读后感可以激发我们对于文学艺术作品的兴趣，培养我们的审美能力和人文素养。下面是一些经典的读后感范文，希望对大家写作有所启发。
中国艺术史读后感
本书讲述的是世界艺术史，分为绘画、雕塑、建筑三个部分，分别从最古老的画、世界上第一座雕像、最古老的房子讲起，一直到现代派画、现代雕塑、当今世界建筑新思想，娓娓道来，每个部分又分为20多个章节，每个章节四五页，适合睡前读给孩子听。
书中附了大量经典图片，有些图片在希利尔的三部书里重复出现，这些名画、雕塑、建筑在当地应该就好比清明上河图、司母毋大方鼎、长城故宫在中国一样，是人人都知道的吧?它们就是你了解世界的一个窗口。我只能说，读这本书，使我草草地了解了一下这个世界的艺术史，因为实在不懂得欣赏，看不出毕加索的画好在哪儿，看到咱们上海、天津、哈尔滨的那些外国风格的建筑，依然分不清哪些是哥特式、拜占庭式、巴洛克式。
从小到大，我们大人都没有受过艺术的熏陶，如今的孩子忙得很，也不能静下心来去欣赏什么艺术品。小地方对地方文化没有什么系统的教育，我曾经在清风楼碰到一个外地男子，问我“邢台不是殷商古都吗?殷商旧址在哪里呢?”我从没听说过殷商旧址在哪儿，很是尴尬;读后感·对美术音乐就更不重视了，我们大部分人从来没有真正见过一幅名画，见到的只是图片，就跟我们看到印有尼亚加拉大瀑布的明信片，那并不是真正的瀑布。
我所见过的雕塑就是卧牛、三人塑像和郭守敬。第一次去参观博物馆，是一个姐姐带我们去湖北省博物馆，讲解服务已用完，展厅好几个，东西又多，瞎看一气，也没记住什么，出馆时等待的姐姐问我们有没看到三件镇馆之宝，才恍然大悟。以后每逛一个博物馆，能和孩子了解深入一下镇馆之宝，目的就达到了，不要想着件件不落。
这部书是美国人写的，而美国是一个年轻的国家，所以介绍的内容主要是他们的老祖宗所在地--欧洲的，中国的东西一点儿也没有。我想，他们可能不了解中国，如果是介绍中国艺术史，该给孩子说些什么?绘画、书法、诗词、建筑、青铜器?这个问题要交给刘老师。
中国艺术史读后感
在新世纪即将到来之际,欲完整透彻地说明20世纪末期艺术史研究的状况似乎不太现实.我诚心向那些有意更进一步探究这个问题的朋友大力推荐多纳尔德・普莱茨奥斯最近所著的一本评论文选,它由牛津大学出版社出版,题为艺术史的艺术.这本书概览了自约翰・约阿希姆・温克尔曼开创了艺术史研究这一门专业以来,艺术史研究所沿循的.主要方向,并且从18世纪中叶到20世纪末期这一期间发表的文章中选出相应的代表性作品收入.
作者：罗纳尔・德莱乌贺慧玲作者单位：刊名：第欧根尼英文刊名：diogenes年，卷(期)：“”(2)分类号：关键词：
中国艺术史读后感
很多人认为神圣的幻觉是艺术，而福尔对艺术的定义是“和谐的最崇高、最富表现力的形式，是仰仗对物质和智能的厚爱来证实它的一致性的生动形式。”我对艺术的见解却又停滞在一个领域中，所以，我不知道如何去阐述这套《世界艺术史》，它捕捉的层面，已经跨越了我所了解的信息点上。此刻，我不是一个书评人，我仅仅是一个学习的读者。
艺术概括生活，它用言语捕捉我们周围的表象，它返照人，也呼唤着人与人之间的沟通。《艺术世界史》其作品篇幅之浩瀚，构思之宏伟已能窥见几分。艾黎·福尔的文笔很惊艳，用法国人独具的情感文字，去描摹艺术史，是很奇妙的搭配，这本书散发着诗意，且也在不断的再版，他的努力慰藉了与之同时代的人，也宽慰了遗忘艺术史却想捕捉艺术的人们。
福尔的文笔精简，像慢慢渲染的国画，可以听见先哲的沉思，山野的鸟鸣，甚至是夜晚的宁静。
在史前艺术中，我们能感受到征服的欲望，当原始人用几条简略的线条把野兽的`姿态和形象捕捉下来时，艺术诞生了。在洞窟艺术中，我们都能找寻到那些构图沉稳，飘逸起伏的景致，像云纹锦缎，像阿尔塔米拉壁画，这些充满生命力的色泽，越加显现出不同的韵味。
作者的文字代入感很独特，他把人与人，人与森林，人与野兽的接触，都一一靠拢，把解体文明和新生文明的过渡，再一次解析。
艾黎·福尔所说，“我所构思的艺术史不是经由准确无误的诗意的移植，而是通过尽可能栩栩如生的诗意的移植完成的，它是由人类建构的造型诗章。”艺术不是复制的工艺品，它更多是人类对艺术的理解，他在神庙中，有一段这么描述，岁月对待神庙就像对待大地一样，岁月把雕像、色彩从神庙怀里夺走，同样地，岁月也让森林沉入大海，让高山盖满沃土，让山泉干涸，听任神庙被付之一炬，留下一片废墟，在废墟旁红棕色的野草下，到处是裸露的焦土。80万个炎炎赤日烘烤着神庙，随着太阳西沉，神庙便被沉浸在灿如烈焰的漫天红霞中。
