葵油画常常被复制，但从未有人达到梵高完美的境界。

凡高是一位最令人怀念和感动的画家，他的悲剧性的生涯，造就他那与众不同的传奇色彩。1972年荷兰政府建立了凡高美术馆，更是这位一生穷困悲惨艺术家的无上荣耀，而他的画也同他多姿多彩的生涯一样，引起人们的兴趣和热爱，获得崇高的评价。他的画，的确耐人心赏，也让人感动，带给我们感受到仿如亲眼看到一个新鲜而更美丽更有意义的世界，几乎重现凡高生前所到之处及所见景物，让我们从中体味和认识这位19世纪产生的伟大悲剧人物的艺术心灵。

《向日葵》是一幅震撼人心的油画。鉴赏梵高的《向日葵》，不仅仅要去了解梵高的一生，更要去感受向日葵的生命意义，虽然短暂，但是活得灿烂。人的一生就应该像向日葵一样灿烂的微笑。

美术鉴赏论文

大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。

有生即有情，有情即有艺术。故艺术非专科，乃人所本能；艺术无专家，人人皆生知也。晚近世变多端，人事繁琐，逐末者忘本，循流者忘源，人各竭其力于生活之一隅，而丧生其人生之常情。于是世间创立“艺术”为专科，而称专长此道者为“艺术家”。盖“艺术”与“艺术家”兴而艺术始衰矣！出“艺术”之深宫，辞“艺术家”之尊位，对稚子而教之习艺，执途人而与之论美，谈言微中，亦足以启发其生知之本能，而归复其人生之常情。是则事事皆可成艺术，而人人也皆得为艺术家。著名艺术家丰子恺先生的这段话讲的非常深刻，艺术应该是属于全民的。而现今艺术的创造却被集中在艺术家身上，这并不利于大学生们艺术素质和审美观的提高。普通高校加强美育，主旨是在“育人”，是要教育学生逐步树立马克思主义的审美观。审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。由此可知大学生学习美术鉴赏课程对于大学生素质的培养有着非常重要的作用，所以就更应该实现美术鉴赏课程在大学里的普及。这里的普及不能单单只是书本、字面上的普及，而是真正让大学生实现在精神上的普及，真正的了解学习美术鉴赏课程的意义，这就需要我们大学生能真正的看透一些问题。那么以下这些问题能够帮助我们更好的认识到学习美术鉴赏这门课程的必要性。

标志。它继承和发展着人类的文明成果，传播、保存、融合、发展着民族的文化，是民族形成、生存及发展的生命机制。美术教育作为一种精神生产，对人们的社会心理、风俗习惯、道德规范、文化传统有至关重要的影响，成为整个文化建设的基础。

二、美术鉴赏课对大学生的全面而深刻的影响体现在哪些方面呢？首先它表现在以美引善蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因为作为“美育”的重要载体之一的美术有辅助道德进步的教育功能。大学生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自发形成的，而是在社会、家庭，特别是在学校教育中形成和发展起来的。美术鉴赏课就是学校的教育课程之一。人的道德理想、道德认识、道德情感、道德行为建立在审美的基础之上，并以美作为追求的价值取向。在思想道德素质养成过程中，美术鉴赏课把中外美术精品直接呈现给广大学生，使他们产生“直观”的美感。“审美带有令人解放的性质”，能使人的主体性得到美的提升，前苏联教育家霍姆林斯基说过：“美是人的道德财富的源泉。”高校的美术鉴赏课是普通美术教育工作在高校的一种延续，是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。这种审美教育是通过鉴赏美术作品的意境、线条、色彩、构图、肌理、空间及作者创作背景等完成的，它可以把高度发展的社会理性转化为直观的、生动的感性形式，其中蕴含的政治思想内容、伦理道德内涵，均使受教育者在提高审美感受、表现能力的同时，心灵得到净化，道德情操得到升华，从而达到崇高的精神境界。生动的艺术形象和直观的构思，给青年学生以启迪、以感动，从美术作品中感受到美，精神上获得愉悦和满足，同时也在潜移默化中获取了很多人文知识，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和谐的发展。其次就是就是表现在以美启真素质教育应以培养学生的创新精神为重点。

好的美术作品，可以充分发挥学生丰富的想象力。爱因斯坦曾说过，想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。美术鉴赏可以使学生感知、注意、记忆联想、幻想、创造等思维能力得到发展。通过作品的鉴赏，可以提高学生的视觉感知能力，对各种色彩的象征义和引申义的理解会更加敏锐、协调，可以这样认为，美术鉴赏具有启迪智慧的作用。美术鉴赏的过程是一种视觉思维的过程，也是鉴赏者审美创造的过程。它是鉴赏者通过对艺术家创造的艺术品的感受、想象、体验、理解和鉴别等一系列视觉思维活动，通过对艺术作品的欣赏，从而达到开阔视野、扩大认知领域，提高艺术素养和审美能力的目的。

