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音乐
在世界音乐的课堂上讲授地理、民俗等其他知识点时，总有学生怀着质疑的目光问“这是音乐课的内容吗？”好像脱离了音乐本体，脱离了和声曲式的音乐，那还是音乐吗？从世界音乐的许多教材和专著上都或多或少有关于自然环境、历史渊源的章节，然而对其与音乐的关系、渊源的讲解并不多见，其实每一个事物之间的关联都是一张网，互相制约与影响，在世界音乐的课堂上，我建议应加强对以下几个知识点的讲授：
一、加强对自然地理、生存环境的了解。
有关世界音乐的绝大多数专著、教材中，自然、地理知识总是没由来地独成一章，与后面的民族音乐的章节略显脱节。然而事实上，自然环境是人类赖以生存的客观基础，影响着人们的日常生活、娱乐审美等，甚至是绘画、音乐等。尤其是在各民族传统的乐器中，常常可以看到其材质、音响效果与当地风土人情、自然结构的密切关系。例如：在东南亚等气候湿润的适合竹子生长的环境中，当地人民往往就地取材，利用竹子制作出大量的生活用品，甚至是乐器，如流行于东南亚地区的一种摇奏和击奏乐器——安格隆。所以，在世界音乐的课堂上，除了对音乐本体的介绍之外，我们还应介绍当地自然环境对人们性格的塑造，对文化的形成，以及对音乐种类产生的影响，甚至是对音乐审美追求的影响。自然环境不能仅仅作为一个独立的章节，这样既脱离了世界音乐教学的主旨，学生也不容易在这个部分找到认同感，所以此章节其实是非常重要的一环，也是其他音乐学科所匮乏的一面，将整个文化连接起来，让学生对文化的整体把握，更有利于学生的世界音乐学习。
二、加强对建筑史、美术史的了解。
学习音乐专业的学生，应该认识到美术、建筑等艺术文化对音乐的影响。音乐的风格往往不是跳脱于当地的美术、建筑等艺术特征，而是相互影响，如我们所熟知的巴洛克音乐，“巴洛克”一词的原意是指形状不规则的珍珠，是指一种艺术形式，这种艺术风格盛行后，被人称之为巴洛克时期，而这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。“巴洛克”一词最早用于建筑艺术中，批评建筑师把更适用于金盒子和餐具等小物品的装饰用到大型的建筑装饰中。建筑风格特点是规模宏大，大量采用圆柱、圆顶和大量精细甚至奢侈的装饰。巴洛克风格不仅影响了美术而且还影响很多其他的艺术领域，音乐大致承袭了同时期其他的艺术风格，也富有华丽、装饰、壮观等倾向。是来自于建筑，建筑中的雕刻等绘画又常常有乐器的身影，在世界音乐的课堂上，老师应该作为一名引路人，带领学生去探索这条未知的且充满情趣的道路，而不是像导游一样，带着学生走马观花，掠光浮影。世界音乐与各类艺术的丰富内容，应该被进一步地探索发现。
三、加强对历史、战争的了解。
为什么对于学音乐的同学，历史、战争等相关知识也应该有所了解呢，我认为，只有对此民族的前世今生有所认知，你才会明白为什么他的音乐呈现如此的样子。比如北美音乐中的爵士、蓝调，拉丁美洲的雷鬼音乐等，随着流行音乐的大兴旗鼓而被全世界的年轻人推崇，事实上，这些音乐的来源都离不开被当做奴隶贩卖到美洲的非洲黑人，例如：蓝调（blues）就是由美国黑人创造逐渐发展起来的，众所周知，美国黑人的先人都是从非洲贩来的黑奴，从登上美洲大陆伊始，就一直用血和泪书写着黑人的苦难史，直到现在，黑人的饱受歧视、贫苦不堪的命运依然没有结束，一直以来，他们用歌声来倾诉心灵的创伤，听来非常忧愁哀怨，与英语中“blues”（蓝色）一词所带来的“忧郁”情感基调相符合。这样的历史是许多同学没有学习或了解到的内容，增加这个部分的了解后，才能使学生深刻地感受到音乐背后的意义，体会不同音乐所带来的情感体验。才能加深对各民族音乐文化的理解。
四、加强对礼仪、风俗的了解。
各国的不同礼仪风俗除了对人们日常生活产生影响，也影响了对音乐、乐器的产生和使用。一如在东南亚的代表性音乐形式“甘美兰”，单看乐器种类不算丰富，材质也大多是铜质、竹质的打击乐，但其在东南亚最初的使用场合多用于宗教仪式和各种庆典，如巴厘岛的甘美兰乐队常用来作为进场曲和散场曲使用，乐曲亦被视为神圣的，能够赶走邪灵，所以这些乐器被认为是有灵性的、有神明附着在此，人们不可跨越乐器，如果不尊重乐器，也就意味着对神灵的亵渎。所以在教学过程中，不可忽视的是对东南亚宗教信仰、民风民俗、礼仪规范的了解，理解音乐本体之外，也需要让学生明白这种音乐类型的文化背景。才能充分理解和尊重各民族、各国家的文化与音乐。
参考文献：
[1]王耀华,王洲编著.世界民族音乐[m].人民教育出版社,20xx.
音乐
苗族是我国人口较多的少数民族之一.贵州省的苗族人口最多，有4299954人，占全国苗族人口将近一半（48.1%）.苗族的历史十分悠远，多数研究者认为，以蚩尤为首的“九黎”部落联盟是可考的苗族最早的文化源头，也有学者认为苗族族源只能上溯到三苗.
苗族自古能歌善舞，苗乡素有“诗海歌洋”之称.这里有丰富多彩的民族节日和多姿多彩的民族风情，为苗族音乐提供了肥沃的土壤.苗族的隆重节日，有苗年、吃新节、芦笙节、姊妹节、四月八、六月六、牯脏节等等.任何节日苗族青年男女都积极参与，因为节日不仅仅是祭祀祖先、联系生产，这种节日聚会也为他们提供了对歌的好机会、大舞台.节日时，人们几乎都可看到苗族青年男女成双结队唱情歌、谈情说爱的情景.苗族自古就有“歌场定终身”的习俗，即青年男女以歌言情，以歌择偶.《夜郎史传》的《夜郎君法规》第九条规定：“四方的民众，所有的臣民，男女婚姻事，不准硬逼，男女相慕爱，歌唱定终身.”在苗族，许多村寨都辟有专供青年对唱情歌的场地，即游方场，游方歌是苗族情歌的专称.
二、游方。
由于贵州苗族多聚族而居，同寨同姓，苗族有同姓同宗不婚的习俗，严禁在寨内求偶.因此未婚男青年，唱着游方歌，到邻寨或更远的地方寻偶，也就是俗称的“游方”，苗语的游即串，方即通婚的寨子.游方活动多在节日或农闲时进行，地点多在专为青年男女交际而设的“游方坪”（位于寨子附近的空地，有的设在山坡，又叫“游方坡”）.由于各地文化习惯的差异，产生各种不同的称谓和方式，湘西和贵州松桃一带叫“野外情歌”，黔中南一带叫“坐花坡”，贵州榕江、从江和广西大苗山一带叫“坐姑娘”，贵州西北部地区叫“走月亮”，还有的地方叫“情歌”或“玩表”与“采花”.
历史上有关于苗族游方的记载，如《苗俗纪文》：“男子壮而无室者，”“悉登山四望，吹树叶作呦呦声，未字之女群从之.”《永绥厅志·苗恫篇》记载：苗族男女青年谈恋爱时，“男女邀约于野，以歌传意，父兄知而不禁”.《黄平州志》上曾有这样的记载：……吹笙间以山歌，木叶两相色引于深沟密菁，促膝私语，谓之“摇阿妹”，又谓“摇马郎”.“揺阿妹”、“揺马郎”即游方.
三、游方歌的内容。
游方以对歌贯穿始终，一对青年男女从认识到结合，一般要经过集体对唱和单独接触的两个阶段.从素不相识到相互熟悉，渐至情深，都是通过对歌形成的.这种歌的顺序一般为见面歌、青春歌、赞美歌、求爱歌、相爱歌、分别歌.后生们先唱《邀妹歌》；应邀前来的姑娘们则以询问后生的来意、住址、姓名起头，回唱《见面歌》；然后是男赞女谦的《赞美歌》；接下来双方便开始唱《初相会》、《热恋歌》等，进入实质性的情歌对唱.对歌经常是通宵达旦，直到“阵阵鸡叫催别离”才依依惜别.
1.初会歌：包括问答歌、见面歌、约会歌等.这是青年男女初次相会时所唱的歌.由于歌唱者双方都还陌生，歌词一般比较委婉，饶有风趣，显出了那种曲折、羞怯的思想感情.
2.赞美歌：是青年男女双方在品貌和性格方面产生好感而互相赞美的歌.如赞美对方长得美丽或英俊，唱歌唱得好，聪明灵巧等.如《你的歌声映进我心窝》、《你的衣服映在我眼里》.
3.求爱歌：男女双方在互相爱慕，心心相印，即将成对时唱的的歌.如《两人唱到月亮落》.
4.盟誓歌：到双方情谊更深的时候，一日不见，如隔三秋，心中深情，难以言表，于是就要唱盟誓歌，以表心迹.如《两心相结，万年不离》.
5.送别歌：送别歌是歌唱男女聚会又分离时依依不舍之情的歌.这类歌情深意切，柔肠百转，催人泪下.如《清清的河水流走了》、《你的情意留在我心里》.
四、游方歌的音乐特点。
1.曲式结构。
游方歌中，比较简单的是一段体曲式，即一句乐曲作无限反复，只在结束时才加上一至二小节用衬词唱的尾声收尾的曲式.如下例《晚上想的多》：
2.曲调特点。
游方歌的曲调低回婉转，深情动人，其音乐风格与本地区的飞歌有密切联系.尤其唱法上独具特点.在多数地区男女都用假声的细声唱法.演唱时音量由弱到强，歌词语调、声腔因以感情的需要会发生的一些变化，从而引起音律的浮动以及细微的装饰、连续的下滑音等等，形成了游方歌的特有的风格.