这段无疑把神庙的和谐之美，溢了出来，即便它早已破败不堪，他依旧用他的笔触去修饰雕琢那里的美，仿佛它没有废墟的痕迹。
我想艺术就是大脑中迸发的构思，是考古者对现存文物的描摹，甚至是对远古的一种讴歌，在人类的曙光中，我看见了菲迪亚斯中给我们带来的慷慨情绪，甚至是普拉克西特利斯与之不同的感受。那些青春的躯体，都传递着圣洁和理想。
艾黎·福尔从原始人开始定位艺术的起源，用八个章节写了艺术发轫，也用八个章节写了东西并进，这些艺术的步伐从远古到东西方，一步步递进，他把不同时期的图片去贴近历史，用自我情感的文字，去装饰艺术的真实和联想，有人也责备福尔的艺术史不像艺术史，更像一篇讴歌的诗篇，但我个人觉得艺术除了时间，它本质是一样的，就像作者认同它是诗意的移植，由人类建构的造型诗章。他不拘于章法，他只求那份随性，所以，这本书倾向性明显，那些工艺装置的不断改进，道德范畴和美学范畴的融合，让这些影响相互交杂，它的积极性是可以遇见的。
《世界艺术史》这本书影响了数人，我也是其中一人，我没有看完，也无法看透。我觉得每一个感受美的人都能从中感受到一股浓浓的诗意。
《星体艺术史》读后感字
绘画问题并不首先、也不独属于画家或美学家。它属于可见性本身，故属于所有人。—d.马里翁(didiermarion)。
当提到“艺术史”的时候，你会想到什么？
是书店里装帧精致的各类艺术史大部头？是美术馆里望尘莫及的艺术作品？还是身边留洋回国的朋友们社交网络里时常出现的中产阶级小资情调？艺术是什么？历史又是什么？当两者结合到一起，更是令人一头雾水。
传统的艺术史研究强调“风格流派”、“图象志”、历史背景和艺术家生平等，在如今艺术的“后现代”时期，欣赏一个作品时，甚至还需要参考大量晦涩且“高级”的欧陆哲学。观者和艺术作品之间的鸿沟变得越来越大，作为起源于艺术家内心情感的艺术作品似乎距离人们真实的“心”越来越远了。
在书中，作者抛开所有先入为主的理论叙述、历史脉络和社会政治背景，运用天马行空的想象力，从“感觉”和“自我内部”出发，引导读者用“心”去“感受”艺术作品。正如徐冰老师在序言中所说，作者借助星体理论对“艺术”做了细致的对比，寻其“法像”与“真像”。这种尝试本身就具有艺术创作的性质，像是给看似有序的文化生态输入了一个新的序列。
看到视觉形式背后的东西。在这样一种观看方式下，观者就由对作品的“鉴赏”转为“感受”，“看”与“感”相连接，“观看”不再是作品的全部，而成为“感知”的起点。
梅洛·庞蒂曾说过，“眼睛不仅仅是眼睛。看，要胜过“看”本身很多。看也是感知，看，就已经在思想。从这个意义上讲，艺术让人思考”。
作者提出的星体云图就引发了观者的思考。艺术作品将人们的眼睛与心灵相连，直至光年外的宇宙星系。在那里，来自不同时空的艺术作品交织缠绕，映照出人们内心共同分享的喜怒哀乐，以及许多无法用语言描述的人类原始情感。
比如，在开篇的月亮美学部分中，作者提到，在星体理论中，月亮通常是“情绪”的代表。“月亮美学”通过阴影，夜晚，镜子，凹陷，子宫，湖面，马，鲸鱼，壳，母亲，有壳的动物，闭眼等，代表隐蔽性、收缩性、封闭性（壳和遮蔽）和保护性结构的形象进行表达。表现出我们生命中重要的情绪状态——“情绪的内观”，也即“心灵的秘流”，包括回忆的过程。常见的意象包括月亮、镜子、潮汐、湖面、茂密植物形成的遮蔽物、窗帘等。
中国艺术史读后感
《希利尔讲艺术史》讲述的是世界艺术史，分为绘画、雕塑和建筑三部分。我刚读完绘画部分。这本书的绘画部分介绍了西方，特别是欧洲的美术史。主要内容包括：
·穴居人洞穴里的壁画。
·古埃及陵墓、神殿和两河流域宫殿里的壁画。
·古希腊的绘画故事和花瓶绘画。
·的绘画作品。
·文艺复兴时期的著名画家和作品。
·17~18世纪的几位画家。
·新古典主义和浪漫主义画派。
·印象派画家和作品。
·后印象派、非物象画派、超现实画派和其它现代派画家。
希利尔重点介绍了文艺复兴时期的大师和作品。绘画部分有29章，其中有10章在写文艺复兴时期的绘画。在这些文章中，我最喜欢希腊的愚人画故事和文艺复兴时期的大师介绍。
希利尔认为：描摹出一幅画是很容易的。即使不描摹，看着一个东西描摹出一幅画也难不到哪去。成千上万的人都能画出一篮子水果、一瓶花或一处漂亮的风景，但这些画都只是简单的临摹而已。还有许多人可以临摹出伟大画家的作品，有些甚至临摹得非常像，简直让人辨别不出真假。但很少有人能够全凭自己的画笔创作出一幅画，能够将各种零碎的碎片拼凑成一幅美丽的图画。只有能够做到这一点的人才能够算得上伟大的画家。