在美术鉴赏过程中，由于鉴赏者面对的是富于启发性的典型视觉形象，所以会自然地唤起种种有关的联想和想象。在联想和想象的作用下，通过特定艺术形象可以感知和认识更为丰富的内容。中国古代诗论中就有“象外之象，景外之景”之说，宋代诗人梅尧臣要求“作者得于心，览者会以意”。中国画的留白处理，正是留给鉴赏者想象的空间，这是鉴赏者对艺术作品再创造的过程。艺术作品不管表现得多么完整、具体，都留有广大的想象空间，这些空间需要鉴赏者通过联想和想象去丰富和发展，使鉴赏者形象思维能力得到进一步的培养与提高。

创造力的培养是素质教育的核心，美术鉴赏正适合这种创造心理的培养，尤其在美术鉴赏过程中对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维的训练，能在潜移默化中帮助学生开拓视野，培养学生具有丰富的空间想象力，开启思维的深度和广度。再次表现为以美怡情美术鉴赏对学生身体素质的提高大有裨益。如鉴赏古希腊雕塑《米洛斯的维纳斯》时，引导学生围绕人体美的标准进行讨论，通过美术鉴赏课帮助学生认识美的时代性、阶级性和多层次性，并转而欣赏“维纳斯”的古典、和谐、健康、自然之美。

美术鉴赏对学生健全心理素质也是至关重要的。美术鉴赏课对学生进行心理素质教育的进程中，首先要培养学生的爱美心理，使他们对美有一个正确的认识和概念，学会欣赏美、鉴赏美、表现美。优秀的美术作品都是作者对自然、人生和社会的理解，是创作者心灵的表露，所以在美术鉴赏中，广大学生可以通过艺术作品这一媒介与作者进行心灵对话，使自己的心灵得到熏陶、感染、净化与提升，从而使学生的认知心理、情性心理、社会心理得到和谐发展。

总之，美术鉴赏中的各个方面、各个环节无一不关联着素质教育，关联着大学生自由和谐的发展。所以我们就要更加强调大学生学习美术鉴赏课程的必要性。主要是逐步树立马克思主义的审美观。审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。

如何鉴赏中国画

艺术鉴赏论文

李白此诗极力渲染“蜀道之难，难于上青天”。他为什么忽然想到这个题材，为什么做这首诗，对于这一疑问，历来就有好几种解说。

唐人王定保的《摭言》首先记录了这首诗的故事。李白初到长安，去拜访贺知章。贺知章是玄宗皇帝器重的诗人，他读了李白这首诗，十分赞赏，夸奖李白有“谪仙之才”。接着，孟棨所著《本事诗》也说：李白从蜀郡到京师，住在旅馆里。贺知章闻其名，首先去拜访他。看到他的状貌姿态，大以为奇。又请他拿出著作来看，李白就把《蜀道难》取出来请教。贺知章读后，赞不绝口，称他为“谪仙”。这两段都是晚唐人的记录，大同小异，可知当时人以为李白作此诗是描写他从蜀郡出来漫游时的行旅艰苦，又可知李白作此诗的时候相当早。李白到长安，在开元、天宝年间，此诗大约作于开元末年。

《新唐书·严武传》说：严武在蜀中，任剑南节度使兼成都尹，骄恣放肆。其时房琯在他部下任刺史。房琯做宰相时，曾推荐严武。后来房琯因得罪降官，做了严武的下属，可是严武对他却极为倨傲。其时杜甫在严武幕府中，任节度参谋，因为误犯了严武的父亲挺之的讳字，严武几乎要杀他。李白得知此事，遂作《蜀道难》，为房、杜二人耽忧。《新唐书》这一段记载是从唐人范摅所著《云溪友议》中采录的，可知唐代人对《蜀道难》的写作背景，还有这样一种说法。宋祁、欧阳修把这个故事写入了官方正史。就肯定了它的正确性。但严武任剑南节度使，是在肃宗末年。请杜甫任节度参谋，是在肃宗的最后一年，即宝应元年(公元七六二年)。这年的十一月，李白便故世了。当时李白远在江东，似乎来不及知道房琯、杜甫在严武部下的情况。而且从杜甫写赠严武的诗来看，他们二人间的关系未必坏到如此。因此，如果说《蜀道难》是为房琯、杜甫二人的安危而作，在时间与史实上都有矛盾。

李白诗集有元人萧士贇的笺注本，他对《蜀道难》提出了新的解释。他以为这首诗是作于安禄山叛军攻占长安，明皇仓皇幸蜀的时候，即天宝十五载(公元七五六年)六、七月间。当时李白在江南，听到这个消息，以为皇上幸蜀不是上策，“欲言则不在其位，不言则爱君忧国之情，不能自已，故作此诗以达意。”