3.织体结构。
游方歌，大部分都是单声部的男女对唱形式，近年来在黔西北的纳雍、大方、黔西、织金，黔西南的普定和黔东南的台江都发现有多声重唱形式.这种多声形式一般有两部分：第一部分是由男声或女声演唱的单声部分，即引子；第二部分是男女重唱部分，一般是由男女声起声不同步、自由模仿或是节奏对比而形成的，它的特点是衬腔式的多声形态.如下例：
参考文献：
[1]李惟白.苗族音乐[m].贵阳：人民音乐出版社，1997.
[2]李黔滨，杨庭顺，唐文元.贵州民族民俗概览[m].贵阳：贵州人民出版社，20xx.
[3]兰水.苗族“游方”歌选[j].贵阳：贵州人民出版社，1957.
音乐
摘要：音乐与绘画是两种不同的艺术门类，但两者存在着许多关联之处，涉及到艺术家身份的关联、观念上的继承、理念上的认同等等。既然它们同属于艺术就一定存在着共同之处。
音乐既是听觉艺术，又是时间艺术，还是动态艺术，它在一定的时间里，以乐音和噪音的持续运动来表现自己，它以音响在持续或间断的运动中体现着“以声表情”、“声情并茂”的艺术形象。音乐可以说是心灵的艺术，它通过音响来表达感情或形象，使欣赏者的心灵产生或震撼、或愉悦、或平静、或心潮澎湃等等各种各样的感受，并以引出欣赏者在情绪上的共鸣为己任。
绘画是视觉艺术、空间艺术，也是静态艺术。画家将线条、色调及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的图形，从视觉上给观赏者以强烈印象，并引起各种情绪的反映，产生审美刺激。
音乐与绘画各自通过不同的媒介物、用不同的艺术表现手段，向人们传达着作者所要表达的内容和情感。音乐与绘画是两种截然不同的艺术形式，如果论及它们之间的关联，不得不先论及艺术家身份的关联。
一、艺术家身份的关联。
许多艺术家本身既是音乐家又是画家，如康定斯基、勋伯格、达芬奇等等。
康定斯基（wassilykandinsky，1866—1944）是俄国表现主义绘画的代表人物之一，他同时又是一位精通音乐的人，他与表现主义音乐的代表作曲家勋伯格（a。schoenberg，1874—1951）交好，并特别喜爱听勋伯格的作品，在听其管弦乐时常会感到“眼前有如乱发一样的无数的线条在狂舞”。由于康定斯基本人也可说是音乐家，故而其绘画作品接近音乐的性格，他以暴风一样的激情的情感、火焰般的强烈色彩、表现内心的感动，并赋予色彩、画面以音乐性，如他的《浪漫的风景》，描绘了几匹从山坡奔驰而下的马，骑者被弹的很高，那激烈运动的色点、具有动感的大色块、以及横穿画面的斜线，如同被演奏着的一首奔放的交响曲；在其《连锁》中，二十多个相似而又独立的生命体，色彩鲜艳、整齐规律地排列在一齐，有如音乐作品的结构，其整个作品体现出被凝固着的又仿佛流淌着的动人旋律。
康定斯基的绘画接近音乐，用仿佛音乐般的线条与色块来表达自己的内心世界，他将绘画作品赋予了音乐性的效果。他把色彩作为钢琴键盘、将线条作为弦乐、各种不同的构图当作铜管，制造出了动人心魄的“交响曲”。他对音乐的热爱，通过他的绘画作品淋漓尽致地表达出来。
康定斯基的好友作曲家勋伯格同时也是一位画家，在勋伯格的音乐作品中，如弦乐五重奏《升华之夜》、独唱剧《期待》、配乐说唱《月迷彼埃罗》等等，都以各种音乐手段（如无调性的旋律、十二音的构造、音乐的织体等）体现着他对生活的感受和对社会的思考，同时，也呈现出强烈的画面感。他常常将自己对绘画的热爱（自然，他也有许多绘画作品），用强烈的刺激的音乐音响表达出来，有意尝试将表现主义者在绘画方面的心得，转介入音乐之中。
众所周知，达芬奇（（scuolaleonardodavinc，i1452—1519）也是位同时通晓绘画与音乐的艺术家，他认为音乐虽然是听觉艺术，但它与绘画有许多相通之处：
一、音乐与绘画都有节奏；
二、音乐与绘画同样有比例关系；
三、音乐与绘画的美感完全建立在各自部分之间的的相互渗透。他的见解得到众多艺术家的认同。
正由于如此，使音乐与绘画着两种不同的艺术在许多地方体现出意念或概念上的趋同。就以印象主义为例，也证明着印象主义音乐与绘画在观念上的继承。
二、印象主义音乐与绘画在观念上的继承。
印象主义音乐是19世纪末法国作曲家德彪西（achille—claudedebussy，1862—1918）首创的一种音乐风格，然而音乐上的印象主义却是直接来自于绘画上的印象主义。19世纪末的画家马奈（edouardmanet，1832—1883）、莫奈（claudemo—ne，t1840—1926）、修拉（georgesseurat，1859—1891）等人的作品打破了古典的作画风格，避开了写实的画风，而创作出对一瞬间的光色、气氛的感觉与印象、以鲜明跳跃的色彩替代几百年以来深沉、灰暗的酱色调的画风。印象主义绘画直接触动以往既定的审美模式，而开启20世纪现代美术的先河。作为对一切新鲜事物一场感兴趣并热爱绘画艺术的德彪西，为这种新颖的画风所影响，以管弦乐序曲《牧神午后》，创立了印象主义音乐的音乐流派。
印象主义音乐继承了追求感官印象描绘的特征，用音乐来表现作曲家通过听觉、视觉、幻觉甚至是嗅觉所捕捉到的对自然现象、景物、人物等的感觉和印象，如同印象主义绘画那般，放弃传统音乐中那严密的组织和理性、逻辑性的结构形式，其音乐被作曲家以自由抒发的灵感式的倾诉变成了模糊、隐绰、松散的轮廓，音乐语言发展成虚无飘渺的意境。德彪西是位具有反叛精神的作曲家，他不固守传统，同印象派画家和象征派诗人交往甚密，并继承了他们的思想观念。德彪西的音乐不以旋律为生命，而以片断、零碎的形态，偏离大小调的音乐体系，削弱和声的功能性而增加其色彩性的音乐特征，使印象主义音乐呈现出新颖、雅致、清新、灵巧、缺乏音乐发展所固有的内在动力的品质。他以这种音乐风格体现着印象主义绘画风格的观念：在从透明而重感官的结构里激发起理想中的境界，自然景物或人不再是表现的重心，而强调光与色的效果；不着重表现具象与事物的本质，而注意自然界光色变化和瞬间运动感，体现着朦朦胧胧梦一般的印象。如同印象主义绘画一样，印象主义音乐常常在作品内容的选择上脱离现实世界的题材，专注于光影的游戏和愉悦的性格和能给人感官享受的事物，它把以音乐的丰富色彩呈献给大家，发展了音乐诗意的感情与气氛，并常常醉心于个人的艺术天地，甚至有点孤芳自赏的意味。
印象主义音乐是在观念上对印象主义绘画的继承，它打破了以往传统的作曲方式，成为了20世纪现代音乐的桥梁。印象主义音乐于绘画的关联，直接或间接地影响到表现主义音乐与绘画在理念上的认同。
三、表现主义音乐与绘画在理念上的认同。
“表现主义”（expressionism）一词首先出现在19德国的《狂飚》杂志中，它是在第一次世界大战前出现在德国的一种艺术流派，表现主义针对印象主义对自然和现实的模仿与再现，主张艺术要直接表现思想的本质、内在的灵魂，强调艺术的表现力和形式的重要性，反对机械地模仿客观现实，作品中体现出机械文明压制人性的强烈不满。表现主义艺术流派首先出现在美术领域，再而影响到音乐。
表现主义绘画的代表人物之一便是康定斯基。以康定斯基为代表的表现主义画家反对学院派自然主义的古典风范，主张不应机械地模仿客观现实，主张用以线条与色块体验人类思想的本质，并以个人对主观感情来取代视觉的感受。正是由于理念的趋同，使作曲家勋伯格深受表现主义绘画的影响，勋伯格与其两位弟子贝尔格、威伯恩创立了音乐上的表现主义。表现主义的作曲家们用自己的心灵感受到德奥现实生活充满着丑恶和痛苦时，他们的音乐便以抽象、夸张、扭曲、怪诞的笔法对现实进行变形的描绘，用梦魇、幻觉来影射客观世界，用刺激、不协和的音响来揭示心灵的孤寂、恐惧、绝望乃至疯狂。
无论是表现主义的音乐或是绘画，其创作风格与技法，都突破了传统，并引起艺术界的强烈震荡。勋伯格在进行表现主义音乐实验的初期，一直处于高度的紧张气氛之中，其作品受到如同表现主义绘画一样的待遇：让人一时不能理解，也无法接受。其作品的每次上演，都会引起听众的一片谴责，即使是晚期作品，也不是那种让听众为之愉悦，为之共鸣的音乐，因为，表现主义音乐突出的特点是无调性（atonality），其使用的作曲手法是前无古人的“十二音体系（twelve—notesystem）”，这种作曲体系掀起了“不协和音的解放运动”，使欧美音乐界（尤其使作曲界）受到了前所未有的冲击，并引起震荡。在他死后，其音乐也存在着争议的评价。
表现主义绘画在表现主义音乐之先面世，自然，同样是愤怒的反应，而后是漠然，直至得到宽容。康定斯基以一种病态的画面，发泄着对资本主义罪恶的憎恨和因社会危机而引发的在情绪上的恐怖和苦闷。他对色彩“内在音响”的体验，以及色彩和音乐律动同一性的理解与高度敏感，使表现主义绘画具有一种音乐性般的艺术效果。