我认为：描摹出一幅画也是很不容易的，创作出一幅画就更难了。光和影每一刻都是在变化的，画家在绘画时会加入自己的感受和想象。美术作品的效果往往是摄影作品很难达到的。
法国画家柯罗曾经说过：“假定某一景色使我激动，我一定在潜心表现它时，丝毫不放过使我激动的东西”。你能在柯罗的《蒙特芳丹的回忆》感受到使柯罗激动的东西吗?我觉得这句话也可以用在写作上，我们在写作时应该丝毫不放过使我们激动的东西。
中国艺术史读后感
因此，教师对应认真对待历史教材中的每一项教学内容，充分挖掘它们的内涵，让学生得到全面的教育。
丰富多彩文学艺术史是整个历史教学中的重要的内容之一，为培养学生各方面能力提供了很好的素材。
如何把握好文学艺术史的教学，让光辉灿烂的文化给学生全新的洗礼，达到良好的教育效果，是一个值得探讨的课题。
新课程标准指出，通过历史学习，初中生要“形成对祖国历史与文化的认同感”，“形成健全的人格和健康的审美情趣”，提高学生的人文素养，使学生成为适应新时代的一代人。
要实现上述目标，文学艺术史教学的重要性自然不言而喻。
文学艺术史是整个文化史中一个重要的组成部分，但课堂上对于这一部分内容的教学却大多开展得不很理想，一个重要原因是文学艺术史中蕴藏的丰富的教学素材没有被充分挖掘。
初中历史教师在文学艺术史的教学过程中应挖掘出哪些教育素材，使学生的能力得到提高、个性得到发展呢?笔者根据多年教学实践，谈几点粗浅的看法。
一、引导学生呼唤生命的情感。
日常教学中，一些老师对文学艺术内容，或根本不讲，或只强调社会背景，而忽视其人文内涵，这就错失了对学生思想情感教育的一个大好机会。
爱是一种生命的情感，也是情感教育的核心所在。
很多文学艺术作品都蕴含着对生命的大爱。
如我们的国歌《义勇军进行曲》，中华民族为捍卫国家和民族的尊严的顽强斗志和不屈精神永远熠熠生辉;贝多芬的《命运交响曲》以英雄的气魄表现了人类与厄运顽强抗争的不屈精神;梵高的《向日葵》充满着顽强的生命力和对高雅圣洁人生的追求;我国著名诗人屈原《离骚》中的“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”是生命的曲折;毕加索的《格尔尼卡》有力地控诉了法西斯对人生命的摧残。
教师应该引导学生通过阅读这些文学艺术作品培育敏感而丰富的心灵，培养对生命世界的珍爱。
教学这些文学艺术史内容时，教师可以精选其中最动人心弦的篇章呈现给学生，引导学生阅读，交流感受，通过深入评析，揭示其中蕴涵的理性追求和人文精神，把学生的生命情感引入更高的境界。
二、培养学生形成正确的审美观。
我国学校教育活动的基本任务之一就是要对受教育者进行审美教育，使之感受美，理解美，进而创造美。
初中生的审美观还相当模糊，什么是真正的美，如何去辨别美，都是无从而知。
但靓、帅、酷等词经常出现在他们的审美字典里。
通常，我国的审美教育主要集中在美术、语文、音乐等学科中，这些学科承担了美育功能的大半，但“五官感觉的形成是以往全部世界史的产物”，从历史学科的角度进行的审美教育，这种功能是其它学科难与分庭抗礼和望尘未及的。
文学艺术史的教学给学生的审美教育不只是从视觉、听觉来实现，而是在此基础上让学生认识美、体验美到追求美、实践美的过程。
如我们歌颂历史上的英雄人物，就是为了通过美的典型和美的境界的陶冶作用和诱导力量去美化学生的心灵，引导学生确立追求真理的意向，从而教育和激励学生奋发向上，认识历史发展方向，培养为人类美好理想献身的精神。
历史教材中的古今风流人物、民族精英，他们所迸发出来的思想之光和焕发出来的精神风采，为我们展示了生动感人的审美对象，他们闪光的心灵，灿烂的'人生能使学生产生强烈的美感。
从孔子首创“学而不厌，诲人不倦”的教育品格到诸葛亮一生“鞠躬尽瘁，死而后己”的专一奉献，从邓世昌誓死御敌，义不独生的高风亮节到谭嗣同为变法而喋血的壮美情怀，这些人物的形象一旦潜入学生们的内心，就能像灯塔一样引导他们前进的方向，照亮他们前进的道路。
三、培养学生形成良好个性和健康人格。
古今中外名人辈出，其言行事迹对帮助学生形成良好的个性，健康的人格和社会责任感方面，有着得天独厚的条件。
例如：通过学习屈原的“长太息以掩涕兮，哀民生之多艰”、辛弃疾的“醉里挑灯看剑，梦回吹角连营”，让学生体会他们强烈的社会责任感;从司马迁写《史记》、司马光写《资治通鉴》的过程中，学习他们坚忍不拔的意志和求实务真的治学态度;从李白的“不肯摧眉折腰事权贵”、关汉卿的“感天动地窦娥冤”，让学生为他们的傲傲铮骨而感动;老渔夫桑地亚哥证明人性是强悍的，一次又一次地向限度挑战，他带给我们的是人类最为高贵的自信!如音乐大师贝多芬所说“我可以被摧毁，但我不能被征服”。