美术鉴赏论文

鉴赏是小学美育的灵魂，是打开儿童美丽心境的钥匙。一个对生活充满热爱、对生命充满理解和尊重的人，总是会从不同角度去鉴赏，发现美和价值，这在教育中是一种真正的、充满智慧的大教育观。在小学美育中，鉴赏更是必不可少，范围也是非常广泛的，课堂教学的艺术鉴赏课外教材的补充鉴赏，兴趣爱好的培养鉴赏，人才的赏识教育，从一幅画，一节课，一本书，一个人，一个国家都有他值得鉴赏的魅力。下面我来谈谈鉴赏教学的多种形式。

任何美术作品都不是孤立存在的。不是真空的产物，都是在特定的历史文化背景中创造出来的。因而在进行美术鉴赏教学时，不能单纯地讲技法，而要将作品回归到原有的历史环境中，回归到特定的文化情境中，让学生真正体会到作品所要表达的人文含义。

教师可介绍作品产生的时代背景和相关的历史故事，加深学生对作品内涵的理解。如青铜器、秦俑体现了中华民族的民族精神，中国山水画体现了意境和神宗意识，古希腊艺术体现了崇尚理想与科学的精神，文艺复兴时期艺术作品体现了人文主义思想。在鉴赏中国古代山水画时，可以放一段中国古筝名曲《高山流水》，一方面能够集中学生的注意力，另一方面能够促使学生理解山水画的意境。有时还可以选择一些具有文学情节的作品供学生鉴赏，如在鉴赏齐白石的作品《虾》时，教师可以轻声吟起齐白石的诗：“塘里无鱼虾自奇，也从荷叶戏东西；写生我懒求形似，不厌声名到老低”，帮助学生体会作者创作时的心态，尽快融入到作品的情境中来。

伟大的教育家苏霍姆林斯基曾经说过：“没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”可见，生活是艺术创作的源泉。生活中的美术现象俯手可拾。在美术教学时，可以密切联系学生的生活经验，把课内与课外、校内与校外结合起来，创造出一个宏观意义上的美学情境。我们可以带领学生到校园中走走，让他们分析、评论校园建筑的布局和特色，找自己感兴趣的建筑进行全方位观察。如果有条件，我们还可以带学生参观当地的美术馆、博物馆、宗教寺庙、园林、民居；或者来到野外，那初升的太阳、绚丽的晚霞、雨后的春笋、雪中的高楼等绚丽多彩的大自然会牵动着儿童的心，为美术教育提供极好的营养品。打破教师对讲台的垄断，打破教科书对课堂的垄断，开放课堂，提供多元化选择，以真正适应课程改革的需要。比如《校园小记者》书本要求学生出一期校园小报，学习艺术字。我要求学生当一次真正的小记者，走出课堂，采访学生和老师，以亲身经历来积累资料和经验。在实践中体会艺术的真谛。

人类以眼睛、耳朵、皮肤、鼻子等多种感官去感受美，这在以美育人的美术教学课堂中尤为重要，因此应利用多种途径加以调动。例如：精美的挂图、优美流畅的语言、生动形象的表情、优雅的举止、得体的服饰、悦耳动听的音乐等等，形成了美的教具、美的语言、美的表情、美的服饰、美的音乐、使美无处不在，美贯穿始终，让学生感到上一节美术鉴赏课就是一种美的享受，在潜移默化中受到美的熏陶。

学生鉴赏美术作品所得到的感受肯定是见仁见智的。不过，由于受经验和能力所限，他们的看法也许是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我们就应该给予尊重和认可，不必强求统一。现代美术教学非常重视让学生表达自己的感受，我们一定要有意识地为学生创造这种机会。

课堂是交互式的主平台。教师可引导学生在鉴赏过程中讨论，在讨论中鉴赏，可以从对作品的题材、主题、造型要素与形式等进行讨论，还可探讨作品的风格，内涵，即感情、观念、思想等。鼓励学生在个性的基础上大胆地表现，发表自己与众不同的见解。积极创设生动和谐的氛围，展开想象的翅膀，发挥创新的潜能，做到敢想、敢说、敢做、敢画，培养学生的创新意识。

计算机可以将课件制作水平提高到一个新的水平。如在教学中，对于点、线、面、体的理解，以前只能枯燥地讲解，现在通过计算机的帮助，教师可以成功制作出简易动画，演示点到线、线到面、面到体的整个运动轨迹，并运用在画中的不同位置来观察不同的视觉效果。从而更好地理解作品构图。

美术鉴赏课有很强的直观性，使用计算机辅助教学，通过数码投影仪，就可以将作品清晰地放大展示，让学生在鉴赏课上能够真正地“鉴赏”。

别林斯基说：“美和道德是两姐妹”。从本质上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的审美心理的事物才是真实、高尚、道德的。换而言之，一个人只有接受了卓有成效的审美教育，在其发现美、评价美、追求美的过程中，形成正确的审美评判标准，才可能成为一个高尚的、有道德的时代新人。因而，在美术教育中渗透思想品德教育，是不可推卸的责任。教师应根据鉴赏作品所蕴含的丰富的内涵，挖掘和强化作品中的德育因素，将思想品德教育、行为规范教育、人格情操教育、理想和人生观教育有机地结合到教学活动中，以实现“教书育人”的最终教学目的。