表现主义音乐与绘画的同一性在美学思想上达到了高度的统一：共同体验着社会的动荡、不安，表现着对现实的不满、恐惧，表达出对印象主义音乐或绘画那追求光、色一瞬间的印象，及模模糊糊地反映被描绘的事物所散发的气氛，以及充斥在音乐与画面间的那迷离、朦胧、神秘意味，主张与传统彻底决裂，以几乎变态的理性来反映客观现实带给人们的强烈压抑的精神、思想、信念的本质。
表现主义音乐对表现主义理念的认同，在某种意义上是印象主义音乐对印象主义绘画观念上的延续。因为，音乐与绘画的密切关联，在历史的不同时期都有着或多或少的显现。音乐与绘画的关联不仅表现在同一类型的流派之中，甚至表现在不同艺术流派之间，某种流派的作曲家也会受另一种绘画风格的影响，诸如威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。
四、威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。
威伯恩（a。werbern，1883—1945）是勋伯格的学生，是表现主义音乐的代表人物之一，他追随勋伯格步入十二音技法领域，并发展了勋伯格的音乐风格，将勋伯格创立的十二音体系推向序列音乐，他提供了一种“方法”，加强对音高组织的控制，还对音色、时值等要素作出相应安排。他全部的31首音乐作品具有高度集中、浓缩、简练、主观、抽象、简洁的风格，将“纯音乐”推向颠峰。在他后期作品中，缺少传统音乐所特有的线条感，而以单音或是多音，以不同的色彩乍似毫无关系地连缀在一起，造成漫无章法、毫无表情的音响感，然而，他由十二音推向序列音乐的音乐作品，有极强的内部组织的严格次序，呈现出高度理智而客观的风格。这种音乐多以点对点、块对块音响连接的风格，与印象主义后期的“点彩派”绘画存在有许多相似的理念。
“点彩派”的代表画家是法国的修拉（georgesseurat，1859—1891），他的代表作油画《大碗岛上一个星期的下午》由无数个红、黄、蓝、白单色的小点构成，产生画面朦胧、迷离的意境。点彩派画风以法国化学家舍夫略里关于色彩协调理论《色彩对比论》为理论基础，用红、黄、蓝、白四种原色作不同组合，让观众眼睛自行调动而看感到流光异彩的画面。点彩派用这种所谓科学的、严格的色彩和笔触，代替以往印象派画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触，比马奈、莫奈的画作更忽略作品的内容而单纯追求所谓科学的色彩与形式化。修拉的画风被称为“点彩法”，而威伯恩那缺乏旋律线条的作曲方法则被人称为“点描法”，它与“点彩派”绘画有类似的理念。音乐上的“点抽法”突出的特征是将完整的旋律纵向分配到多个乐器或乐器组来演奏，而以短小时值的音符相连接，形成浓缩的曲调线条，其跳动大的音程，表示旋律线的突凸，反之则柔和，以这种短小时值的点构成的组合，构成威伯恩音乐的主题，并由点对点的短音符在不同乐器或单一乐器不同音区的呈现，构成整部音乐。
“点描法”的音乐与“点彩”派的绘画在以点组成艺术的理念上，达到心有灵犀的艺术关联。威伯恩的“点描音乐”以各种不同音色，不同位置的音响的“点”的时疏时密的跳动来构成其旋律，它拒绝传统音乐那悠长的旋律线条，“点彩绘画”由一点一点纯色的“点”，构成复杂的画面；“点描音乐”拒绝传统音乐简单地抒发作曲家个人的主观情感，而以严格的序列控制作为新的作曲手段，“点彩绘画”同样追求色彩理论的原理，将理性的色彩组合看得高于一切。他们共同的理想都是要创作出不同于以往形式的艺术作品，在创新意识上使两者都走在同一个更为注重形式感的艺术创造的道路上。威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画不属于同一名称的艺术流派，前者属“表现主义”的范畴，后者是印象主义的延续，然而，分析两种风格的两种艺术在理念及手法上的关联，使人产生了极大雷同的印象，拟或可说有“同工异曲”之妙的艺术效果。于是，我们说音乐同绘画存在有必然的关联。
五、音乐同绘画存在的必然的关联。
音乐与绘画不属于同一种艺术形式，它们有各自不同的特征与表现手段。然而，它们又同属于“艺术”这一范畴。既然同是艺术，那便会产生千丝万缕的联系。
康定斯基早在19就指出两者之间的联系：黄色具有不断向上的“超越”，从而达到使眼睛和神经均无法承受的的功能，而当一只小号所发出的声音，变得越高越尖锐时，以至于刺痛耳朵和神经；而蓝色，则具有“超越”相反的力量，它把眼睛引向无限的深度，因而，发出类似长笛般的声音（当深蓝色时）、或低音提琴的声音（当深蓝色时）；在弹奏管风琴低音键盘时，你能“看见”深深的蓝色；绿色非常接近大提琴纤弱的中音区的音色；而红色在使用得当时，它给人以强有力的击鼓的印象。
于是，我们可以这样认为：大气和光的振动相成了声音和色彩之间的物理相似形，便造成我们所感觉截然不同的“音乐”与“绘画”之间的关联。作曲家和画家都能运用不同的“音调”或“色调”，创造出同一种或温暖或凄凉或热情或呆滞的共同感受。
音乐与绘画的关联，具有审美功能，引发欣赏者的喜爱，并引起人们在情感或情绪上的共鸣、得到人们的赏识，是音乐与绘画的共同目的。音乐与绘画有各自己的表现手段与媒介，但两者都不同程度上浸透了认识因素与教育因素，它们以各自不同的艺术表白方式，给予欣赏者在心理上、感知上获得效果各异的认识作用与教育作用，只不过这些作用反映在不同的艺术领域和不同的形式之中罢了。所以，各门艺术存在着相互浸透、相互关联的现象，音乐与绘画也是如此。艺术就是这么神奇。各门艺术实际上存在有或多或少的必然联系，因为它们同属于“艺术”的范畴。音乐与绘画有各自鲜明的个性，然而，它们又存在着那么多的必然的关联。
音乐
[摘要]随着我国经济的发展，教育的大力改革，更加注重人们的思想情感，在音乐中需要把情感融入到旋律中，音乐论文的写作主要体现出了写作者对音乐的领悟和实践的一些相关内容进行系统化和书面化的一个过程，所以，音乐论文的写作要求有一定的严格性。论文内容质量的好坏直接反映出了写作者对音乐的认识能力、理解能力和分析能力等，同时也体现出了学术的规范性和素养问题。本文主要阐述了音乐在论文的写作特点，并且对存在的问题进行分析，总结出解决问题的办法。
随着我国国际地位的不断提高，音乐有了很大的发展，注重旋律的同时也比较注重情感的投入，很多研究者和兴趣爱好者通过音乐论文写作来发表白身的观点和见解。规范的音乐论文要求体例和格式的绝对正确，并且应提高音乐论文的写作质量，只有这样才能写出好的论文格式。我国很多音乐论文写作者在写作中还存在一定的问题，比如，选题角度和写作技巧等，使内容和格式出现了不同程度的不足，因此，在此基础上需要对种种问题进行分析并解决，进一步推动音乐学术论文的规范化。
（一）创见性。
创见性对于音乐论文写作具有关键性的作用，它是进行科学研究的核心。创见性有两层含义，一个指的是观点的新颖和新方法的提出，另一个是指根据新观点来打破旧观念，用新的认识和方法来替代旧的认识和方法，也可以表述为对前人事物认识的一个补充和综合。在音乐论文写作中可以看出，所有的论文中存在大量的抄袭和剽窃现象，对他人的音乐论文作品进行复制，粘贴，成为自己的作品，真正有学术价值的少之又少，真的做到理论和实践相互结合的微乎其微，在此种情况下就失去了论文的创见性。
（二）学理性。
人类的各种活动最主要的是靠理性认识，它是人类活动的高级阶段，是对一件事物本质的认识。人类对一件事情的理性认识最终的结果就是理论，这种理论必然有一定的事物高度和深度等特点，所以，学理性在很大程度上成为了音乐论文写作的诉求，这种诉求的表达就需要写作者尊重科学、论点正确、推理符合一定的逻辑和论证严密等，在此基础上还需要做到判断的正确性，对自身音乐的研究结果持肯定的态度，对他人的研究成果应实事求是，只有这样才能在论文中真正表达自己的诉求。
学理性有一定的成果和一定的理论高度，主要表现在两个方面：成果和理论高度。学理性特点要求写作者对自身提出的各种要求进行深入的分析和不断的探讨，敢于假设推理，得出具有科学价值的结论；另一方面，写作者还需要对自身提出的见解进行系统的论述，做到原理阐述、权威论断和前人的引用，提高文章的说服力，达到一定的论文水平。
（三）规范性。
音乐论文的规范性主要包括两个方面：音乐理念的规范阐述和论文格式的规范书写，在进行论文的写作时，由于论文的文体有所不同，使写作格式，规范性和体例等也有一定的分明，呈现出的论文在一定程度上也有很大差异。早在中国古代就有人把文章分为“四科八体”并且详细的介绍了其中各个不同的文体特征。