教师在教学过程中要用心发掘，使历史人物形象有血有肉，使学生走近历史人物，溶进历史人物的情感世界，在潜移默化中学习和继承前人的传统美德，理解人生的价值和意义。
四、培养学生全面发展的能力。
在文学艺术史教学过程中，为全面培养学生的能力，发展学生的特长，我们还可组织学生进行诗歌朗诵比赛、古典名著读后感评比、故事擂台赛、历史短剧表演和书法比赛等竞赛类活动，通过学生的培养，更好的挖掘出学生兴趣爱好，增强学生的自信心。
通过利用现代教学设备和灵活的多元化教学方式的采用，不仅增强了历史课的趣味性，而且为学生综合能力的培养提供了舞台。
总之，文学艺术史在实现素质教育目标中的作用愈显突出。
作为中学历史教师，更应提高自己的综合素质，特别是文学艺术方面的知识修养，克服各种困难，挖掘人类文明成果的教育素材，为培养全面发展的人而不断探索前行。
参考文献。
1肖川：《教育与文化》，湖南教育出版社，1990年版。
2苏霍姆林斯基：《怎样培养真正的人》，教育科学出版社，版。
3斐伏尔《美学概论》，第40页，转引自劳承万《审美中介论》。
4鲍丽倩《历史新教材课堂教学中的误区》历史教学第3期。
5《教育的艺术》190页，苏霍姆林斯基。
中国艺术史读后感
一本有梗的大话西方艺术史，作者用现代的语言和眼光带我们重读西方艺术的渐进发展史。这是一本了解西方艺术的科普读物，诙谐幽默的语言可以让小白更好的去接受并且产生兴趣，其中也不乏含有语言的严谨。在开头就阐述了一种很有意思的说法，人怎么来的，你比较东西方之后会发现，竟然会有一些异曲同工之妙，人与人之间的想法会有很大的相同之处，属实怪哉。
这本书的每一小章节就诉说了一个故事，叙述了一个艺术家的一生伟大的创作以及人生中的起起伏伏，作者通过时间的节点以及亲切的第一人称语言带你去西方艺术的发源地开始，带你快速的游览了一遍各种风格的艺术，写实的，浪漫主义的，到黑暗的中世纪再到文艺复兴，人类关注从神到人的自身，以及环境的改变，时局的变化对艺术都有很大程度的影响。
相对来说我会觉得这是一本比较适合历史新人的作品，或者对艺术感兴趣的一种精神美食。
中国艺术史读后感
经过几周的中国艺术史课的学习，在老师的引导下，渐渐地对中国历代的'美术知识有了一些了解，感受到民族文化的精深。
在中国历史的了解中，我对宋代的那段历史有一些过多地了解。宋太祖赵匡胤通过黄袍加身成为宋朝的开国皇帝，结束了五代十国的战乱。虽然他通过“杯酒释兵权”削弱了军队的战斗力，然而却使整个国家的经济文化得到了繁荣的发展。在诗歌方面的发展从唐以后的豪放大气转为细腻委婉，造词组句也更加生动细致令人细细品味，意境深远。在经济方面，更是发展到了极致，一片市井的繁荣，而这一切的繁荣正是为文化的发展提供了物质保证。科技方面也是有了很大的发展，印刷术、航海罗盘、天文方面的水运天象台等等，这些科技发明是人类的文明得到了很大的发展。这一段历史，我认为是中国历史上最重要的历史之一，在这段期间，尽管军事上处于薄弱的地位，但是中华民族的文明发展的淋漓尽致，人民的生活相对来说比较安定，而这才是人类发展的根本目的。
中国文明发展的同时，也缔造了很多的历史名人，在这些众多的名人中，我对朱耷的印象相对来说比较深。朱耷是明朝皇室的后裔，在国破山亡后，他在逃离和悲伤中过完余生。因此，每当我看到他的作品，我就感觉到一种孤独悲伤的情感。在他的一些鸟禽图中，简短的几笔墨痕就勾勒出一只孤傲但又落寞的禽鸟，画面中反映了朱耷的哀伤之情，同时，也感受到他的气节。例如，在他的一幅画中画了两只停在树枝上的鹰，其中一只昂头张望，但它的眼神中却是一股傲然不懈的神情，像是对清朝的不屑；另外一只耷拉着头，畏缩着脖子，羽毛也松软杂乱，好像是一种无奈的忧伤的感觉，从这幅画中就看出了朱耷自己身影的写照。因此，每当我看到他的画的时候，我都被他的画深深的打动。
每个民族之所以能够立足于世界民族之林中，是因为这个民族的文化给予了这个民族的根和生存下次的养分，这不只体现在民族中，也体现在现在的企业品牌中。在众多的品牌中，我比较喜欢的是“三福”这个衣服品牌店，这里的衣服主要服务对象是年轻人，这里的衣服款式多样，并且体现时尚。这是一个普通的类似于连锁的衣服店，在这个店的品牌商标中，就体现着这个品牌所要体现的年轻、时尚的品牌气息。在它的品牌的标志中，是以九宫格为原型的九块具有跳动气息的红、黄、蓝三样颜色的色块组合而成，让人看起来活泼而具有亲切感的同时，也感受到这个品牌店的时尚、年轻的经营文化。因此，每当我买衣服的时候，我一般都回去那，在那里除了价格实惠外，主要还是倾向于他的品牌文化。