当然，在艺术教育中不仅有教师对于学生美术鉴赏的教育，更有对于学生个人的鉴赏，对人的鉴赏，远比一副艺术作品的鉴赏更具有前瞻性，我们教育的根本是人，推动社会发展的也是人，学生就是我们国家未来的希望，世界的未来主人，因此，人才的培养就是对人的鉴赏，先鉴赏，后发展，是如今教育界流行和倡导的理念，“鉴赏”不仅仅是“爱”，更是信任、尊重、理解、激励、宽容、提醒。通过鉴赏教育，帮助学生找到学习、生活乃至未来发展最合适的位置，让他们将自己的个性和潜能发挥到极致，获得生命的乐趣。

徐悲鸿国画鉴赏

舞蹈鉴赏论文

指导老师:姓名：学号：专业班级：四周的《舞蹈鉴赏》课很快的就结束了，在王老师的教导下，我愉快地学完了这门选修课。老师在课堂上给我们讲了许多有关舞蹈的知识，还放了许多经典舞蹈的视频，而且教我们跳一些简单的舞蹈，课堂气氛很好，我感到学习这门课程感到很轻松很愉快。我不会跳舞，但我觉得舞蹈这门艺术很伟大，有时候语言显得最低级，而舞蹈可以让我们达到一种心领神会的境界，无声胜有声。王老师让我们写一片课堂上给自己留下印象最深的一段舞蹈的感悟，是的，课堂上很多片段给我留下了深刻的印象，阿宝的成长、千手观音背后的故事„„我本打算写阿宝，我上网搜了很多资料。但是，从内心来讲，我更想写一些自己对舞蹈的认识，在网上搜了些资料，也在图书馆借了一些书看，最后汇总了一下，下面这些是我在搜集资料的过程中我感觉对我有价值的，另外还有我的一些心得体会。

艺术是人类审美活动的大家族，它的成员有文学、美术、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、杂技等。各个门类的艺术都是反映社会生活和表现人们思想感情的。舞蹈是八大艺术之一，于时空中以身体为语言作“心智交流”的人体的运动表达艺术，一般有音乐伴奏，以有节奏的动作为主要表现手段的艺术形式。它一般借助音乐，也借助其他的道具。舞蹈本身有多元的社会意义及作用，包括运动、社交/求偶、祭祀、礼仪等。

作为艺术之一的舞蹈，同样是一个非常广阔的天地，它也是由各个不同种类、不同样式、不同风格的舞蹈所组成的。根据舞蹈的作用和目的，舞蹈可分为生活舞蹈和艺术舞蹈两大类。生活舞蹈是人们为自己的生活需要而进行的舞蹈活动，包括有：习俗舞蹈、宗教祭祀舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、体育舞蹈、教育舞蹈等。艺术舞蹈则是为了表演给观众欣赏的舞蹈，包括有：古典舞蹈、民间舞蹈、现代舞蹈、当代舞蹈和芭蕾舞等。

舞蹈欣赏，是人们观赏舞蹈演出时所产生的一种精神活动，是对舞蹈作品的感受、体验和理解的整个过程。观众在欣赏舞蹈作品的过程中往往会联系自己的生活经历，引起情感上的共鸣，激发起记忆中有关的印象、经验。人们进行舞蹈欣赏这种舞蹈的审美活动，首先必须具备一定的主观条件，也就是说要具有一定的舞蹈知识、舞蹈欣赏水平和认识能力，舞蹈欣赏活动才能正常和顺利的进行。这正如马克思所说的那样：“如果你想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人。”“只有音乐才能激起人的音乐感；对于不辩音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义，音乐对它说来不是对象„„”所以，我们了解舞蹈艺术的特性、舞蹈和其他艺术的关系、舞蹈形象构成的各种因素，舞蹈是以经过提炼、组织、美化了的人体动作为主要表现手段，表现人们的情感和思想，反映社会生活的一种艺术。从舞蹈作品诉诸于欣赏者的感觉特点来看，它是一种综合了听觉(时间性)和视觉(空间性)的表演艺术。

舞蹈作为一种最古老的艺术，它的源头来自哪里呢？据艺术史学家的考证，人类最早产生的艺术就是舞蹈。在远古人类尚未产生语言以前，人们就用动作、姿态的表情来传达各种信息和进行情感、思想的交流。以后由各种声音发展成为语言和音调以后，才相继产生了诗歌和音乐。在劳动中，由于制造工具，人的手逐渐变得灵巧起夹，又诞生了绘画和雕刻。随着人类的进化，思维能力和认识事物水平的提高，曲艺、小说、戏剧等艺术才相继被创造出来。关于舞蹈的起源，众说纷纭，各有各的道理，但又都不十分完整和全面，因为舞蹈活动是人类生活中的一种社会现象，它的起源和世界上的一切事物的构成一样都不是单一的，而是有着多种因素的，所以人们主张“劳动综合论”，即：舞蹈起源于人类求生存、求发展中劳动实践和其他多种生活实践的需要，如果再详细一点来说，舞蹈起源于远古人类在求生存、求发展中劳动生产(狩措、农耕)、性爱、健身和战斗操练等活动的模拟再现，以及图腾崇拜、巫术宗教祭祀活动和表现自身情感思想内在冲动的需要。它和诗歌、音乐结合在一起、是人类历史上最早产生的艺术形式之一。