音乐论文的写作是论说文的一种形式，根据论文的结构来分析，很大程度上包含标题、署名、序言、本论和结论几个部分组成，这几个部分构成了音乐形式的论文，它和学术论文的格式有很大的区别，学术论文主要包含了摘要、关键词、注释、参考文献、作者简介等几个部分构成，不管是哪种论文都对语言的要求很高，一般情况下要求简练、通顺，层次分明，逻辑严密等，与此同时，使用的表格和图片要在最大程度上符合论文观点的要求。音乐学术论文在格式和规范方面问题比较突出，写作者在写作时，错误的地方比较普遍。
（一）选题问题。
音乐专业的学生每天接触最多的就是音乐方面的知识，很少涉及到文学，音乐论文很大程度上是学生第一次进行规范化，系统化的文学创作，所以很多学生根本不知道该怎么写，最让学生止步的是对论文的选题，没有一个明确的选题方向，使得论文无从下手。由于学生日常对文学知识积累不是很多，在选题中就出现了一些思想重复，内容空洞和宏观过度等情况的发生。通过对学生的音乐论文进行对比观察发现，大多学生喜欢以浅谈为中心进行论文的学做，比如，《浅谈音乐与文学》、《浅谈中国民间歌曲》等方面进行选题。这些题目的选择内容不但空乏，并且讨论的范围比较大，涉及到的学科比较多，很大程度上使学生由于没有更多其他学科知识而出现力不从心，到最后就出现了东拼西凑的情况。
（二）写作技巧问题。
音乐论文的写作除了格式正确之外更多的是写作水平的高低，写作水平的高低在很大程度上又体现在语言表达能力上，因此，音乐专业学生对文学专业知识的积累不够，平时又不太喜欢阅读和写作，长此下去使得学生语言表达能力逐渐下降，对一个问题不能够用简洁的语言对其进行描述，因此，学生应加强自身的语言表达能力。论述的描述在很大情况下只有感性的描述，理性的描述比较少，所以，很多时候会把论文写成总结或者报告。在对音乐论文写作过程中对资料的使用也存在很大的问题：1）学生对直接引用和间接引用两者混为一谈，不能够对其进行恰当的运用，就出现了对他人的研究成果抄袭的现象；2）在写作时，没有对参考资料进行必要的分析，采用了很多的引用和转述语句，导致整篇文章没有自己的独到见解和所要表达的意思。
（三）写作规范问题。
随着我国对学术历史的不断深入研究，学术水平有了很大的发展和提高，对学术的研究也有了很大的进步，于此同时，对论文内容各个部分的要求也越来越高，不但如此，学生所写的音乐论文也必须保证论文格式的规范。但是，很多学生在进行音乐论文写作时，对写作内容格式的规范性不清楚，对论文最基本的格式都不知道，写出的音乐论文格式都不具有规范性，对此种情况有人提出建议说，对于格式问题由打印部进行统一的处理，这种情况在一定程度上很难行得通。我国一位文学家曾经说过：“严格的形式规范是使学术健康发展的基本保证。”音乐论文在写作时如果能够对格式进行严格的规范，那么，音乐论文将能得到更好的进步。
（一）选题要注重与音乐基础课程的衔接。
学生在进行音乐课程时要培养其学术兴趣，这就需要学生在日常学生中有发现并解决问题的能力，只有这样才能够对学术研究产生一定的兴趣。
教师在论文写作教学中要有多种知识的运用。音乐专业和其他专业的联系程度有限，使得学生其他专业知识比较少，音乐论文的写作趋于综合，所以，教师在音乐课程讲授的同时，还应涉及到其他学科的知识，让学生音乐学习中了解论文内容并且进行系统的掌握，比如，在音乐专业的基础上，对文学和历史等专业知识进行必要的学习。
（二）多种渠道扩大学生知识面。
由于专业课程的讲授只关注一个方面的知识，对其他知识涉及到的比较少，音乐专业知识和其他专业相比有一定的单一性，使学生在论文的写作和选题上受到很大的限制，所以，在此基础上应采用多种方式来扩展知识面，对这种知识单一的现状进行必要的改善。
对音乐系中的选修课内容进行必要的丰富，教师鼓励学生根据自身的兴趣对课程进行选修，以此来扩展学生的知识面。通过这种选修课程来弥补文化知识。还可以通过组织一些文化活动来提高学生对文化知识学习的兴趣，能够大大增加学生的阅读量，并且养成阅读的习惯。
（三）实行论文辅导导师制。
随着我国在国际上的地位不断加固，对教育进行了全面的改革，很多高校建立了本科生导师制，使学生和导师进行直接的对话和沟通，导师对学生的思想和学习进行必要的分析和指导。这种指导对音乐专业的学生来说有很大的帮助，因为音乐专业教师讲究的是技巧性，不能够和学生之间建立起真正的沟通关系，所以，导师在其中的位置非常重要。导师对音乐专业学生比较重要，如果导师能够做到以下两点就能够使学生的音乐论文水平得到提高：1）给学生介绍音乐界学术情况，提高学生兴趣；2）提高学生发现问题的能力。
（四）提高学生对音乐论文写作重要性的认识。
音乐专业不管是从内容结构安排还是性质上来讲，和其他专业有很大的不同，学生接触到最多的是音乐的技巧，并且每天要进行大量的练习，在练习的过程中消耗了很多的时间，长此下去，使很多学生在很大程度上失去了对文学学习的兴趣，还有很多学生片面的认为，音乐专业的学习只要把握好音乐方面的知识就行了，所以，学生对音乐论文的写作没有引起足够的重视，在学习文学时只是草草应付，毕业论文质量的高低不影响音乐专业课，使很多学生出现抄袭行为，蒙混过关。
由上文可以看出，音乐学术论文的写作要求比较严格，不单单是格式的问题，还涉及到学术规范和研究等具体问题，通过对研究问题进行规范化使音乐论文得到更大的发展。实质上，音乐论文的写作能够在很大程度上锻炼学生对音乐的理解，学生在其中不但能够学习到各种研究技巧和写作技巧，而且对所学知识也可以进行必要的巩固，使实践和理论相互融合，为以后的问题分析和解决打下良好的基础，这对音乐的长期发展有很大的积极作用。
音乐
每样东西都有不同的优点。每一件事都令人陶醉。音乐，让我陶醉，问我为什么？正因为音乐有它独特的魅力，使我陶醉，使我坚强和勇敢，这使人做白日梦，就像美丽的月光，音乐使我。
当我和同学吵架，互相吵架的时候，我陶醉在那首美丽的歌谣“友谊地久天长”中。音乐有一种力量促使我与朋友相处融洽，这就是音乐的魅力。每当我想念它，担心它，“担心”这首歌也会在我的耳朵里响。我喝醉了，我的眼泪会掉下来。这首歌里的每一个字都让我感触很深。这就是音乐的力量。每当我委屈，难过。当我悲伤的时候，“夜晚当星星哭泣”这首歌不断地在我的耳朵里回响。我将仰望群星，告诉自己不要再哭泣，要向群星学习，努力闪耀，不要悲伤。每当我在学习中遇到困难时，我都会听到“放开自己”这首歌，我也会学会放开自己，努力冲刺，战胜困难，勇敢前行。
音乐
听着曲子《星空的旋律》，竟情不自禁地打起节拍来，优美的旋律、缓慢的节拍，体现了一种宁静的气氛。沉迷于网络的我，不由自主的按下“文件”中的.“另存为”，急切地想把它下载到3、5软盘（a：）中。
这就是音乐的魅力吗？
小时候，听过不少世界名曲，年幼的我，竟也听得如痴如醉，慢慢地爱上了听名曲。
能够使我静下心来的，也只有音乐了……。
不久前，又听到了一首《美少女战士》插曲，喜上眉梢，忙提着录音机把它录了下来，结果曲子到是录下来了，录音机却因为我的错误操作“报废”了，弄得我被父母一顿臭骂。
“录音机事件”闹得满城风风雨雨，爸妈索性把我录下来的东西统统送人，气得我一连三天脸上都是阴天。
音乐
人类的感情是丰富而敏感的。生活中的点点滴滴都会拨动我们的心弦，触发人类最初的情感和期待。所以有了音乐，音乐就成了我们最好的发泄方式。音乐中的每一拍都使我们的内心世界变得生动。音乐可以说话，说话的人有听众。他们以一颗细腻柔美的心，聆听无边无际的广阔的内心世界，与音乐同甘共苦，与音乐背后的心同甘共苦，享受每一个跳动音符的起伏。
我想成为一个倾听者，一个表面上沉默但内心充满激情的倾听者。
和谐和美丽的下午，一个人独自坐在窗前，享受一杯茶，放在一个精致的耳机，开始在音乐的世界里，自由飞翔进入或低悦耳的，或者是在充满激情的歌遗迹，打开了歌手的紧张的心，觉得他的丰富多彩的内心世界。在他们的音乐中，也许我们可以找到自己的影子。虽然它是模糊的，但它也让人感到温暖。也许我们不能像钟子期、于博雅那样，在高山流水中演绎出最高层次的友情，最终成为音乐上的知己。但至少，我的新生活可以在那里找到一个短期的栖息地，有片刻的宁静，有灵魂的共鸣，得到灵魂的慰藉。音乐就像一首永远写不完的抒情诗。它总会留下悠长的回声和无限的遐想。回味悠长。
听音乐是一种享受。它不仅在我们心中萦绕，而且在我们心中回荡。它启发我们，使我们快乐和热情。
音乐给了我们另一个世界，一个我们想成为的世界，在那里我们可以抛开所有的烦恼和烦恼，快乐地成长。虽然音乐的世界是空灵的，但它充满了激情。虽然它很普通，但充满了香味。虽然它很遥远，但充满了感情。
让我们的心在音乐的世界里碰撞，迸发出绚丽的火花，在我们的心中变得不可战胜。
音乐