因为我的专业是建筑学，专业性质的要求需要我们将技术与艺术结合起来，这就需要我们涉足于哲学、音乐、美术、科学等领域。而这次中国艺术史的选修课就很好的给我提供了一个接触中国文化的机会，通过学习这门课，也确实受益匪浅。关于未来的职业规划，以前我是倾向于走一步是一步的思想，但是最近我发现人生还是需要适当的规划。在我的未来几年，我打算在毕业之前，学会专业的制图三维软件和扎实的专业技能知识，另外打算提高自己的英语能力，具备有外国人交流无障碍的能力。因此，这就需要我在这学习的几年中，将付出更多的努力，而我也将脚踏实地的去实现自己的计划，追逐自己的梦想。
中国艺术史读后感
艺术通史阅读对于提升公众的审美素质，引领公众的人文关怀，对于吸收人类文化艺术的优秀成果，激励当代的艺术创造都具有重要的作用。目前，在一般读者层面，需要史料更加翔实的读本以开阔眼界;在专业读者层面，需要了解西方艺术史学新的成果以深化学术研究;在普遍兴起的大学艺术史课程里，更需要一本牢靠的艺术通史著作以资参考。
20世纪80年代，一些西方的艺术通史著作被引进到国内，有的过于专门化，有的又过于简略。同时，我国学者编写的世界艺术史著作，或是艺术部类不全，或是只限于某个地域。而修·昂纳和约翰·弗莱明合著的《世界艺术史》改变了这一状况。此书从1981年第1版问世以来，便以结构的完整、资料的新颖和见解的缜密成为各类艺术史中学术质量上乘的版本，受到西方艺术史学界的普遍好评，被国际学术界誉为资料最新、累集最完整的艺术史通史。
《世界艺术史》全书以“世界史”的视角涵盖全球，以时间的先后顺序为经，宽广的地理全景为纬，将大量的材料予以贯串重组，以求体现艺术作品和现象在历史时空中的原貌，勾勒出艺术历史起承转合的脉络，并在强调艺术创作与社会发展之间指涉关系的同时，注重艺术本身形式内容的变革兴替。内容直到20世纪的录像艺术，书中涉及绘画、雕塑、建筑、摄影等各艺术门类，另外也包括丝织、钱币、陶瓷、镶嵌、印刷、金银器等工艺美术与设计等艺术内容，向读者展示了一个比较完整的世界艺术史的发展历程。
《世界艺术史》与其他版本的世界艺术通史相比，有以下几方面特点值得注意：首先，作者以“世界”为视野的历史写作理想显得更加突出，贯穿在历史叙述中的整体观和有机观更加明确。长期以来，在西方学者的“世界”艺术史著作中，以西方为中心或以“西方”代替“世界”的历史观念往往居于主导地位，西方之外广阔地域的艺术史现象往往未被纳入研究领域或语焉未详。东西方世界都有着悠久的文化，各国的艺术史共同组成了璀璨的世界艺术史。
清醒地认识到这一点，他们在书中对包括中国在内的亚非拉美各国各地区的艺术都给予了一定的笔墨，全书体现出权重平衡的客观性，这是值得充分肯定的。其次，本书作为通史，在时间跨度上做了最大努力，上起人类文明的开端，下至20世纪的尾声，史料中收入了大量的专题、个案和最新的艺术现象，使得此书有了一种贴近现实的姿态。可以说，它既是20世纪艺术史界的掩卷之作，又是艺术史走向新千年的提示之作。再次，在历时的叙述模式中，作者执意营造了读者可知可感的空间，通过背景介绍、概念探析、原典与文献这些烘托“正史”的精彩板块，是历史更加立体起来，让读者能够在阅读中结合图像，获得更为深入的知识，也可以探究阅读中生发的学术命题。这种结构在艺术通史体例中颇见新意。
另外，作者在写作此书时尝试引导读者对不同地域、不同时期的艺术现象进行具有启发意义的比较。例如，将公元前5世纪古希腊的“文明”文化与其邻近的“野蛮”文化并置观察，使得读者能够更深刻地理解人类由野蛮走向开化的过程;又将重在写意的中国山水画和重在写实的西方水彩画两相对照，从而看出东西方对于艺术的态度差异。通过这些比较，作者试图在艺术纷繁复杂的“个性”中总结出内在统一的“共性”。
通史之难在于一个“通”字，除却以上优点，书中也存在一些不足之处。作者虽然努力以“世界”为观照对象，在古代部分介绍了很多有关中国艺术的内容，甚至还及时吸收了中国考古发现的新史料，但在现代部分，却忽略了极具特色的20世纪中国艺术，在对当代中国艺术的选取上，也很不尽完备。这种学术局限性需要中外学术界进一步的交流沟通，需要中国艺术史学者下更大的力气向世界推介我国的现代艺术。当然，我们不能求全责备，《世界艺术史》依然是一本具有较高学术价值的艺术通史。通读《世界艺术史》，各国艺术奇葩尽收眼底，大有“一览众山小”的心境，使读者自发地从各种艺术的比较中去思考现象背后的奥秘，更敏锐地感知世界。经海峡两岸学者通力校译，中文版《世界艺术史》已经面世，希望此举能使更多的中国读者读到此书。