自人类诞生以来，创造了许多经典的舞蹈，例如柴可夫斯基创作的伟大的芭蕾舞剧《睡美人》、《胡桃钳》和《天鹅湖》，中国的经典舞蹈《霓裳羽衣舞》、《春江花月夜》和《踏歌》等，这些舞蹈都给人一种美的享受。相比与外国舞蹈，中国舞蹈有自己的特征。第一，载歌载舞。中国的民间艺术自古以来就有载歌载舞的传统，如汉族北方的秧歌，南方的《采茶灯》、《花灯》，满族的《莽式》，维吾尔族的《麦西来普》，藏族的《弦子》，这些都是载歌载舞的民间舞蹈。第二，广泛利用道具。这些道具有：手绢、扇子、花绸、头上戴的帽子、面具、腰里绑的腰鼓、腰铃、脚踏的高跷，以及各种道具如：伞、灯、刀、剑、棍等。第三，形象鲜明、情节生动。中国的民族舞蹈一般都以一个故事为依据，舞蹈刻画的人物形象生动，活灵活现。第四，自娱与表演的统一。

心得体会。舞蹈作为一门古老的艺术，在人类的历史中始终都在艺术领域中占据着重要的地位，它和人类的生活、思想和文化已经融为了一体。虽然我对舞蹈没有太深的了解，但我可以感觉到舞蹈演员背后所付出了巨大的艰辛和努力。正是他们的付出，我们才有幸欣赏到那么多优美的舞蹈，尤其是《千手观音》这个舞蹈，可以让我们深刻地感受到这一点。世界上没有随随便便就能创造出的伟大，伟大的背后必然是不断的付出和不懈的努力，阳光总在风雨后。当我们在欣赏哪些伟大舞蹈时，我们不要只是感叹于它的唯美，也要想到优美舞蹈背后的东西，用舞者的汗水来点燃我们生活的激情，用舞蹈的精华来滋养我们的生命。

最后，很感谢王老师的教导，通过这门课程的学习，我对舞蹈的认识和欣赏能力提高了很多。在以后的生活中，我也会更多的去欣赏经典的、优秀的舞蹈，来提高自己的舞蹈修养！

艺术鉴赏论文

现如今，舞蹈艺术鉴赏教育已受到全社会的普遍关注。舞蹈艺术鉴赏不再是各校“装点门面”的可有无的课程，它将会不断地发展与完善，为祖国培养更多的全面发展的高素质人才。

当前全国的许多高校都不同程度地开设了舞蹈鉴赏课选修课程。这些课程的开设对于陶冶学生情操、挖掘学生想象力和创造力有重要作用，受到同学们的普遍欢迎。然而在实际过程中，教学效果并不尽如人意，这主要有以下三个方面：

（一）在课程设置上不够重视。

虽然大多数院校已将舞蹈鉴赏课程列入到选修课范畴中，但实际上却要求学生任选一门以上的艺术类选修课。而对于学生进行艺术教育应该是一个循序渐进的过程，不分情况地要求学生选多门艺术类课程只能是蜻蜓点水式的教学，效果微乎其微。这说明了高校对舞蹈鉴赏课程还不够重视，客观上也使学生在心理上视这类课程为可有可无。

（二）教学方法死板。

在舞蹈艺术鉴赏教学中，大多数教师仍然采用单一的传授式教学，这种传统的教学方法，剥夺了学生在课堂上的主体性地位，不利于学生主观能动性的发挥和创新精神的培养。

（三）学生兴趣不高。

学校的舞蹈鉴赏选修课，到课的人往往一开始特别多，到后面越来越少，就是去的也是为了应付教师点名，这种现象十分普遍。说到底，还是学生对这个课程不够喜爱。激发学生的学习兴趣，是解决课程困境的重要途径。

二、如何开展高校舞蹈艺术鉴赏教育。

（一）改革教学内容，与时俱进，开拓创新。

知之者不如好知者，兴趣是学习的基础。要激发学生的学习兴趣，在题材上的选择上，要尽量选择贴近学生、让学生容易理解的作品；在流行元素的选择上，应有选择性地介绍街舞、爵士舞和拉丁舞能对学生胃口的元素；也可以让学生学习一些简单的舞蹈语汇。舞蹈鉴赏课程教学内容的选择在精不在多，在于理解不在于盲从。要从易到难，循序渐进，投学生所好。