美育是学校教育的重要组成部分。20xx年开始实施的《学校艺术教育规程》明确指出，普通高等学校应当开设艺术类必修课或者选修课。20xx年3月教育部印发《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》，把音乐鉴赏、舞蹈鉴赏等课程作为艺术限定性选修课，大学音乐鉴赏、舞蹈鉴赏由此上升到一定地位。在实际工作中，普通高校及高职院校普遍开设了音乐鉴赏等课程，掀起了普通高校艺术教育的热潮。然而在特殊教育高职院校，艺术教育仍处于起步阶段，对于艺术教育的重要性仍然认识不足。在课程设置上中小学阶段普遍设有律动、音乐等课程，到了高职阶段相关课程的开设几乎为零。
因此，要构建特殊教育职业院校残疾学生音乐舞蹈文化，首先需要职业院校对此有足够的重视，严格执行国家相关教育政策，将残疾学生音乐舞蹈教育纳入到课程建设中，才能让音乐舞蹈走进课堂，让残疾学生吸取其中的养分,提高残疾学生的审美能力。
(二）立足残疾学生类别、心理特点及所学专业，制定教学大纲，确定教学内容。
面向残疾学生的音乐舞蹈教育，应该最大限度地满足特殊人群的教育需要，通过歌唱、欣赏、律动、舞蹈等教学活动，培养学生听觉、节奏感和音乐感受能力，提高音乐审美能力，培养学生对生活的乐观态度,促进学生身心和谐发展。
特殊教育职业院校应根据本校实际情况、学生的残疾类别与心理特点等确定教学内容。比如听障生在中小学阶段大多学习过律动课程内容，随着年龄的增长，他们会更偏向理论知识的学习’因此可以开设“舞蹈鉴赏”课;根据盲生所学专业（如康复治疗、推拿）的特点，可以开设“音乐欣赏”课,把中国古典音乐融人到中医推拿中，课堂上从学生熟悉的古典音乐作品导入，将音乐欣赏与专业实践相结合，培养其对古典文化及中医文化的认同感。
(三）提高音乐舞蹈类课程授课教师的业务能力。
课堂教学内容的选择是否合理，能否取得良好的效果、达到预期的目标,授课教师起着关键性作用。提高音乐舞蹈类课程授课教师的业务能力，是加强课程建设、完善课堂教学的重要条件。
音乐舞蹈类课程的教师应了解各类别残疾学生的心理特点、需求，选择合适的教学内容，采取特殊的教育教学手段，做到因材施教。如听觉缺陷导致听障生的动作不够灵敏、协调，缺乏节奏感，因此在听障生舞蹈训练中，除了节奏感训练，还应包括舞蹈姿态及情绪感觉的表达。教师应加大模仿训练、基本功练习以及舞蹈意识和气息的培养，帮助学生理解舞蹈的内在情感。而盲生往往内心敏感、脆弱，遇到阻力时缺乏克服困难、迎难而上的勇气，教师可在教学中选择一些积极向上的音乐作品，培养他们乐观、向上的精神。
校园文化是由学生和教师共同创造的。音乐在青年的道德观念和健全心理人格教育中有着非常重要的作用，特殊教育职业院校校园文化中的音乐舞蹈教育就是以自然的、艺术的美感把音乐舞蹈教育渗透到残疾学生生活中去，引导残疾学生了解美、懂得美、珍爱美、爱真美。
(一）营造良好的音乐舞蹈文化氛围，让残疾学生在潜移默化中接受教育。
1.利用校园广播向残疾学生传递音乐舞蹈文化知识，定期开设音乐欣赏等栏目，让残疾学生在茶余饭后听着广播学会欣赏美、发现美，通过音乐作品培养残疾学生积极向上、乐观开朗的精神风貌。同时为盲生和肢残学生开辟“我是歌手”栏目，让他们走进广播室，将美妙的歌声传遍整个校园，培养他们的自信心和实现自我价值的成就感，排解他们的一些不良情绪。
2.利用宣传橱窗开设音乐舞蹈专栏，普及相关的音乐舞蹈文化知识。在专栏的内容方面，可选择残疾学生感兴趣、有一定教育意义的内容，比如有关残疾人艺术的发展以及相关演出，身边参加中国残疾人艺术团、省残疾人艺术团的同学及其相关作品的介绍。这样，可以更好地培养残疾学生自立、自强的精神风貌。
3.利用校园走廊悬挂一些音乐舞蹈名家的图片，尤其是一些跟残疾学生有着同样经历与背景的残疾人名家，更能引起残疾学生的共鸣，比如贝多芬、阿炳、邰丽华等，让这些名人成为他们学习的榜样。
4.结合学生残疾类别的不同，定期邀请相关的专业教师开设不同的音乐舞蹈类讲座，比如对聋生开设以视觉效果为主的舞蹈作品欣赏等相关讲座，对盲生则开设以听觉效果为主的音乐欣赏等相关讲座。
5.利用高雅艺术进校园文化活动，选择适合残疾学生欣赏的音乐舞蹈类节目，让残疾学生感受音乐舞蹈的特殊魅力,让他们在欣赏过程中愉悦身心、开阔视野、增长知识。
(二）创设良好的音乐舞蹈实践平台，让残疾学生在载歌载舞中获得技能。
1.利用我国传统节日以及校园文化艺术节、文艺汇演等活动，让残疾学生有机会展示自己的音乐舞蹈才能。音乐是一种极具渗透性的力量，对残疾大学生人格的影响是渐进的、长远的。残疾学生在积极投入排演的过程中也得到了自我磨练与自我实现。
2.利用学校各类文艺社团，为残疾学生创设在课余与同龄人互动和交流的机会，比如定期的合唱社训练、舞蹈社排练，各类音乐、舞蹈沙龙等。在长期的熏陶中，音乐舞蹈教育自然而然地融人到特殊教育职业院校校园文化活动中，提升校园文化质量和格调的同时，也促进了残疾大学生与人沟通、交往能力的发展。
3.利用各类校外联谊的机会，让残疾学生走出校园，走进普通大学校园，融人社会，与健全学生交流与分享音乐舞蹈的魅力。在这个过程中，提升残疾学生的音乐舞蹈技能，同时也让健全人感受特殊的艺术，弘扬特殊教育职业院校多姿多彩的校园文化和残疾学生积极进取的精神。
4.成立残疾人艺术团，创建特殊教育职业院校音乐舞蹈文化品牌。特殊教育院校中有音乐舞蹈才能的残疾学生很多，如聋生的模仿能力强、舞蹈表现力强，盲生音乐感受力强、听觉灵敏。成立校残疾人艺术团，不仅为残疾大学生提供展现才艺的舞台，同时也丰富了学校文化。
(三）完善制度建设，实现第二课堂与第一课堂的有机结合。
领导重视、各部门配合、全校师生积极参与，才能让音乐舞蹈文化教育在校园文化建设中发挥重要作用。首先,要适时调整音乐舞蹈艺术教育实践的内容和形式，提升校园文化层次和方向。其次，完善各类制度，如《学生社团管理制度》《学生第二课堂管理办法》等，规范校园文化中音乐舞蹈文化教育的有序发展，使得校园文化既能深受广大师生的喜爱，同时也不失品位及艺术格调。第三，各部门通力合作，在校园文化的大背景下不断探索新的音乐舞蹈教育实践形式，创造音乐舞蹈教育实践机会。
音乐教学论文
摘要：音乐需要学生通过欣赏来感受、鉴赏、创造，音乐不是简单地将音符拼凑起来，而是作者内心真实感情的寄托。学生不仅要在教师的引导下学会欣赏音乐，还需要自我体会音乐的情感。高中音乐教师在教学过程中要激发学生的欣赏兴趣，培养学生的欣赏能力，才能逐步地提高教学效率，促进学生的欣赏能力。
关键词：高中音乐；欣赏；实践。
高中是一个紧张的学习阶段，学生面对着高考的压力，无论是上课时间还是下课时间都在绷紧自己的神经，音乐既可以缓解学生的学习压力，又可以提高文化修养。学生在音乐课堂上全身心地投入到欣赏中，劳逸结合，这样既有利于提高学习成绩，又可以培养学生的音乐欣赏能力。
高中的音乐教材会编入很多优秀的、艺术性较高的民族音乐，能够积极地培养学生的欣赏能力和情感熏陶，但是不同的学生会有不同的兴趣，教师要针对不同学生的情况，从音乐方面激发学生的欣赏兴趣。由于高中课程比较紧张，学生不会有太多的时间接触艺术歌曲或歌剧，教师可以在音乐课堂上根据音乐的表现形式把音乐的内容和背景故事表达出来，不仅可以提高学生的兴趣，还可以让学生更好地欣赏音乐，学生才能够更好地理解音乐的思想、内容、感情。比如，在欣赏《长江之歌》时，有很多学生可能没有亲眼看见过长江，高中生也没有那么多时间去看，教师可以准备关于长江的照片或短片，让学生欣赏过后，再欣赏音乐，会有不同的感受。所以，喜欢欣赏、学会欣赏对高中音乐的课堂效率是极其重要的。
高中音乐教师在课堂上和学生是互动的过程，教师引导学生学习，学生位于主体地位，学生在欣赏音乐时主动听、主动欣赏，让学生自己感受音乐，教师可以在指导时提出有关音乐的问题，让学生带着问题欣赏音乐，学会主动地听，听对音乐的欣赏是重要的。学生在欣赏音乐时，可以发挥想象力，想象音乐的情境，这样的欣赏会使学生更好地感受音乐的魅力。音乐的欣赏是长期积累的过程，不是一朝一夕可以做到的，只有多听优秀的音乐，才能够使学生学会欣赏、学会感受。著名的《沂蒙山小调》，不是听一遍就可以了解它的魅力，学生可以多聆听，了解作品的节奏、旋律、音色的变化，这样才可以做到对音乐的最佳欣赏。
欣赏音乐是高中音乐极其重要的环节，学生在高考的压力下，在音乐课堂上缓解压力，教师在教学过程中引导学生，让学生在主动地参与到欣赏音乐的过程中，了解、感受音乐。
参考文献：
杨碧颖。浅谈高中音乐教育中的欣赏教学.青春岁月，20xx（16）。
李芳。高中音乐教育中的欣赏教学研究.考试周刊，20xx（65）。
音乐教学论文
摘要：在初中音乐教学中，以前的传统教学方法抑制了当代的流行音乐的引入。通过上述的针对初中音乐教师以及初中学生二者的策略，将流行音乐引入到初中音乐教学的课堂中，让更多的正能量传递给学生，带动学生学习的积极性，心情愉快，也能够提高其他学科的学习效率。