中国艺术史读后感
这个国庆节我了解了许多世界名作和艺术家，不过，我不是去巴黎的卢浮宫或其他博物馆哦!我只是看了一本《希利尔讲艺术史》。其中有三位艺术家令我印象深刻。
第一位是著名画家达·芬奇。他最著名的作品《蒙娜丽莎》是给一个名叫蒙娜丽莎的公爵夫人画的肖像。夫人那带着浅浅的微笑的脸上又有一种让人捉摸不定的神情，仿佛看到了一样让她十分欣慰的作品。达·芬奇不仅是艺术史上第一个懂得运用明暗手法的画家，而且他还能让画中的人物看起来十分饱满，一点也不像硬纸板上画出来的人物扁平。达·芬奇之所以能把人物画得这么逼真，最主要的是因为他懂得如何运用阴影和光线以及如何处理光明部分到阴影部分的过渡。虽然他的作品不多，但一点也不影响他在艺术史上的地位。
命运最悲惨的要数法国画家凡·高了，他最了不起的地方是他能用硬梆梆的油画笔画出柔软的线条，他的画总是色彩艳丽却又在同一个色调，看起来十分协调。
我最崇拜的艺术家要数米开朗基罗了。米开朗基罗一旦着手去做一件事，他总能克服一切困难完成它。比如有一位教皇请他在西斯廷礼拜堂的穹顶绘画，作为一名雕塑家，他拒绝了教皇。但是因为嫉妒他的人开始传播谣言，米开朗基罗决定用真实的绘画水平让这些谣言不攻自破。可是当他真正画起来时才发现在巨大的穹顶上绘画有多么困难：躺在脚手架的顶部只能看见一小片，根本无法建立画面的整体观，而且当他在头顶上绘画时，画笔上的颜料总是滴得他满头满脸。因为其他画师的绘画水平远不能让米开朗基罗满意，他辞退了所有画师，独自一人花了整整四年的时间完成了这项艰巨而繁冗的创作。米开朗基罗留给后人的不仅是西斯廷教堂绚丽多彩的穹顶和很多杰出的雕塑作品，还有一种伟大的精神：一旦着手去做了，就要坚持下去。
读完这本书，我才发现自己了解的艺术作品并不是很多。书中讲述的艺术家们一个个生动有趣的故事和一段段悲惨凄凉的个人经历，使我回味无穷。
《希利尔讲艺术史》读后感
作者希利尔通过讲述每一件艺术品背后的故事，向我们传递了这样一个信息：艺术来源于最普通的生活，每个孩子天生就是艺术家，而每个真正的艺术家也都永远保留着一颗童心。
我最喜欢读的是〈天才画家达.芬奇〉。奥纳多.达.芬奇出生在文艺复兴时期的意大利，他天生就是个左撇子，能从右到左写字。他是有史以来最了不起的画家。在著名的巴黎卢浮宫艺术博物馆里，保存着达.芬奇的一幅名画，这幅名画就是《蒙娜丽莎》。
《蒙娜丽莎》画的是一位意大利的贵族妇女。她脸上挂着一丝淡淡的微笑，那微笑是如此美妙，仿佛画家的画笔当初稍有一点变动，它就会消失不见了。达.芬奇之所以可以把人物画得这么惟妙惟肖，是因为他知道如何运用阴影和光线，他还懂得怎样处理明暗之间的过渡。他是历史上第一个知道怎么运用这种绘画手法的画家。
达.芬奇创作绘画之前，先进入生活仔细体会，直到有了灵感，构思成功才开始绘画。他这种热爱生活，贴近生活，慎密构思的方法永远值得我们借鉴和学习。
《希利尔讲艺术史》读后感
因此，关注自然和艺术，就是关注德国诗人荷尔德林所说的“诗意的栖居”。特别是艺术，即用艺术形式所构建的和现实世界拉开了一定的距离的诗意的世界，它，简直就是“诗意的栖居”的最最根本当然也是最最坚实的保障。
艺术的胜景，一直以来都是真真切切地呈现在我们的世界的版图上的。然而，在艺术的大千世界里，真正称职的导游，却从来都是少的。因此，当我漫不经心地打开了《希利尔讲艺术史》这本书时，第一感觉，便是我遇到了一位好导游。有能力跑前跑后为我们介绍自然风光的导游数不胜数，而有能力在艺术的版图上耐心地为我们指点江山的文化导游可就少之又少了。越少，自然也就越是弥足珍贵。
希利尔的全称，是维吉尔•莫里斯•希利尔，和我们的文化国宝鲁迅先生是同一个时代的人。作为一位著名的教育家，作为美国卡尔沃特教育体系的创建人，希利尔十分地了解传统教科书的种.种弊端，了解家庭教育的课程体系究竟应该是怎样的一个课程体系，因此，他便独出心裁，畅言艺术，最终，为全世界的孩子们捧出了这套包括《希利尔讲艺术史》在内的趣味盎然的历史、地理和艺术读物。
以对话或提问的形式切入，循循善诱，引导孩子们在艺术的圣殿里逛游，很显然，是它的一个明显的特征。仅是这一个特征，就使它避免了呆板、生硬和僵滞等毛病。绘画、雕塑和建筑，希利尔就像是在课堂上自自然然、大大方方地讲课一样，讲来讲去，就讲了这三个部分。也可能是文学艺术、音乐艺术、舞蹈艺术等等太浩繁、不太好讲的原因吧，因此，希利尔也就避开了。