(二)注重学生鉴赏能力和审美能力培养。

课堂教学毕竟是有限的，“授之以鱼不如授之以渔”，舞蹈艺术鉴赏教育要把培养学生自学获取新知识的能力放在首要位置。

一方面，要丰富鉴赏的审美知识储备。舞蹈是一文化现象，对其鉴赏不能只停留在形式上，而应该从文化内涵上领略舞蹈艺术的美。要掌握一些基本的鉴赏方法。如族的《龙鼓舞》是青海省原始祭祀舞蹈，每年六月跳神会时祭祀神灵、驱灾避邪。离开这个一层文化内涵，便无从知道此舞蹈美在何处。

另一方面，加强大学生对舞蹈意境想象的训练，掌握舞蹈的动律与构图。舞蹈构成有三个：动律、构图和舞情。情感是舞蹈的灵魂，动律和构图是为舞情而存在的。原始图腾崇拜的舞蹈所以不朽，是因为它的每一个节律都充满了极端狂热的，而又无比虔诚生命情调。因此，在对舞蹈意境展开想象和联想之前，要引导大学生对其中的`情感进行反复体验。

（三）舞动肢体，结合实践领悟舞蹈魅力。

与单纯鉴赏的传统模式相比，师生间进行互动显然能提高学生的主动参与性，提高教学效果。尽管舞蹈艺术鉴赏是理论课，但是“动”是舞蹈的精髓。在讲到不同舞种的特点时，我们可以安排教一些简单手位及具有代表性的动作，把舞蹈知识与动作结合起来，让学生亲身体验舞蹈的魅力。

三、高校开展舞蹈艺术鉴赏教育的意义。

（一）社会意义。

1.传承民族文化，促进与世界的交流。舞蹈是民族的也是世界的，舞蹈能充分展示人的生命与心灵之美，是无国界的语言。舞蹈鉴赏对民族文化传承有着重要作用。通过对本土民间舞蹈的选择，能够培养学生善于发现本土民间艺术的慧眼，保护本土民间艺术，形成关注本土民间舞蹈文化的良性氛围，从而促进本土民间舞蹈传承和发展。而了解外国舞蹈，又能感受到异国风情，增长见识，促进彼此的了解。

2.体现素质教育，为社会培养文化型、创新型人才。当代的教育目标在于培养德、智、体、美、劳全面发展的的人才，舞蹈艺术鉴赏教育属于美育范畴，它对大学生综合素质的提高具有重要意义，从而为社会培养具有创新精神和实践能力的高素质人才。

（二）个体意义。

1.培养审美能力，完善文化修养。

人类的文化包括文字文化和非文字文化。应试教育忽视了学生对非文字文化的学习，使专业知识丰富的大学生却成了新一代的文化弱者。君不见高校文艺演出时演员们激情飞扬，而台下的观众却一片麻木。这并不是他们不热爱艺术，而是他们缺乏必要的艺术鉴赏能力。而舞蹈艺术蕴含着丰富的文化内涵、人文精神和美学、哲学思想等，是弥补大学生文化缺陷的最佳科目。

2.增强学生的智力，激发学生想象力和创造力。

斯佩里博士对人的大脑进行割裂研究发现，人的左脑负担抽象思维活动，右脑掌管形象思维活动。开发右脑可以提高智力水平。我国著名的艺术心理学研究者平心先生研究发现，热衷于舞蹈的大学生的智商明显比城市一般人口的智商高很多。

3.净化心灵，培养积极的心态和良好的情操。

舞蹈通过优美的人体动作、造型和表情陶冶人的心灵，提高人的思想境界。一部优秀的艺术作品是能够深深打动人心的。以舞蹈《中**亲》的欣赏为例。一开始，那形体的张力、那音乐的激愤，使同学们仿佛身临其境地重温起那个年代的国仇家恨的苦难。中国妈妈对侵略者恨入骨髓，却最终收养了敌人的婴孩，那种反复的矛盾和挣扎给人以强烈的艺术震撼。音乐又低沉转为轻快，慈爱而勤劳的中**亲终于辛辛苦苦地把日本的婴儿拉扯大了，她告诉孩子身世，含泪送她回去寻找亲身父母。从这部作品中我们可以领略到什么是真、什么是善、什么是美，懂得博爱和宽容的力量。

4.促进内外美统一和举止得体。

舞蹈是以人体作为主要表现手段，懂得舞蹈美的人处处都能体现姿态美。作为高层次的“文化型、创新型”人才，大学生应该是有更高的审美修养的，他们的气质、情感、涵养、风度、形貌、言谈举止的各个方面都应比一般人更得体。当教师用优秀的作品展示着美丽异域风情和古老的传说时，学生步入舞蹈艺术的世界，就明了了人体语言的美妙，促进了内在美和外在美的统一。