创造出我们的方法，改变传统的教学模式，使师生共同营造和谐、愉快、合作的教学氛围，激发学生学习音乐的浓厚兴趣，调动他们学习的积极性，使学生变“厌学”为“乐学”，变“被动学习”为“主动学习”，进而达到良好的教学效果，已经成为当前广大教师所共同探讨的课题，这正如教育家舍吉宁所说：“我们的任务是——不要孤立的学生，孤立的教师，而要学生+教师。”
为此我们在新课标教育思想的指导下，根据“互动”的原理，在音乐教学中，我进行了“互动式”教学模式的两部分实践。
一、师生共同创造良好的教学开端兴趣是创新的基础和源泉，成功中的喜悦和乐趣，回极大地唤起学生的创新热情。开放评价的目的就是让学生不断品尝到学习音乐和获得创新的成功乐趣。
乌申斯基说：“没有兴趣，被迫进行学习会扼杀学生掌握知识的意愿。”著名科学家爱因斯坦也曾讲过：“兴趣是最好的老师”。教学中如何吸引学生的注意力，引发好奇心，这是一门技巧。在“互动式”教学模式的启发下，为创设与教学内容相符合的情境，如：在教唱歌曲《八月桂花遍地开》时，我改变了传统的音乐教学中学生听音乐进教室的作法。这就是我带领学生共同扎起彩绸，在欢快、热烈的秧歌音乐伴奏下，扭着秧歌进教室。又如：利用美丽的画面，动听的歌声去看、去听，充分调动学生的视觉和听觉器官，更形象直观地感受音乐、理解音乐，让学生充分发挥想象力，扩大音乐视野。教师随时抓住学生的注意力，善于摸索、分析学生心理，了解学生的心态，这样才能不断激发学生的学习热情。所以，我们在音乐教学中应努力营造音乐氛围，引导学生抓住音乐特点，“读”懂音乐，感受音乐。在学生的座位排列上我也有所改变，将传统的成排成行的座次形式改变成“马蹄形”、“圆形”的座位形式。这些作法不公消除了教学中师生间相互交往，相互合作的心理障碍，而且还大大的缩短了师生间的心理距离。
的发展。教师又是演员，与孩子们一起欢歌跳跃。教育心理学认为，如果教师与学生之间能形成友好信赖的关系，那学生就可能更愿意和教师相处，接受老师的教诲。同时在这种平等、和谐、热烈的氛围中，就能更好地激发学生学习的主体和创造的积极性。我在课堂上经常鼓励那些比较内向的同学大胆说、大胆想、大胆唱、大胆演。这种鼓励支持的态度、期望性、肯定性的语言，能树立学生进步的信心，让学生在宽松友好的学习氛围里感受美、体验美。
1、创设舞台，展示自我。
“互动式”教学模式启发了我们，在音乐教学中要改变传统课堂教学的人际关系，坚持以学生为主，教师则普通身份加入，通过适当点拨，发挥向导作用，促进师生间相互交往和愉快合作的和谐关系，从而发展他们的聪明才智和健康的个性，使学生的更多的参与，合作过程中得到素质上提高。我在音乐课上设计了“小小舞会”这一活动环节，放手让学生尽情地唱、尽情地跳，把整堂课营造的喜悦气氛推向最高潮，让学生在无拘无束中展示自己的才能。如在教唱《金孔雀轻轻跳》时，我和同学们共同在优美动听的音乐伴奏下翩翩起舞。再如，一年级新教材中的《幸福拍手歌》，教师也可以提示学生积极思考进行创编，将拍手动作换为跺脚、摇头、耸肩、扭腰等动作，使学生在律动中充分感受创作的成功感。
2、以“赛”激趣促学。
好胜心强是学生的主要性格特点之一，而在激烈的竞争氛围中，学生最易养成良好的学习习惯。让孩子们在课堂上“表演唱”就是利用这一点，实现教学目的。在我每次上音乐课时总是激励学生上台来表演唱，并准备了很多宝石花、小五星来鼓励大胆的学生。也取得了事半功倍的效果。在音乐教学中学生学习乐理知识感觉是最乏味的，我在设计学生认枯燥的力度标记时，采用了分组进行抢答，表演的比赛形式来争夺红旗，从而营造了一种愉快、和谐的教学氛围。
3、开展音乐活动课的实效性。
音乐活动课是音乐课的延伸，音乐活动课这种特殊的课堂教学活动，使学生的创造思维的空间更为广阔。活动课除了完成基本教学任务外，更多的是把活动的主动权教给学生。上器乐课时，教师除了讲课辅导外，可与学生一起齐奏、合奏。如需要配打击乐时，教师除了引导学生设计相关的锣鼓点外，还可以和学生装一起演奏各种打击乐器，甚至与学生演唱的歌曲作伴奏。此外，教师还可以给学生设计合适的伴奏音型，让他们用自己的乐器为教师演奏的乐曲进行伴奏??这种作法不但使课堂变得生机勃勃，颇有兴趣，而且还达到了师生营造和谐、愉快的良好教学氛围的目的。例如：我上的《森林奏鸣曲》这一节音乐活动课，由欣赏乐曲入手，感受和分析乐曲每一段的情感特点，再由学生充分发挥想象，用说、演、画、打击乐器伴奏这四种方式来表现乐曲。这样的活动集中了文学、艺术的内容，学生通过活动就更能理解乐曲情感，同时也增强了环保意识。所以，活动课能有效地激发学生团队精神，有利于学生智力发展，更重要的是有利于学生创新能力和综合素质的提高。
实践证明：“互动式”教学模式开辟了一条新的教学思路，在音乐教学中实施自主学习，放手让学生在音乐的环境中学习音乐、理解音乐、感悟音乐、表现音乐。真正给学生一个展示的舞台，一个锻炼的机会，一个成功的体验。让学生由教育教学的“被动角色”跃为“主动角色”，成为学习活动的主体。通过师生共同营造良好的教学氛围，进而体现“互动”为音乐课堂所带来的最佳教学效果。
音乐教学论文
科学性原则，即课程评价应体现中学音乐学科自身特点并符合中学音乐教学的发展规律。课程评价应在公平、准确和客观的基础上体现中学音乐教学的价值，并符合中学生音乐学习特点，从而促进音乐教学良性发展。
２．可操作性原则。
可操作性原则，即课程评价标准应做到通俗易懂，便于具体操作和推广使用。音乐课程评价标准中应减少专业词汇的使用，多使用社会化用语，使全体师生尤其是中学生对课程评价标准能够有全面的了解，而且评价标准应囊括音乐课程的所有内容并对具体措施进行细化，从而使评价标准在具体操作上简便易行。
二、中学音乐课程多元化评价体系。
１．考试评价。
考试是对教师教学成果与学生学习效果的最直接评价方法。中学音乐考试有别于语文和数学等科目以试卷的方式进行考试，而是教师规定演唱曲目，要求学生轮流演唱规定曲目，并对演唱效果进行评分。教师在此考试方法中占据主导地位。学生无法选择自身擅长的表现方式完成教师规定的曲目，并且并不是所有学生都具有学习音乐的条件，部分学生由于声带先天受损或患有咽喉部位疾病等原因，无法对教师规定的曲目进行演唱，这就会造成音乐考试的不公平。因此，中学音乐教学应采取更加人性化的方式对学生进行考核，从而使音乐考试趋向多元化、个性化与合理化。
２．日常形成性评价。
日常评价应贯穿于中学音乐教学全过程，学生的音乐素养和音乐水平的提升需要一定的时间，因此学生平时在音乐课堂上的表现能够体现其音乐水平，教师对学生平时表现的考查就显得极其重要。教师在音乐教学中应注意观察学生在歌曲演唱和回答问题时的表现，并在固定时间对学生进行阶段性测试，以了解学生对音乐理论知识的掌握情况和音乐水平是否有所提升。
３．特长评价。
教师可在学期伊始对学生进行音乐能力测试，以了解学生在音乐方面的特长，并在音乐教学过程中对每个学生就其特长进行重点教学，使学生能够在演唱、舞蹈或编曲等擅长的音乐领域有所突破。学期末考核时，教师可根据每个学生不同的特长，对考核内容做出个性化安排，考核学生在自身擅长的音乐领域的学习效果，从而实现学生在音乐方面的个性化发展。
４．自主评价。
自主评价是学生对自身音乐学习效果的评价，强调学生应积极参与到评价中以提高音乐学习的信心和自主性。自主评价分为自评与互评两种。自评能够提高学生的音乐自我认知。互评则可以培养学生的互助意识，并且使学生学习他人音乐方面的长处，从而提升自身音乐素养和水平。
５．教师评价。
教师在对学生的音乐学习效果进行书面或口头评价时，应采用学生能够接受的说话方式并多使用鼓励性语言。评价时应从学生音乐水平的实际出发，减少主观因素对评价的影响，并且应就学生语调、音准和流畅度等音乐各方面能力进行详细评价。详细评价与只给予学生优、良等级的传统评价相比，更能使学生认识并改正音乐学习方面的不足。中学音乐课程评价对音乐教学的发展有着巨大的推动作用，课程评价应在遵循导向性、科学性和可操作原则的前提下，加强教师与中学生的双向沟通并采用多元化、个性化的评价体系，最终实现中学音乐教学水平的提升，从而提高中学生的音乐素养和综合素质。
音乐教育论文中小学音乐教育论文
摘要：音乐课是一门培养学生审美情趣，帮助学生陶冶情操的课程，音乐课的教学在一定程度上能够有效缓解学生的学习压力，帮助学生丰富学习生活，让学生的审美情趣在音乐的陶冶中得以升华，学生与教师的互动是构成音乐课堂的重要因素。本文对初中音乐教学中学生互动意识的培养策略进行了探讨。
关键词：初中音乐教学;互动意识;培养;策略。