“这幅画出了什么毛病”、“(让人误以为是真的)愚人画”、“石头里的故事”、“寻找宝藏的人和一个秘密”、“第二优秀和最优秀的骑士雕像”、“女式建筑”、“罗马不是一天建成的”、“麻烦的圆顶”……你听，希利尔已经正式开讲了。我们，只是把眼睛、耳朵、脑子和心灵都准备好了，自然也就行了。是的，最好，还要再准备好一双手，准备好一双手的目的很显然是为了不断地往我们的心里拾。往我们的心里拾宝贝，这，才是一个正经人的正经事儿。
希利尔在讲“世界上最古老的绘画”时，是从自己的小时候的绘画经历开始讲起的：“小时候，我在上课时，总喜欢拿着一支铅笔。我的木头课桌上有两个小圆圈，它们之间的距离只有几十厘米。我就用铅笔尖在其中一个小圆圈上轻轻地戳了一下，接着，又在另外一个小圆圈上轻轻地戳了一下，两个小圆圈就神奇地变成了一双小眼睛。我在这双眼睛上分别画了一个圆圈，然后用一条弧线把它们连了起来，看上去就像是一副眼镜。第二天，我又在眼睛下面加了鼻子和嘴巴。
第三天，我又画上了耳朵和头发。第四天，我又在画好的头上加了一顶俏皮的帽子。第五天，我又在脑袋下面加了一个身子，还有胳膊、腿和双脚。就这样，一个完整的小人就画成了。”希利尔在讲“以假乱真的画”时，所采取的，依然是同样的现身说法：“小时候，我养过一只小猫，没事儿的时候，爱经常地逗它玩。有时候，我也会把它抱起来，让它自己照镜子。
它每次看到镜子里的猫时，都认为那是另外一只猫，于是，就自己和自己打架。它弓起背，对着镜子大声地发出‘喵喵’的叫声，实在是太有趣了。不过，如果你给小猫看一张画着小猫的画，它就一点儿反应也没有，就像根本就没看到一样。小狗也是这样，它会对着镜子里的小狗‘汪汪’地狂叫，但对图片中的小狗却总是视而不见。原来，它们虽然能看见图画，却不懂得欣赏图画。
有些人也是如此，他们能看得见画，却不一定懂得如何去欣赏。因此，能不能看到东西，与会不会欣赏东西，实在不是一回事儿。《圣经》里有句话说得好：‘有眼睛，却不会看’，说的就是这个意思了。”这样的讲法，确实是与众不同、饶有兴趣的。讲述中，悄悄地，就把希利尔自己的思想也融入其中了。会讲不会讲，主要是看讲法;讲得好不好，主要是看究竟有没有自己的思想。确实，是这样的。
“描摹一幅画是很容易的。即使不描摹，看着一样东西描摹出一幅画也难不到哪儿去。成千上万的人都能画出一篮子水果、一瓶花或一处漂亮的风景，但这些画都只是简单的临摹而已。还有许多人可以临摹伟大的画家的作品，有些甚至临摹得非常地像，简直是让人辨别不出真假。但很少有人能够全凭自己的画笔创作出一幅全新的画，能够将各种零碎的碎片组织成一幅美丽的图画。只有能够做到这一点的人，才称得上是伟大的画家。”很显然，希利尔在导游的过程当中，他是丝毫也不隐瞒自己的观点的。虽然，这些观点并不新鲜，然而，他所表现出来的导游的态度，却是非常地诚恳的。做文化导游的最最基本的素质，就是诚恳，这点，希利尔无疑是懂得的。希利尔更懂得，只要是进入了创造的层面之后，那么，每个人就都是艺术家。
成为一位艺术家，确确实实是很容易，然而，又确确实实是很不容易。看看意大利文艺复兴时期代表人物之一米开朗基罗自然也就知道了——有一天，教皇请米开朗基罗去为西斯廷教堂的穹顶作大型绘画，米开朗基罗拒绝了。就在这时候，嫉妒他的人也便开始鼓唇摇舌，四处散播谣言，说他只会雕塑，不会画画。米开朗基罗自然是听在了自己的耳中的，于是，就决定用自己的真实的绘画水平攻破那些像乌鸦一样在空中乱飞的谣言。
可是，当他真正行动起来的时候才发现，在巨大的穹顶上作画是何等地困难：躺在高高的脚手架上，危险，就不说了，仅是只能看见一小片，根本就无法建立画面的整体观这一点，就让他万分作难。而且，当他在头顶上作画时，画笔上的颜料总是时不时地滴在他的脸上，有时候，连眼睛都很难睁得开。
而且，还要不断地下来上去，再下来再上去……本来，他是雇了一些助手性质的合作伙伴的，只因，那些合作伙伴的绘画水平远远不能令他满意，想来想去，最终，就还是辞退了所有的合作伙伴，独自一人，承担起了这项艰巨而又繁冗的创作。花了整整四年的时间，西斯廷教堂的绚丽多彩的穹顶，才终于呈现在众人的眼前。在众人的眼中，那简直就是一个伟大的神话。神话的诞生，自然是因为米开朗基罗的精湛的技艺以及坚忍的不服输的性格。有着怎样的性格，就会有着怎样的生命局面，这点，是不容置疑的。
无论做什么，是一定要有具体的东西的。讲世界艺术史，无疑也是。否则的话，就没有任何的鲜活的感觉了。因此，希利尔在讲到法国写实主义风景画和肖像画家柯罗时，便直接地让柯罗自己开口说话了：“假定某一景色曾使我激动过，那么，我在潜心表现它的时候，是一定要丝毫也不放过它曾使我激动过的东西的。”想想看，我们错过了多少曾经使我们激动过、使我们的心灵震颤过的东西啊!