参考文献：

[1]王德胜．美学教程[m]．人民教育出版社，．9l。

[2]黄明珠．中国舞蹈艺术鉴赏指南[m]．上海：上海音乐出版社，

音乐鉴赏论文

摘要：初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。

关键词：音乐乐感音乐鉴赏教学导入对比教学。

初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。

一、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的原则。

音乐教学具有其自身的独特性，与语言类学科相比，音乐学科更重视学生的个人兴趣。同时，它还需要学生投入更多的实践以及长久的训练。首先，音乐学科通过更加直白且明确的方法表达个人情感。学生在学习的过程中需要置身于不同音乐曲目所提供的场景之中，真实感受其所表达的感情。只有这样学生才可以更深刻的体会音乐的魅力。这种方式只是学生个人的感官感受，非专业音乐欣赏者亦可以做到。然而音乐教学则是通过理论教授学生怎样更好的体会音乐的美妙，以及怎样从一个专业的角度评价不同音乐。由此可见，理论教学在音乐教学中的重要性。与此同时，教师在教学过程中不可忽视的是学生的相关实践。音乐教学的实践性极强，学生只有通过实践才可以更深刻的体会相关情感。学生通过自主创作以及练习相关音乐技巧，从而可以更好的体会乐曲炫技之处。

二、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施。

1。合理导入教学。

好的开始是成功的一半。而音乐教学在很大程度上对学生个人的.投入度有着一定的要求，这就更突出了音乐教学中教学导入的重要性。随着社会的发展，学生更加注重张扬个性，对于音乐、美术等学科的兴趣更大，然而理论教学毕竟存在一定的枯燥性。因而出现了众多学生对音乐非常感兴趣却不愿意上音乐课的现象。初中学生由于学业的压力等原因，在音乐课上的积极性远不及小学生来得浓厚。这就要求我们的教师注重运用有吸引力的手段进行教学。因此，教师如何引导学生正确的上音乐课，以及在教学过程中保持学生的注意力都是十分重要的。合理导入教学就是指教师利用学生的兴趣点引导学生更快的进入教学情境之中。

首先，可以利用传统的教学导入方式，例如讲故事以及成语典故等方式。故事有一定的曲折性，好的故事对学生有着重要的吸引力。学生可以跟随音乐故事的情节，走入故事中感受故事主人公的心情，从而更好地对相关音乐更加感兴趣。而成语典故则包含了一定的故事性以及相关传说等，更是传达了先人为人处世的道理等。向学生讲述成语故事对学生的长远发展也有着不可言喻的重要作用。同时，很多成语故事是学生在日常生活中常见常听的，教师讲述其中的典故更加可以吸引学生的注意力。其次，教师还可以运用游戏教学法导入引领学生更好地进入音乐课堂。初中生毕竟具有一半儿童爱玩的天性，教师在教学过程中不应该视之如猛虎，而应该正视它。只有这样才可以看到其本质，并进行合理利用。教师可以利用一些音乐小游戏培养学生的乐感，增加学生对音乐课的兴趣，这样学生就可以更加主动的进行音乐学习。同时教师更应该与时俱进，积极利用当前的先进技术进行导入教学。

2。运用对比教学。

对比教学是教师培养学生音乐鉴赏力的一种重要手段。所谓对比教学是根据一定的标准将两件事物进行一定程度上的区分。这种方法很好的培养学生独立思考的能力，以及表达个人见解的能力。音乐的对比教学法则是教师在教学过程中运用多种手法教授学生从各种对比因素分析音乐。不同音乐在音乐家的创作、演奏以及相关技巧方面也存在极大的不同。因此教师应该合理运用音乐对比教学法帮助学生全面提高音乐鉴赏能力。

首先，可以将同一音乐作品的不同演绎形式进行对比。尤其是经典作品常常会被后人进行改编或者运用不同的乐器予以演绎。然而，为什么要这样改编，改编之后的作品与前人的作品相比有什么有点与不足。教师可以引导学生从这些不同的方面以及各种角度进行分析判断，从而得出新的结论。

其次，教师还可以引导学生将不同的作品进行对比。不同主题不同类型的作品在演奏过程中的要求必然存在不同。一些炫技性的作品与注重情感宣泄的作品在表面看来是极为不一样的，但是其实质却有着本质的相同。而这些需要学生经过实际对比、思考才会真正总结出来的。《野蜂飞舞》与《春江花月夜》在很多方面有着不同。它们的主题、传达的情感已经以及演奏方式等都存在着极大的区别，然而就本质而言，它们都传达了作者内在的情绪。说到底，这两部作品在抒发作者情感这一作用上起到了殊途同归的效果。这种效果是怎样渲染出来的，学生必须通过自己的深刻思考才可以得出。不容置疑，学生这种对比性思维模式则需要教师的引导。

3。运用多媒体教学。

随着计算机多媒体的不断发展，网络技术已经深入到人们社会生活的点点滴滴之中，在教育界尤甚。音乐教师应该合理利用这一资源进行音乐教学，以便更好的帮助学生培养音乐乐感以及相关音乐鉴赏能力。互联网将世界联系成一个整体，从某一种程度上来说实现了世界资源的共享。这就很大程度上方便了教师对这些资源的收集利用以及创作型改编。教师在教学的过程中合理利用相关资源，利用创造性思维帮助学生，必然可以收到较好的教学效果。