音乐教育是初中美育教育的重要途径，初中生处于青春期，渐渐开始产生自己的思想观念，有叛逆心理，音乐教学不仅可以让学生欣赏音乐，感受音乐的魅力，更可以在这一过程中帮助学生树立良好的价值观念，用音乐来引导学生更好的成长，所以音乐课堂的教学质量也是非常重要的，根据初中生的身心发展特点，培养学生的互动意识，可以充分提高音乐课堂教学的效率，在互动中提高学生的感知能力，让音乐课成为有趣的、受欢迎的课程。
1提高课堂趣味，创造互动前提。
受应试教育的影响，学生步入初中之后更是面临中考的压力，在学习上往往一股脑的把劲头都用在主科和自己较薄弱的学科上，而并不注重音乐课，课堂上往往身在曹营心在汉，做其他学科的习题已经是普遍现象，但是音乐课作为美育的重要途径，必须受到学生们的重视，而初中生处于青春期发育阶段，对很多事物是抱有质疑的态度，教师的许多千篇一律的互动并不能引起学生的兴趣，让学生从一开始就失去对于音乐课的兴趣，那么互动就显得更不可能，所以让课堂变得有趣，学生感兴趣了，这才是师生互动的前提。首先，从课堂导入开始就要精心设计，让导入变得生动有趣，比如播放一些当前学生们爱看的电视剧的主题曲，或者从一些有趣的音乐小视频开始，在课堂的一开始就抓住学生的目光，比如在学习有关于和声这一部分的知识时，如果简单的从和声的基础知识开始导入，不免让学生觉得索然无味，教师可以先准备好一首要学习的和声的音频或者视频，让学生先感受到和声的奇妙魅力，问学生觉得和声好不好听，在得到肯定回答之后，询问学生信不信经过这一堂课的学习，班上的同学也可以唱出这样的效果，学生的求知欲被激发，一定很想知道在学习之后大家能不能唱出那样的'效果，并且在接下来的学习中也就会更加投入，教师的互动也就变得轻松容易。在教学的过程中，教师也要注意增强教学趣味，增强老师与同学，同学与同学之间的交流互动，还以上文的和声教学为例，传统的教学就是把学生分为不同的组，一个组学习一个音，最后大家一起和声，这样的教学不免有些呆板，在互动时，学生被分为不同的组之后是会产生一种被需要的感觉，教师可以随机进行组配，比如在大家学习完自己的音之后，开始引导学生，可以第一组和第二组唱，第二组和第四组唱，第三组第四组在唱的时候要求第一组加进来，这样随机的进行演唱一方面增强学生内心的紧迫感，在课堂生集中精神不懈怠，同时完成教师的要求之后也会有成就感，在互动中，教师的加入也可以让互动变得更为有层次，比如，教师在每个小组里选出两个人，在每三个小组学生进行和声演唱的时候代替另外一个组的学生进行演唱，增强师生之间的互动，也让课堂变得更为生动，这样充满变化的教学让学生更为感兴趣，自然也更能够投入到课堂活动中。
2营造愉悦氛围，促进个性发展。
在教学课堂上，学生的互动意识与课堂的气氛有很大程度的联系，如果在一个沉闷、毫无生气的课堂中，学生连话都不愿意说，更不用说在课堂上进行互动了，所以营造一个愉悦宽松的课堂氛围也是十分重要的。音乐欣赏并没有特定的规律和答案，学生根据自己内心的感受去欣赏音乐才是最终的标准，在音乐课堂上，教师要允许学生说出自己对于音乐的感受，而不是一味的照搬课本，让学生有教科书式的感想，这样会束缚学生的感知能力，也让课堂变得局促狭小，并不能够容纳学生的感受，学生说着口不对心的感想，在课堂学习中也就更不会付出真正的思考，所以，要尊重学生的主观能动性，比如，在学生说出自己的感受时，询问学生为什么会有这些感受，是自己的生活经历还是联想到了自己看过的某一本书或者是某部电影，把音乐和学生的生活联系起来，组织学生自由讨论，发表意见，让课堂变得热烈，鼓励学生敢于说出自己的见解，也能够学会去接纳别人的意见，站在他人的角度看问题，要让学生们明确音乐是具有主观性的，不同的人听了同一首曲子可能会产生不同的感受，不过音乐也是有自身的特点的，比如，大家看奥运会颁奖仪式时，看到中国国旗升起，听到中国国歌时，大家心里都会产生自豪感，这是由于大家爱国的心都是一样的，立场相同，感受自然也就一样，让音乐课堂变成学生们展现自我的天地，让学生的个性不被束缚，在快乐中成长。
3进行充分备课，调动学生情绪。
许多音乐教师的备课不乏程式化、模式化，新课程标准中知识与技能、过程与方法、情感态度价值观这三方面的体现是很模糊的，甚至有的音乐教师的备课直接从教参上照搬，缺乏创造性。不同的学生群体之间是具有差异性的，教师要做到因材施教，了解自己所教的学生群体的特点，进行针对性的备课，在课堂教学中，注重自己情感的投入，才能够把音乐所传递的真实情感传递给学生，才有可能做到调动学生的情感，例如在教授《走进歌乐山》这一首曲子时，教师上课的情绪就不能是平平淡淡的，《走进歌乐山》的大背景是重庆歌乐山上为取得全中国胜利而牺牲的烈士们，此时教师的情绪应该充满着激情，斗志昂扬，只有教师本身的情绪融入歌曲中才能把学生带动起来。
4结语。
总而言之，在初中音乐教学中，注重学生互动意识的培养能够有效提高音乐课堂教学效率，让学生在音乐课堂中得到美的教育和情操的陶冶，推动学生个性的发展，帮助学生完善人格，引导学生树立正确的价值观念。
参考文献：
[1]李晶.初中音乐课堂教学师生互动问题的探讨[d].上海师范大学，2012.
[2]王莉萍.初中音乐教学中学生创新能力的培养[j].科技信息（科学教研），2014.
作者:刘璐单位:江苏省淮安工业园区实验学校。
音乐教育论文
音乐可以分为声乐和器乐两大类型，又可以粗略的分为古典音乐、民间音乐、原生态音乐、现代音乐（包括流行音乐）等。下面是大学音乐教育论文，请参考！
摘要：声乐作为一种以人的歌声来抒发、交流情感的艺术，是人类表达感情最自然、最直接的艺术方式，其所具有的独特性和普及性在整个音乐教育环节中愈来愈受到学生的重视和喜爱。通过学习声乐，能够激发学生的音乐兴趣，提高自身的艺术修养，与素质教育相互促进、相得益彰。声乐艺术教育对普通高校音乐专业大学生的发展起着独特的、不可替代的作用。
关键词：新时期；声乐艺术；发展；高校；音乐教育；启示。
1声乐艺术发展对高校音乐教育的启示具有的现实意义。
近年来，我国对于在普通高校进行音乐教育的研究成果较多，而致力于普通高校声乐教学方向的专门研究则相对较少。通过对国内音乐学术期刊的查询，主要论文有《歌唱教学在普通高校艺术教育中的灵活运用》，在文中作者分析了普通高校声乐教学和专业音乐院校声乐教学的主要不同点，提出普通高校的声乐教育要与音乐欣赏、艺术实践和思想教育相结合的教学思路。《普通高校声乐选修课的尝试》，文章结合作者的教学实践从教学目的、教学内容、教学方法等方面探讨了在理工科大学中开设声乐选修课的问题，提出以声乐演唱技巧为辅、注重声乐欣赏，着力培养学生对声乐艺术的兴趣的观点。《浅谈普通高师声乐选修课教学的几个问题》一文则根据作者自身的教学实践，对普通高校声乐选修课教学中的教学形式与教学内容、声乐技巧训练、声乐教材的选用及考核办法等方面作了初步的探讨。上述论文多是从自身教学实践中总结出的经验，阐述了普通高校声乐教学的一些理论，并从审美教育的角度出发，集中探讨在普通高校开设声乐选修课的重要性，从性质与特征、功能与意义、目的与任务、基本原则等方面进行理论分析，从教学内容、教学形式、教学方法和课内外教学实践一体化、教师素养等方面进行实践研究，力求为广大高校一线声乐教师提供具有一定合理性的理论指导和可行性的教学建议，为促进我国普通高校声乐选修课的发展、推动普通高校音乐教育作出一些理论性的探讨。
目前，我国普通高校公共音乐教育已具有庞大的规模，纳入教学计划的音乐类选修课程，是普通高校开展音乐教育工作、全面提高学生审美素质的主要渠道，音乐学科的细分是必然的趋势。越来越多的高校也从单一的理论课扩展到理论、实践、欣赏多种类型并存的课程，有的学校还根据学生的水平分成了基础类与提高类课程。近年来，人们对教育的关注度不断提高，大力提倡教育改革，音乐教育专业也融入了改革的大潮，更加注重学生的专业技能，进而达到培养出更多高素质人才的目的。音乐教育专业是当前一个比较热门的专业，这一专业涉及面非常广。其中，声乐课是其重要的组成部分。由于教育改革为音乐教育打开了新的局面，所以当前的音乐教育面临着新的机遇和挑战，声乐艺术是用人声唱出的带有情感的音乐，它是音乐艺术中一个很重要的组成部分。声乐艺术是人的本能创造，最能直接表达人们的思想感情，使人的情感得到自由而畅快的抒发。人声的歌唱是最真实自然、最完美、最动听、最富有表现力的音乐，这也是任何乐器演奏出的音乐都无法比拟的。难怪我国自古就有“丝不如竹，竹不如肉”的说法，意思就是说人声的歌唱是音乐中最美的声音。中国汉代的音乐理论著述《乐记》中说：“情动于中而行于言，言之不足，故磋叹之，磋叹之不足，故咏歌之……”歌唱给人带来温馨、愉悦的精神享受，给人带来无穷的力量和生活的信心，激励人们愉快地工作和生活。因此，声乐是社会生活中不可缺少的一种音乐艺术表现形式。声乐艺术的学习是一种审美活动过程，人们在对自身优美声音的追求中，在声乐艺术给人带来的温馨、愉悦的精神享受中，逐渐培养起自己健康的审美观、高雅的审美情趣、活泼的个性和审视美、鉴赏美、创造美的.能力。通过对声乐艺术的学习，可以使人直接感受和领悟到音乐艺术内在的美，使人的情感、心灵得到升华，塑造和培养一种超越实用功力的人生态度。从普通音乐教育的整体上看，声乐艺术是整个音乐教育中的自然基础，声乐艺术的教育作用也是多方面的。器乐、音乐创作、音乐欣赏的音乐教育活动都离不开歌唱。歌唱活动直接与情感相关联、与心灵相沟通，无须进行机械操作，技术负担最少，因而简便易行、易于收效。在学习歌唱的进程中同时指导学生音乐欣赏、锻炼听觉，运用乐谱，了解音乐知识，增进对音乐的感受、理解和表现能力，正确的歌唱教学是培养学生获得良好音乐素质的最佳途径。技能训练中，包含音乐知识、歌唱技巧、识谱能力的综合运用。通过歌唱可以培养学生的音乐知觉、感受能力，各种不同表演形式的歌唱还可以培养学生的音乐表演能力。歌唱本身是对音乐作品的二度创作，可以培养学生的创造能力。同时，歌唱教学还是进行思想教育的有效手段。集体形式的歌唱还可以培养学生和谐一致、团结向上的集体主义精神。