这，就是激活。听人讲课，如果我们的某根神经得到了彻底的激活，进而与头高气硬、摩拳擦掌、捋臂揎拳、跃跃欲试的感觉猝然相遇的话，毫无疑问，我们便是不虚此行了。
《希利尔讲艺术史》读后感
每个孩子天生都是一个艺术家，他用最通俗易懂的语言，描绘出艺术最平易近人的面孔。
这本书分为：绘画篇、建筑篇、雕塑篇三大部分。刚开始走进这本书的时候，我习惯性地翻了一下目录，不知是因为自己本身就热爱绘画的原因，还是因为这里面的每一章节的名字都很有吸引力，我一眼就喜欢上了为首的绘画篇，所以开始捧起书津津有味的读了起来。
建筑篇，毫无疑问是介绍美丽的房子。房子也有年龄，会随着时光的流逝苍老。经过一年又一年的风吹雨打、日晒冰冻，斑驳的青苔像一条小蛇爬上了围墙，挂满尘埃的蜘蛛网藏在梁木之间的角落，但是久居其中的主人对老房子的感情却会越来越深。这世界上最古老的房子—金字塔，居然是给死人住的，但它拥有坚固的外壳，不倒的坚韧精神，也许它会让死者再一次感受到家的温暖。
雕塑篇，可能已经把当时的艺术推向了最高潮。令我印象深刻的一个雕塑家是米开朗基罗，他的代表作品是《大卫》，这一作品问世后，反应激烈。大卫因此被堪称为“意大利最完美的男人”。每一个雕塑家都拥有一把神奇的雕塑刀，这把雕塑刀会雕刻出一个个与众不同的作品，同时我也希望雕刻家用手中这把刀雕刻出一个完美的人生。
艺术是史永无止境的，不管是过去，现在，还是未来。我们追求艺术的脚步永远都不会停下。艺术史智慧与美的结晶，是在汗水的浇灌下结出的果实，带给人们的是视觉上震撼与心灵上的享受。
愿艺术，像太阳一样高悬在天空，用灿烂的光辉照亮人们的生活，照亮崭新的明天。
《大话西方艺术史》读后感
收到寄来的书后，大概打开浏览了一番，书里的纸张偏厚，很有质感。平时说起艺术，我们脑子里总会想到“高深”“不接地气”几个字，好像它们不属于日常生活，展览里的绘画作品也让人有些看不懂。
《大话西方艺术史》回顾了整个西方的艺术史，包括画家和流派。从几万年前的洞窟壁画到文艺复兴到浪漫主义再到印象派，直至二十世纪的超现实主义，仿佛打开了潘多拉魔盒，带领人穿越时空的隧道，见证一幅幅名画的诞生。书籍对专业人士来说或许过于简单，但对想要接触艺术的门外汉来说却值得推荐。
书中作者没有大谈特谈某种手法或故弄玄虚，而是通过有趣的语言和耐人寻味的图片展开阐述，每一章介绍一位画家或流派，逐渐将整个西方艺术史简单又清晰的阐述完全。每一章结束还会有一个总结：即“意公子说”，让人对本章内容和画家有了更深的理解。
如在作者介绍拉斐尔·桑西这一章时，用“你才是妈宝男呢，哼！”的有趣话语作为标题；
在写“自画像之父”阿尔布雷特·丢勒时，总结到：“关注自我、永远对这个世界抱有好奇心和探索的勇气，是丢勒身上最显著的特质，也是文艺复兴的先驱们为我们留下的启示。”
这算是我的第一本艺术类书籍，意公子的解读存在着许多见解、领悟和自己的感触，使印象中枯燥难懂的艺术史变得既通俗又有趣。
如果你现在问我：“艺术是什么”
我想我会回答：“艺术是把一件事情做到极致。”
尽管我还是不太懂得鉴赏画作，分辩不出好与坏，但却知道，一幅画能被做到极致，必定是不俗的。抛开画家和流派，我们把目光聚焦于画作本身，如《蒙娜丽莎》。
书中说明，这个神秘微笑的眼角和嘴角上竟有将近40层超薄油彩，薄到每层油彩的厚度不到两微米，相当于头发丝直径的五十分之一。人们推测，是达芬奇先把这些油彩涂抹在手指上，再用手指逐层将油彩抹到画布上，等完全风干再涂抹下一层，每次操作间隔至少两个月，《蒙娜丽莎》这幅画他用了十二年才完成。
试问，世间有几幅如此用心的画作？
达芬奇将匠人精神发挥到了极致。
在艺术的世界里，我们从色彩和结构中感受到的美千姿百态，只要你走进去，我想它不会让你失望。
《希利尔讲艺术史》读后感
这个暑假，我读了《希利尔讲艺术史》。它精美的插图和详细有趣的文章让我流连忘返，深深地吸引了我。
《希利尔讲艺术史》以“我”为称呼，在人物希利尔的视角讲述了从对每个人的艺术细胞和最古老的壁画开始，一直讲到现代科技和人类的艺术。
在每一章的开头，“我”总会提出自己的想法或小测试，还有的说些导读，十分有趣。
希利尔，美国杰出教育家，毕生从事中小学教育，酷爱历史和艺术，喜欢旅行。出生于马萨诸塞州韦茅斯。当维吉尔希利尔校长于18到卡尔沃特学校走马上任时，他还是一个年仅二十四岁的毛头小伙儿。然而，他有着一颗教师的心——一种天生的异能，了解孩子们需要什么，知道如何讲孩子才能听明白，以及孩子成长的规律是什么。他所说的地理和艺术读物，就是《希利尔讲世界史》、《希利尔讲世界地理》、《希利尔讲艺术史》。
《大话西方艺术史》读后感
这本书非常有趣，用简单幽默的语言为“我”这种对西方艺术既不了解又看不懂的人开了一扇门。
看到一个人对这本书打了差评，理由是“把百度百科的东西复制粘贴也能称之为书？”但我觉得，这世界上的科普读物里的科普内容，百分之九十九都能在百度百科找到。但关键是，如何把这些琐碎的知识串联起来让人看懂。就是科普读物的存在意义了。
一本好的科普读物，既要内容靠谱，又要让人看的懂，而显然这本书已经远远超过了这一点。
但为什么只有四分呢？我个人认为没有的一分扣在装帧和排版。
除了书设计以外另一个让我非常受不了的就是，内里的排版。书里主要讲名画雕塑，但总出现两种情况：
一：讲解内容在这一页，画或者雕塑配图在后一页，总要人翻页对着看就很不舒服。（有种回到高中做英语阅读题的感觉。）。
二：书里配了一些大图（一整面是一幅画的情况）画主角一般都在正中间。然而，正中间是书装订的位置，人脸啊画面啊总是有褶皱或者干脆就折的看不清细节。（但是主要人物，画面重点都在正中间啊，最重要的部分我根本看不清，我还欣赏什么啊……）。
总而言之，虽然书籍设计和装帧很差，但是内容值得一看。