当教师进行教学前，应该教会学生演唱相关作品，只有熟悉了相关旋律之后，教师才可以更好的带领学生领会其中的乐感并进行一定程度上的鉴赏。学生通过亲生感受可以从感性上体会相关情感，把握其中的主题。随后，教师则通过理论知识加以分析，使学生从理性上更深刻的认识相关音乐主题。

三、总结。

随着音乐的不断发展，音乐的教学方法更是多种多样。初中生的音乐乐感不是一朝一夕就可以练就的而是需要教师耐心培养。而音乐鉴赏能力更是音乐学习过程中的一种高要求，并不是人人都可以很好的鉴赏音乐的。这就要求我们的教师在教学过程中多下功夫，科学有效的帮助学生进行音乐学习。只有这样学生的综合能力才可以得以提升。

参考文献：

[1]林南国。初中生音乐教学[m]。上海：音乐出版社，2005。

[2]王俊刚。音乐感受力以及鉴赏力的培养[j]。四川：人民出版社，2009。

[3]洪科。论培养学生音乐鉴赏力的基本方法[j]。上海：音乐出版社，2008。

美术鉴赏论文

摘要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。

giuseppecastiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年（1715）来中国传教。最初以传播教义为目的他为了获取传播天主教的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。

郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。

郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。

这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。其特点表现在主要人物具有肖像特征，对人物服装以及背景描绘具体而细致，层层渲染。郎世宁的纪实画不仅在绘画风格技法上有所改变，最重要的是在构图上都有别于传统中国画。

郎世宁纪实画的构图中将人马、聚散、景物处理的富有节奏感，体现了画面的虚实、物象的繁复，但又融洽和谐的关系，具有明显的欧洲画风。同时，他在绘画中也尝试从创作中争得自由，尽量避免把近景远景结合在同一个画面中，纪实画多采用宏观远视的方法，不仅使整个画面感觉有纵深感，还使人物和周围的环境符合实际比例，同时兼顾了中国人的视觉习惯又不违背西方人的作画习惯。

在花鸟走兽类绘画作品中，《嵩献英芝图》《聚瑞图》《孔雀开屏图》《九犬图》《百骏图》《五马图》《柳荫双骏图》《万卉同春图》《仙萼长春册》等是其主要代表作。在绘制这一类作品时，郎世宁发挥了他高超的写生技法，用笔精到，宛然若生，利用西方透视和明暗作水墨画。不管是马匹、树木、水流、土坡，还是花枝、鸟雀等，都非常注重质感的细腻表现。

他在运用西方写生技法画蕴含传统中国元素的作品过程中适当添加了光影处理和明暗交界线的运用，使得花鸟走兽有了栩栩如生、呼之欲出的感觉。

在郎世宁的这类作品中，他更多的是来塑造形体，减弱了笔墨线条独立的审美意义，然而笔墨线条是中国绘画和书法造型的基础，对于受西方绘画影响较深的郎世宁自然难以体会笔墨线条的微妙乐趣，更多的是在意形体结构的把握，所以笔法全无。虽然如此，但是也给予了这个外国人改变中国传统中国画更大的发展空间。这种作画方式使他的画体积感和真实感以及空间感更强。这种有别于传统的绘画技法，是对传统中国画的一种补充，也是一种冲击，在画坛中开拓了崭新的艺术天地。

郎世宁在进入中国前学到的西方绘画特点是写实、写生、忠于自然、忠于光源、忠于黄金分割、忠于人体解剖，力求再现生活；同时，他也被中国画所体现的意境所吸引。因此，他尝试着适应中国的欣赏习惯和宫廷的需要用西法画中国画，郎世宁学习中国画技巧并不断用中西不同的观察方法和表现方法改造传统中国画。

总之，他致力于中西画法的变通与折衷，对传统中国画来说不失为一种很好的突破和尝试。虽然我们可以站在中国传统绘画或西方传统绘画各自的角度来评价郎世宁的绘画，但是我们也应该认识到他的作品所呈现出的这种特殊面貌中中西碰撞的艺术价值。

他的中国画中和了中西方的差异，也在一定程度上改变了中国人的审美趣味，因此要将他的作品放在特殊的历史文化背景下研究，郎世宁的画代表着一种新的审美趣味和一个新的画派，对后人在中国画探索新的技法或表达形式上有所启迪并产生深远而积极的影响。另外，郎世宁曾与中国士大夫年希尧探讨西法透视，并用年之笔撰写了《视学》，这也是一部详细介绍郎世宁西法绘画技巧的理论著作，也是最早介绍西方透视法的著作。而且，郎世宁的油画功底深厚，还给中国宫廷培养了一批学习油画的宫廷画家，对中国传统绘画与西方技法的融合发挥了重要作用。