3声乐鉴赏发展对高师音乐教育专业的意义。
新的音乐课程标准更加重视对学生审美体验和创新能力的培养，更加强调学生在音乐教学中的主体地位和参与能力。作为培养基础教育师资的高等师范院校的音乐教育专业，必须发挥声乐审美教育的作用，在专业课程中开设综合了活动课程和实践课程优越性的声乐作品鉴赏部分，切实提高学生的审美能力与声乐文化传承能力，这是十分有必要也是非常重要的。雷默把对音乐（包括声乐）的鉴赏和文化理解放到了音乐教育中重要的地位，指出：教授艺术的内容和过程不仅来自许多重要的学科，而且从教育学角度来讲，“理解、鉴赏艺术作品和创作艺术价值是等同的……从美学上讲，艺术作品体验与艺术作品创作同样有意义”。梅里亚姆在《艺术与人类学》（1964）中也讨论了艺术（包括声乐）的文化人类学研究的问题。他认为艺术包含四重组织模式：观念、观念导致的行为、行为的结果（声乐作品）、结果对观念的反馈。通常情况下，我们只对声乐作品这一结果做各种详细的研究，而忽视了作品源起的观念与对当代与未来社会的影响。然而，日常教学中经常存在这样一些现象：人们认为西欧古典的音乐实践本质上是超过摇滚、流行音乐或先锋音乐的，是高雅的、经典的，而民间音乐的本质是自然的、简单的，说唱（rap）的本质是坏的。再如，把流行音乐做好和坏的简单区分等。事实上，每一种声乐文化都是对特定环境的一种特定适应，在声乐艺术的观念、社会组织、曲库、音乐物质文化等方面，各文化之间是不同的，而正确评价一种声乐艺术则要求具有与之相联系的文化和社会的某些知识。只有当声乐艺术置于社会的和民族文化的语境中并作为文化的一部分时，它才能获得最佳的理解。
4结语。
民族声乐发展到今天，已经取得了相当大的成就。发展是一个长期的过程，出现各种问题是难免的，重要的是我们应当采取怎样的态度去解决这些问题。当前，多元的文化发展趋势要求我们的民族声乐教育也要以开放的姿态，在观念上和措施上都能够做到兼容并蓄，而不是故步自封。也唯有如此，才能适应时代发展的需要，推动高校音乐教育不断向前发展。
参考文献：
［1］郭建民，赵世兰.培养目标与就业方向——我国高师音乐学院（系）音乐表演专业的现状与思考［j］.人民音乐，（6）.
［2］郭建民，赵世兰.三个“链接”——高校音乐教育发展的必由之路［j］.中国音乐教育，（6）.
［3］曹广壮.德国柏林艺术大学访学启示［j］.中国音乐教育，2014（1）.
音乐教育论文
1.学校办学目标不明确、选拔机制不合理。
近年来艺考成为一股浪潮，各大综合院校也相继开始设立音乐专业学科，招收艺术类学生，虽然综合性大学专业设置比较全面，有人文科学也有社会科学，但这些专业之间不免分的太过细致而极易导致专业的狭窄，更不利于培养学生全面发展。再者有些学校开设音乐专业的办学目标并不明确，专业设置比较盲目。因此，它与以培养高端的音乐人才为目的的专业音乐学院和以培养实用型人才为目的的高等音乐院校还是有很大差距的。另外，音乐的艺考选拔对文化课的成绩要求并不高，导致部分学生或许对音乐专业并不感兴趣，迫于文化课成绩比较低，退而选择音乐这类的艺术专业，这种现象广泛存在于高等院校中。这样一来，学生在专业学习中就会面临种种问题，对毕业生的质量也有一定的影响。
2.师资力量薄弱，基础设施落后。
当前，各大综合类院校虽然开设了音乐专业，然而综合性大学涉及专业比较全面，不似音乐专业学院这种专业性很高的学校师资力量雄厚、配套教学设施完备。近年来高校扩招行为屡见不鲜，生源数量比较庞大，但在大多数综合性大学里，音乐教师的专业素养并不是那么高，高级职称师资力量不足，对学生进行一对一的教学方式也就无法实现。还有配套的教学设施包括乐器、音响、音像设备等都明显不足，造成了学生的实践学习能力比较差，对学生的音乐学习具有很多不利的`影响，这是高校面临的又一大问题。总之，提高音乐系学生的质量是众多综合性大学改革音乐教育模式的最终目的，改变传统教育模式就要从大学师资力量和基础设施入手，循序渐进地进行改革与创新。
二、综合性大学音乐教育存在问题的解决措施。
1.推动教学体制改革。
为实现培养德智体美全面发展的社会主义接班人这一基本目标，传统的教育模式已经远远无法满足这一要求，各大高校教育管理体制改革蔚然成风。目前，各高等院校将学分制作为教育体制改革的核心，学分制即是把学生的自主学习放在主体地位，学生在每学期的学习期间，可以跨专业选择自己感兴趣的其他专业进行双学位学习或者把它作为公共课来学习，这种教育模式充分发挥了综合性大学多专业、多学科的优势，更有利于应对学生未来的就业瓶颈。同时为了扩大选择的范围，许多高校还开创了相近专业互选的模式，例如音乐系音乐表演、作曲、播音与主持艺术专业可以和舞蹈系开设的专业课可以互选，这为音乐专业学生的多方面发展提供了有利渠道。另外，学校规定选修课学分制，也成为督促学生对其他专业的基础性认知，学生可以自主选择通史教育课的学习，促进学生的全面发展。
近年来各大高校为适应教育体制改革，教学计划都作了相应调整。音乐专业教学计划将基础课程放在关键位置，并增开选修课，让学生不仅仅能把专业知识打好基础，更有机会根据自身喜好选择学习其他专业的知识。《视唱练耳》、《基本乐理》作为音乐学的两门基础性学科，在音乐系学生的学习中占据主导地位，在课时分配上和学分制定上都会有所增加，如此一来，就能够有效的保证基础课的应有课时、节约教学资源，对学生来说，更能使音乐系学生有充分的时间和精力完成本专业课程的吸收，提高专业素养以实现高校人才培养目标。另外，在教学模式上为改善师资力量不足这一现状，将增加原先的“一对一”专业课教学课时，让学生有更多的时间与教师进行面对面的交流和指导，从而提高学生演奏、演唱的专业技能。
3.加强基础课程建设。
教学质量的提高关键在于强化基础性课程的建设，而并非是简单的增加课程课时和学分。为实现音乐专业重点课程建设这一目标，首先要确定音乐专业的重点课程，即视唱练耳和基本乐理，把这两门重点课程作为音乐生学习的主体，并为每门课程投入专项经费进行立项建设。其次在重点课程教材的选择上也必须要求是国家统编的优秀音乐教材，这类音乐教材无疑是质量和教学效果最佳的，老师也可自己编纂一些具有地区特色的音乐教材，以帮助不同层次、不同地区的学生进行学习。高职称的骨干教师也可根据学生的不同学习特点，组织开办音乐专业教学研讨会，开创适应现代学生高效学习的新型音乐教学模式。
4.丰富音乐专业内涵。
我国综合性大学虽然在培养音乐专业性人才的教育上不如专业性的音乐学院，但综合性大学的教育也是具有不可比拟的优势的，比如说综合性大学的文化背景比较强大，多学科的开设也有利于音乐系学生的多方面选择与发展，这些优势若能够合理利用，那么高等音乐教育事业就会步入新的发展期。首先综合院校要制定合理的人才培养方案，在推动音乐专业建设的同时及时解决现实问题，引进高水平的音乐教育人才，培训出一批专业的骨干级音乐教师，并对教师的知识理论和实践技能进一步深入。另外推广现代科学技术，作为一种必不可少的教学手段进行使用和研发。艺术教育不仅仅要立足于艺术家，还有许多其他专业的学生在音乐方面也会有天赋，开设选修课也是为了扩大音乐在其他专业学生中的学习和发展，这两者是共同促进的，也是丰富音乐专业内涵的重要途径。
三、结语。
由上可见，为适应新时期的高等院校教学培养目标，综合性大学音乐教育模式的改革势在必行，只有不断革新才能使得综合性大学的音乐教育具有长足的发展，希望上文我对综合性大学音乐教育模式改革的简单探讨，能够给现代教育事业的发展带来一些启示。